점화시기 근방의 고난류 생성을 위한 기초연구

홍재웅,송영식,Hong, Jae-Ung,Song, Yeong-Sik 대한기계학회 1996 大韓機械學會論文集B Vol.20 No.1

The turbulence in the engine cylinder is generated by intake pressure and inertia effects during intake stroke, and is generated and decreased by piston compression effect during the compression stroke. The classified needed to generate high turbulence flow at vicinity of ignition timing. Therefore, A single-shot Rapid Intake Compression Expansion Machine (RICEM), which is able to realize the intake, compression, expansion or intake-compression stroke under high piston speed respectively, was manufactured and evaluated in order to find methods to generate high turbulence at around spark timing. It was found that the characteristics of RICEM such as reapperance, leakage, piston displacement with crank angle was corresponding to those of real engine and RICEM simulates not only high temperature and high pressure field but also flow patterns of the actual engine by increasing of pressure in intake line.

『퍼킹 오몰(Fucking Amal; Show Me Love)』에 나타난 퀴어 공간

홍재웅 ( Jai Ung Hong ) 세계문학비교학회 ( 구 한국세계문학비교학회 ) 2005 世界文學比較硏究 Vol.12 No.-

嬰兒의 豫防接種에 關한 調査

洪在雄(Jae Woong Hong) 서울대학교 보건환경연구소 1968 보건학논집 Vol.5 No.2

얄마르 쇠데르베리의 『닥터 글라스』에 나타난 작중 인물의 초점화와 방어기제 연구

홍재웅 ( Hong Jai-ung ) 세계문학비교학회(구 한국세계문학비교학회) 2021 世界文學比較硏究 Vol.74 No.-

세계적인 대문호로 칭송받는 스웨덴의 작가, 얄마르 쇠데르베리의 소설, 『닥터 글라스』는 100년을 훌쩍 넘긴 1905년에 출간되었다. 당시에 이 소설의 출간으로 쇠데르베리는 칭송과 비판을 동시에 받을 정도로 매우 커다란 논쟁을 불러일으켰다. 무엇보다도 그가 비밀스럽게 흠모했던 여성을 구하기 위해서 그의 환자를 살해하는 의사에 관한 소설의 비윤리적인 플롯 때문에 주목을 받았다. 본 논문은 소설의 서술방식과 관련해서 주인공인 글라스 박사라는 작중 인물의 초점화와 그의 방어기제를 분석하는 데 목적이 있다. 이러한 분석을 통해서 주인공 글라스 박사가 당면한 도덕적 딜레마의 상황에서 그가 과연 선인인지 악인인지에 관한 판단이 불가능하다는 것을 확보하는데 쇠데르베리가 사용한 접근법을 살펴보고자 하는 것이다. 무엇보다도 이 글에서는 작품에서 드러나는 다양한 심리적 자아 방어기제를 중심으로 분석해보고자 한다. 작품의 주인공 글라스 박사는 삶과 죽음에 관련된 실존적 불안에서부터 자신의 마음 속에 부정적 감정을 가지고 있는 것에 대한 불안과 그런 감정을 표현하는 것에 대한 불안 등 다양한 불안에서 자아를 보호하려고 자신 나름대로의 심리적 기제를 작동시키고 있다. 글라스 박사에게서 나타나는 방어기제는 주로 가벼운 이미지 왜곡 수준의 방어기제와 부인하는 수준의 방어기제 및 주요 이미지 왜곡 수준의 방어기제 등이다. 그에 대한 묘사는 선과 악을 구분 짓기가 불가능하며, 쇠데르베리의 서사 기법은 마치 풀 수 없는 수수께끼처럼 100년을 넘긴 현재까지도 여전히 숙제를 던져준다. 무엇보다도 이 소설에 등장하는 낙태와 안락사, 살인과 죽을 권리, 사랑과 도덕, 결혼, 종교 등 다양한 이슈들은 현재에도 여전히 유효한 이슈들이다. 시대를 앞선 심리소설로 스웨덴뿐 아니라 북유럽 문학의 걸작이라는 평가를 받는 쇠데르베리의 소설은 이러한 사회적 이슈를 통해 현재에도 매우 중요한 논의를 이어가게 한다. 이러한 쇠데르베리의 소설에서 크게 영향을 받은 상호텍스트적인 후속 작품들이 현재까지도 계속되고 있으며, 다양한 매체 전환을 통해 그의 소설이 계속 주목을 받고 있다. In 1905, more than 100 years ago from today, Doctor Glas was published, written by Hjalmar Söderberg, who is the acclaimed world renowned Swedish writer. The publishment stirred a heated controversy and drew tremendous praise and interest at the same time. Above all, the unethical plot of the story in which a murder was committed by the doctor in his effort to save his beloved woman was the center of the discussion. This paper aims to analyze the focalization and the defense mechanisms of the main character with respect to novel’s narrative technique. Through this analysis, the study explores Söderberg’s approach that is used in the story where line the good between the evil is blurred in a situation of moral dilemma faced by Doctor Glas. Most of all, this paper aims to center the analysis on the diverse psychological ego-defense mechanism witnessed in the work. Doctor Glas, the main character, shows his own psychological mechanism to protect the anxiety or insecurity related to the existence of ego, to negative emotions in his thought and to the its expression. The defense mechanism that Doctor Glas evokes varies from distortions of simple images to denial and to those of severe images. The depiction of Doctor Glas is not possible to explain whether he is a good man or an evil one and the narrative technique of Söderberg remains as an unsolvable enigma to us. Most of all, the issues dealt in the novel such as abortion, euthanasia, murder and right to die, love and moral, religion and so on are still valid to be discussed in these days. This novel of Söderberg enables us to continue to discuss these social issues, which is appraised as one of the masterpieces not only in Swedish literature history but also in that of Scandinavia. Different intertextual works, much influenced by Söderberg’s novels, are continued to be presented today and his novels are drawing interests through various adaptations.

오스카 와일드(Oscar Wilde)의 『살로메 Salomé』 공연에 대한 핀란드 관객의 수용과 정치적ㆍ사회적 콘텍스트의 변화

홍재웅 ( Hong Jai Ung ) 한국외국어대학교 EU연구소 2006 EU연구 Vol.- No.18

스트린베리의 실험극장

홍재웅 ( Hong Jai Ung ) 한국스칸디나비아학회 2004 스칸디나비아 연구 Vol.5 No.-

Strindberg was always closely concerned with the practical presentation of his plays, and in 1907, with the director August Falck, Strindberg established the Intima Teatern in Stockholm. Intima Teatern had earned a significant place in the history of the Swedish theater. Strindberg was deeply associated with it and took an even more active part as Intima Teatern's director during the years 1908-10. The aim of this study is to examine Strindberg's theories about acting in some detail during the period of the Intima Teatern. Strindberg, unlike a great many dramatists in his own and other times, respected acting as a profession and the dedicated actor as a great artist in any other genre. Strindberg knew that actors were the ultimate artists who brought a drama alive and, therefore, wanted that actors should be allowed to be an individual capacity of creative activity. Strindberg believed that actors must strive for naturalness of voice, movement, gesture, and expression. These concepts were reflected in his advice to the actors of Intima Teatern. The essay deals with the letters to the Intima teatern's actors and shows Strindberg's observations and reflections about acting technique and aesthetic in his Memorandum till medlemmarne of Intima teatern frân regissören.

스트린드베리의 『미스 쥴리』에 나타난 여성의 이미지와 권력 투쟁

홍재웅(Hong, Jai-ung) 한국외국어대학교 외국문학연구소 2010 외국문학연구 Vol.- No.38

1888년 7월 22일 스웨덴 여류작가였던 빅토리아 베네딕트손이 코펜하겐의 레오폴드 호텔에서 면도칼로 목을 긋고 자살을 한 사건에 대해서. 언론은 크게 관심을 갖고 보도했다. 아우구스트 스트린드베리도 베네딕트손의 자살소식에 관심을 가졌고, 그 사건이후 스트린드베리는 작품 『미스 쥴리』를 구상했다. 입센의 『인형의 집』이 여권운동의 대명사로 지칭되는 ‘노라’를 만들어냈다면, 입센과는 다른 입장을 취했던 스트린드베리는 『미스 쥴리』에서 ‘쥴리’를 통해 서 당시 여성의 모습이 어떻게 규명되고, 여성의 이미지가 어떠했는지 보여주었다. 『미스 쥴리』는 사실주의와 자연주의 문예사조에서 가장 중요한 작품 중 하나로 손꼽히지만, 이 작품이 스웨덴의 무대에 오르기까지는 18년의 세월이 걸렸 다. 당시 의견이 분분했던 『미스 쥴리』는 이제 스트린드베리 작품들 중에 가장 많이 상연되는 작품이다. 스트린드베리가 이 작품의 서문에서 여주인공 쥴리를 가리켜 ‘반(半)여성’이라고 지칭하듯이, 쥴리는 결코 약한 성적 존재가 아니었다. 그녀는 결코 평범한 여성도 아니었으며, 오히려 남성과 평등한 여성이었다. 당시의 관점에서 볼 때, 쥴리는 완전히 남성도 완전히 여성도 아니었으며, 성역할이 엄격히 구분된 사회적 울타리에서 그녀는 스스로도 혼란스러웠다. 이 논문에서는 계급의 갈등만으로 바라보는 제한적인 해석에서 벗어나, 쟝과 쥴리의 대립과 갈등이 상호작용을 통해서 어떻게 화해할 수 있으며, 공유된 이해에 도달하는지 보여준다. 제시카 벤자민의 정신분석이론은 프로이트의 정신 분석에 뿌리를 두면서도 ‘두 주체 사이’에서 차이점보다는 비슷한 점을 강조하고 배타적인 것보다는 포용을 강조하는 상호주관성의 주요개념을 사용하여 정신적 세계를 기술한다. 상호작용을 통해 서로 다른 수준과 범위에서 이해하고 있던 두 주체가 서로의 관점을 이해하고 서로 조정해 나가면서 공동의 의미를 창출하는 상호주관성의 과정이다. 벤자민은 프로이트의 ‘오이디푸스 콤플렉스’이론을 배제하지 않는다. 오히려 이를 차용하여 타자의 부정이 일어나는 현상을 의미하는 ‘오이디푸스적 보완’의 개념을 설명한다. 남성과 여성의 양극화는 위협적 요소가 투영되어 방어적 차원의 분열 하게 되는데, 이러한 보완을 통해서 성정체성을 갖게 된다는 것이다. 『미스 쥴리』에는 고/저, 도덕적 타락/순결, 여성/남성, 귀족/하인과 같은 양극화가 가득 차 있다. 쥴리는 자신의 귀족계급에 대해서 반발할 뿐 아니라, 성적 관습에 대해서도 항거하고 있다. 그녀는 쟝에게 자신을 평등한 주체로 바라봐 주기를 바란다. 쥴리는 쟝의 남성스러움과 상냥함을, 쟝은 쥴리의 여성스러움과 지위를 얻고자 한다. 이러한 투영을 통해서 쟝은 독립적이고 적극적인 남성으로써 자신의 형상을 유지할 수 있었지만, 쥴리는 쟝에게 모욕의 대상이 될 수 있고, 마침내 파괴될 수 있는 수동적 객체로 전락해버리고 만다. The aim of this study is to investigate how August Strindberg's play Miss Julie reflects the image of women and the struggle for the power. Miss Julie is a clear example of Strindberg's vision of the world. Miss Julie is viewed as one of the most important plays emerging from the literary movement known of Naturalism. By the early twentieth century the play was considered an important facet of modern drama and Strindberg would still have earned an important place in world drama even today. Strindberg, inspired by Victoreia Benedictsson's suicide, makes Julie representative of emancipation. I understand Miss Julie as Strindberg's contribution to the discussion of equality. There had been a strong tendency to define women as biologically weak when this play was written in 1888. This trend grew stronger with the demand of equality between the sexes. Julie rebels against the restrictions placed on her as a woman and as a member of the upper class. She displays a blatant disregard for the class and gender conventions. In his preface to Miss Julie, Strindberg refers to Julie as a 〝man-hating half woman". Psychologically — considered within the context of her time—Julie is neither wholly male nor wholly female, and she cannot find a place for herself within the social confines of either gender role. This essay shows how it could be reconfigured to replace dichotomous polarities of gender with a Jessica Benjamin's theory. Benjamin begins with the roots of psychoanalysis in Freud's theory of sexuality and identifies herself with the two-person model of intersubjectivity. Benjamin refers both to a capacity and to a theoretical standpoint with regards to intersubjectivity. always includes this paradoxical mixture of otherness and togetherness. The idea of intersubjectivity refuses to see other as an object, instead, it regards other as another subject. Benjamin's complementarity is another core term in the discourse on intesubjectivity and gender. Complementarities are dialectic relationships between opposites such as male/female, passive/active, observer/participant. Miss julie is full of dichotomy;, a high/low, filth/purity, female/male, upper class/lower class. Julie not only rebels against her class, she also rebels against the rules of her gender. She tries to convince Jean to treat her as an equal. But Jean's main desire is to use her as a stepping stone to a more powerful position. From this point through the essay, intersubjective subjects of both genders we must be able to tolerate contain different voices, asymmetries, and contradictions, love and hate, masculinity and femininity. In other words, it is ambivalence.

20세기 스웨덴 연극의 상호텍스트성과 문화상호주의

홍재웅(Hong, Jai-ung) 한국외국어대학교 외국문학연구소 2006 외국문학연구 Vol.- No.22

This study examines the hyper-visual director Robert Wilson, trained as a painter and architect. He is regarded as one of the most important directors in the international avant-garde theater. Robert Wilson's production of A Dream Play, which premiered in 1998 at Stockholm' City Theatre, demonstrated us a new reading of Strindberg's play. In his production of A Dream Play, Wilson created uniquely his own style on stage - integration of non-narrative drama, scenic spectacle, music, sound, silence, and dance. Wilson's evolving relationship to the text shows the intertextuality and interculturalism in the 20th century Swedish theatre. The interculturalism of Robert Wilson can be discussed on many levels, such as the aesthetics of production and re-production, performance aesthetics and theatre reception. This would apply not only to such obvious examples as the unique multi-national project of Civil Wars (from 1982 on), but applies equally on different levels to the majority of his works from the beginning. Wilson's interculturalism in terms of its production process has to be seen in the context of the geographical dissemination of his projects. Wilson's interculturalism contributes to intercultural understanding on the level of collective and collaborative theatre team work. Interculturally produced, Wilson's works are not intended to induce intercultural understanding, and as the experience with their " reconstruction" (replicas) shows, and they are relatively resistant to an intercultural transfer. Paradoxically, for Wilson, interculturalism is a vehicle not for cultural understanding, but for distancing, and luring the spectator into a meditative trance, as the only one comfortable position of appreciation in view of the displayed diversity. Robert Wilson's intercultural praxis does not fit into the helpful dualistic model of source and target culture unless it is proposed by Patrice Pavis. One directional source/target model of cultural transactions is superseded in Wilson's intercultural praxis through a model of orbit, with rotating motives which enrich themselves by passing through different cultural hemispheres. One could note many examples of Wilson's tendency to minimalize and familiarize any local "foreign" expressions in the production of Strindberg's A Dream Play. The flow of exchanges and transformations in the realm of Euro-American cultures asks for another model in which the very notion of source and target is invalidated.

잉마르 베리만의 연극 미학과 연출기법 분석

홍재웅(Hong, Jai-ung) 한국외국어대학교 외국문학연구소 2010 외국문학연구 Vol.- No.40

본 연구는 영화의 거장으로 널리 알려진 잉마르 베리만(1918-2007)의 예술적 원천이었던 연극에서 보여주었던 연출기법을 분석하고자 한다. 학창 시절 이야기를 담은 자신의 대본 『고통』이 영화 시나리오로 채택되면서부터 잉마르 베리만은 예술계에 발을 들여놓기 시작했다. 베리만은 자신의 시나리오를 영화로 제작하게 되었던 알프 훼베리(1903-1980) 감독의 조수 일을 맡는 행운을 얻게 되었고 본격적인 예술 활동을 시작했다. 이후 1944년 헬싱보리 시립 극장의 대표 자리를 맡게 되어 본격적인 연극연출가의 길에 들어서게 된다. 그 후 2년 뒤에는 덴마크 희곡을 자기 취향에 맞게 각색했던 『위기 Kris』라는 작품을 통해서 처음 영화감독으로 데뷔를 하게 되었다. 20세기 최고의 연극연출가로 평생을 몸바쳐온 베리만은 스웨덴 연극계에서 중 추적인 역할을 담당했을 뿐 아니라 그의 연출론과 경험은 스웨덴 연극계에의 커다란 전환점을 마련해주었다. 나아가 베리만의 연출기법과 무대의 경험들은 자연스럽게 영화 속으로 유입되어 영화계에서도 뚜렷한 족적을 남길 수 있게 하였다. 90세의 일기로 생을 마감했지만 베리만은 연출을 시작한 이래 매년 한 작품씩 거 의 한 번도 거르지 않으며 연출 지휘봉을 잡을 정도로 어느 연출가보다도 생산적이고 다재다능한 연출가였다. 베리만의 연출 미학에 있어서 중요한 세 가지 요소는 텍스트, 배우, 관객이다. 이 세 가지 요소-텍스트의 재해석, 연기 철학, 관객의 상상력과 반응-의 동적 상호 작용을 통해서 자신의 연극미학을 실험하고자 했던 것이 베리만의 핵심개념이다. 베리만에게는 출연자와 관객, 무대와 관객 사이의 의사소통이 이루어지면서 공연의 리듬이 생성되고 공연이 완성된다는 신념이 있었다. 무엇보다도 관객의 참여는 베리만에게 있어서 가장 중요하고 기본적인 열쇠가 된다. 이처럼 연극계에 중대한 영감을 주었던 베리만의 작업방식을 이해하고, 연극에 대한 그의 경험과 견해를 살펴보고 분석하는 것이 본 연구의 목적이다. This article is written in an attempt to analyze and understand Ingmar Bergman's theater. Ingmar Bergman is widely known as one of the greatest film director throughout the world. At the same time he had been the most important figure in the Swedish theater, also being the most exciting and innovative one of stage directors in Europe. As an undergraduate, Bergman began directing stage plays and his debut as an professional director took place at the Helsingborg City Theatre in 1944. Over the course of his long and distinguished theatrical career, after holding similar posts in the Goteborg City Theatre and Malmo City Theatre, he made a fast career path to the Royal Dramatic Theatre in Stockholm as chief director. The theater poetics of Bergman is inevitably expressed with his dynamic interplay of the three elements: a text, actors, and an audience. His reinterpretations of particular texts, his philosophy of acting, and the audience's imaginative response are the core of his experiments. With this communicative bond between the performer and the spectator, the stage and the auditorium Bergman creates the rhythm of the performance. For Bergman, the basic key to the spectator’s involvement in the mimetic experience lies in his conviction. The purpose of this study is to understand Bergman who gave a great inspiration for theater and to view how to work the art of the theater seen his perspective and his experience.

만남, 정체성, 유년의 기억

홍재웅(Hong, Jai-Ung) 한국외국어대학교 외국문학연구소 2011 외국문학연구 Vol.- No.42

덴마크 희곡작가 리네 크누트손 Line Knutzon(1965) 은 최근 스칸디나비아 지역에서 가장 촉망받는 젊은 극작가 중 한 사람이다. 그녀의 작품들은 주로 블랙 코미디와 부조리극의 특징을 띠며, 사무엘 베케트의 신랄함을 닮았고 매우 혁신적이라는 평가를 받고 있다. 자신의 고향인 덴마크뿐 아니라 스칸디나비아 지역에서 커다란 인기를 거둔 이후, 이제는 세계에서도 주목받는 극작가로 급부상했다. 본 논문은 크누트손의 희곡들에 나타나는 중심테마가 무엇인지 고찰하고 있다. 크누트손의 작품들은 일련의 독특한 테마들을 통해서 기본적인 구성을 이루고 있는데, 그녀의 작품들에 나타나는 테마와 모티프 및 인물형상 등을 탐색하는 것은 스칸디나비아 지역의 공시적 통시적 문학 연구를 위해 커다란 의의를 지닌다. 그뿐 아니라 중심적 테마(주제)와 모티프를 면밀히 탐색함으로써 본 연구는 작품해석의 열쇠나 근거를 삼을 수 있음은 물론, 크누트손의 작품세계를 구성하는 요소나 인지적 특수성의 발견을 통해서 개별적인 작가 연구를 고찰해 볼 수 있는 기회를 제공한다. 크누트손의 희곡에 나타나는 세 가지 중심 테마는 ‘만남’, ‘정체성’과 '유년의 기억'이다. 크누트손의 작품에는 여러 인물들이 등장하는데, 서로 다른 작품에 등장하는 인물들임에도 불구하고 마치 이들은 하나의 같은 작품에 등장하는 인물들로 인식될 만큼, 여러 면에서 교차가 이루어지고 있다. 즉 세 가지 중심 테마는 크누트손의 작품의 해석을 위한 주요한 열쇠가 된다. 이를 위해서 본 연구는 크누트손의 초기 다섯 작품을 선택하였다. 이들 작품들을 통해서 크누트손의 희곡에 나타나는 공통된 특성과 성격을 파악하고 고찰한다. This paper examines the themes in Line Knutzon’s dramas. In order to examine the themes in her dramatic works, it is suggested that Gunnar Brandell’s definition of thematic unity that consolidates an author’s several plays into one unity. In Knuzon’s dramas, three major themes come down to ‘the encounter’, ‘identity’ and ‘childhood’. These themes make the plays perceived as one and the same although each of the work is different ones. In order to understand how these themes go into a more cohesive whole this study attempts to identify the author’s analogy to express in the plays. Line Knutzon writes about the people who no longer fit into the society in which they still expected to participate in. Line Knutzon effectively expresses her political struggle in the plays for the poor, the outcasts, and the trouble, to search the identities in a society, a civil right to be what they are. Her plays are a counterforce to an increasingly harsh climate, in which the contradiction between the openness toward the outside and the prevalence of alienation and loneliness. This study investigates the parallels in Knutzon’s dramas and takes examples from the five chosen plays: Splinten i hjertet, Det er så det nye, Først bli’r man jo født, Snart kommer tiden, Den luft andre indånder. ‘The encounter’ appears to be the most critical feature that blows life into the characters of the works. It is evident that the one’s identity, the character’s the issue of being aware of itself, is very crucial in Knutzon’s dramatic works. This essay clarifies her ways how the identity issues manifest themselves in the dramas. The gender issue, being a male or a female, leads to the characters’ dilemmas and existential questions. The last of the main themes in Knutzon’s plays is the childhood. It shows that the childhood haunts people like dark clouds, struggling with difficulties to let the past go to move on with the life. The lack of adult role models in the childhood concludes in the quest for meaning of life, love and identity. It is possible to discern a pattern in the three themes going in and out each other so that these components’ mutual influence determines individual’s dilemmas and existential reflections.