세계미술의 교차로 : 비엔날레 국제비엔날레의 동향과 분석

최태만 국민대학교 종합예술연구소 2004 예술논총 Vol.7 No.-

갤러리 아트링크와 박효정

최태만,안정원(사회자) 현대건축사 2008 (월간)Maru Vol.- No.79

현대 한국미술과 도시문화 - 1980 · 90년대 미술에 표현된 서울의 도시풍경을 중심으로

최태만 동악미술사학회 2010 東岳美術史學 Vol.0 No.11

이 논문은 서울의 도시문화가 문학예술에서 표현되기 시작한 것은 근대도시의 면모를 보여준 1930년대이지만, 이 시대 미술에서 그 맹아를 찾기가 쉽지 않으며, 전후 경제개발과정에서도 서울은 단지 관조 대상으로만 재현되었으나 1980년대에 이르러 비로소 도시문화의 팽창과 함께 미술에서도 이를 표현하는 현상이 나타났다는 가설에서 출발하고 있다. 이 가설을 논증하기 위해 1980년대 도시문화의 팽창을 가능하게 했던 도시개발의 과정과 특징을 검토하고 서울의 급속한 성장과 팽창이 미술가들로 하여금 도 시 자체는 물론 그 속에서 이루어지는 삶의 방식인 도시문화에 대해 주목하도록 만들었음을 밝히고자 했다. 1980년대에 발표된 작품에서 도시에서의 일상과 개인적 삶, 백화점 진열장으로서의 도시공간을 해석하고자 한 단초를 발견할 수 있었다. 공간적으로 서울을 대상으로 했으나 서울이 한국의 도시화현상의 진원지이자 도시문화를 압축적으로 보여주고 있으므로 그 영향권으로부터 자유로울 수 없는 한국의 대도시에서 발견할 수 있는 특징이라고 할 수도 있을 것이다. 이 논문을 통해 서울의 이미지를 재현한 미술 작품 모두를 대상으로 삼을 의도는 없었으나 도시가 팽창하면서 나타난 변두리 도시빈민의 삶을 표현한 손상기, 1990년대 이후 서울을 대상으로 많은 작품을 발표해온 오치균, 최진욱 등의 작품은 논지의 흐름에 따라 제외했을지라도 후속연구를 통해 이들이 서울이란 도시를 어떻게 읽고, 해석하고 있는지에 대해서도 분석할 필요가 있을 것이다. 특히 1990년대 미술에서 서울이 어떤 방식으로 재현되고 있는가를 규명하는 것이 중요한 부분이라고 할 수 있다. 한국의 현대미술에서 서울이란 도시공간을 대상으로 한 사례가 많지 않다는 점도 연구를 어렵게 만드는 부분이었으므로 문학 속에 표현된 서울의 이미지와 그 도시적 삶을 많이 참고하였으나 문학작품의 해석방법론으로 포착할 수없는 한계가 분명한 만큼 수평적인 대입보다 교차비교의 방법을 적용하고자 했다. 논문의 학문적 엄밀성을 위해 독창적이고 특정한 주제에 대한 집요한 천착이 전제되어야 하지만 미술작품에 나타난 서울의 이미지는 물론 그 속에 내재한 도시문화 전반을 연대기적으로 조명하되 비평적 분석을 시도한 것에서 이 논문의 의의를 찾을 수 있을 것이다. This article attempts to provide an critical analysis of the emergence and expansion of urban culture in Seoul. The main purpose of this article is to prove the reality of urban culture focused on not only the comparative approach to artworks which described cityscape as well as dairy life in the city but also based on the method of cultural studies. According to Japanese colonial policy in 1930s, urban culture has took place in modernized phenomenon such as cafeteria, department store, bank, and modern transportation and communication means, then modern Korean literature and journal represented those particular scenes. However, strong modernization and industrialization project driven by government of South Korea in 196·70s drawn up rapid urbanization in Seoul. In the results of this urbanization, Seoul became one of the biggest cities in the globe and expansion of urban culture has coincidentally promoting in several aspect. Since the beginning of 1980s, some artists present these urban culture instead of landscape as a contemplated object. After 88 Seoul Olympic game, subcultures led by ‘New Generation’provided an opportunity to expand postmodern phenomena at Gangnam and Sinchon area. In conclusion, artists presented urban culture in their artworks since 1980s and it continued 1990s by followed young artists.

박트리아 미술의 諸神融合(Syncretism)과 王權神授思想

崔泰晩 동악미술사학회 2006 東岳美術史學 Vol.7 No.-

메콩삼각주의 화가들:베트남 근대미술과 전쟁기 민족해방전선 게릴라 화가들의 활동

최태만 한국미술이론학회 2015 미술이론과 현장 Vol.0 No.20

이 논문은 베트남전쟁기 게릴라 화가들의 활동을 추적하기 위해 먼저 베트남 근대미술 의 형성과 베트남전쟁기 저항미술이 나타난 경위를 고찰한다. 전쟁에서 경험할 수 있는 폭력적인 참상에도 불구하고 게릴라 화가들은 적에 대한 적개심보다 근거지에서의 평범 한 일상을 표현하는데 주력했다. 게릴라이자 화가였으므로 옻칠회화나 유화보다 연필이 나 펜으로 그린 스케치와 수채화가 대부분을 차지하고 있기 때문에 이 드로잉들은 거의 일기와도 같은 것이었다. 전쟁의 현실을 직접적으로 그려낸 이 드로잉을 통해 게릴라화 가들이 파악하던 베트남전쟁의 성격을 이해하는 데는 소중한 참고가 될 것이다. 또한 자신들이 겪고 있는 현실을 미화하거나 과장하지 않고 표현했다는 점도 중요하다. 이 논문의 의의는 베트남 근대미술과 저항미술의 형성과정을 고찰하고 이를 바탕으로 한국 에는 잘 알려지지 않은 베트남전쟁기 게릴라 화가들의 활동과 작품을 고찰한 것에서 찾 을 수 있을 것이다. This thesis discusses the formation of Vietnamese modern art and traces the history of resistance art during the Vietnam War. Despite horrific war conditions, the artists tried to portray daily ordinary life instead of expressing any enmity towards the enemy. Most works portray serene images of soldiers, done in pencil or water colors. Those sketches were done as if they were recording daily life activities in their diaries. These drawings were exhibited in the NLF camps in small sizes, to encourage and comfort each other during the war time. These drawings which portrayed personal hopes and emotions differ from the propaganda posters made under the doctrine of social realism. Those small quick sketches address the reality and characteristics of the Vietnam War as seen through the eyes of the Vietnamese. Through these drawings we can confirm that the Vietnamese tried to pass on their tradition while accepting the western realism. In this process, they did not glamorize or exaggerate the reality of their lives.

태도가 내용이 될 때

최태만 신라대학교 예술연구소 2004 예술연구 Vol.9 No.-

이탈리아 르네상스 회화에 있어서 상징과 알레고리

최태만 서울産業大學校 1997 논문집 Vol.45 No.1

This is an iconological approach to the Italian Renaissance Painting which contains profound symbol and allegory. According to art historians, many Italian Renaissance paintings menifest the philosophy of Neo-Platonism through symbols and allegories. Thus this methodological approach directs one to the interpretation of themes and meanings which are soaked into the form or the surface of each painting. The main purpose of this study is to verify the hidden meaning of a painting on the basis of the investigation of interdisciplinary possibility between humanity and art. When it is possible to prove the quality and value of a painting through these iconological methods, I would like to expound two masterpieces from the Italian Renaissance painting; <Primavera> by Sandro Botticelli and <Tempest> by Giorgione. Although these works of art are difficult and complex to appreciate, iconology offers the viewer some clues to interpret each symbol and allegory in accordance with the study about activities of the humanists of that time In conclusion, I believe iconology can illuminate a painting's quality as well as its hidden meaning of a painting. Therefore, this study could offer an analytical method to find the positive value of a painting.

현대불교미술의 과제와 가능성

최태만 동국대학교 석림회 2004 석림 Vol.37 No.-

권진규 조각의 형식 또는 양식의 근원에 대한 고찰 - 아르카이즘과 리얼리즘 사이에서

최태만 한국근현대미술사학회(구 한국근대미술사학회) 2022 한국근현대미술사학 Vol.43 No.-

Sculptor Kwon Jin-kyu is well known for his tragic end of life rather than his artistic talent or art historical meaning. So he is often called to “an unfortunate genius.” As much as we focus on the artist’s catastrophic death, it comes hard to make a rigorous interpretation or evaluation on his works of art. In this regard, this thesis begins with the re-examining of precedent studies on his sculpture based on the basic principles of scientific research. After comparing Kwon’s sketches on drawing book with his actual works of art, this thesis demonstrates that his style in sculpture was originated from diverse cultures—it was influenced from and mixed with European Classic and Middle-age arts, non-European arts from the Ancient Mesopotamian and Mexican civilizations, Japanese haniwa, traditional Korean art and culture, and European Modern sculpture. In particular, the “realism” that he pursued in his later works was related with the elements of traditional Korean architecture such as bracket systems(공포) and roof-figures(jabsang, 잡상), mural paintings of the Ancient Kokuryo tombs, earthenware, roof tiles with a goblin-shape(귀면와), and masks. In addition, the “archaism” which was featured on his works was influenced by Antoine Bourdelle, a teacher of Shimizu Takashi, who was Kwon’s academic advisor during studying in Japan. This thesis re-examines how Kwon’s statement, “I want to set up realism in Korea, ” led the overrated assessment on him, which positioned him as an artist who established Korean realism; and then discusses how he pursued “realism in attitude” rather than in artistic style. Such a realism means a method of keen observation to apprehend a structure of an object beyond representation. In so doing, this thesis demonstrates that Kwon sought for his own style in sculpture, which overcomes being considered as a mere unfortunate genius. That is, he made every effort to study shapes and structures via art historical resources to establish his own sculptural style. In a sense, his art can be categorized into modernism which is rooted in traditional methods and skills such as molding, terra cotta, and dry lacquer techniques. But at the same time, he has been re-considered and re-evaluated until twenty-first century because of his unique style in sculpture. Rather than establishing Korean realism, he wanted to embrace vitalities of archaism and existences (or beings) of realism in figures on his sculpture. It means, he developed forms and shapes which was found from the ancient to the modern eras into the abstract art, although his sculpture presented the figurative one. 조각가 권진규(權鎭圭, 1922-1973)는 실제 작품의 예술성이나 미술사적 의미보다 비극적인 최후로 더 유명하기 때문에 그에게는 ‘비운의 천재 조각가’란 수식이 늘 따라다닌다. 조각가의 파국적 최후를 강조할수록 작품에 대한 엄밀한 해석과 평가를 추월하는 문제가 있다. 이 논문은 이러한 통념을 불식하고 그의 작품을 보다 과학적인 방법으로 분석하여야 한다는 기본 원칙에 따라 선행 연구에 대한 면밀한 재검토를 시도한 것으로부터 출발한다. 권진규가 남긴 드로잉북의 스케치와 기록을 그의 작품과 교차, 비교한 결과 그의 작품에 나타난 양식적 근원으로 유럽 고전과 중세, 고대 메소포타미아와 멕시코 문명 등의 비유럽 미술, 일본의 하니와(埴輪), 한국의 전통미술과 문화, 유럽 현대조각가 등임을 밝혀내었다. 특히 한국 전통 건축의 공포(栱包), 잡상(雜像), 고구려 고분벽화, 토기, 귀면와, 탈 등은 그가 후기에 추구한 리얼리즘과도 밀접한 관련을 맺고 있다. 권진규의 작업에 두드러진 ‘아르카이즘’은 일본 유학 시절 지도교수였던 시미즈 다카시보다 그의 스승이었던 부르델의 영향이 더 컸다. ‘한국에서 리얼리즘을 정립하고 싶다’는 권진규의 발언이 그를 한국적 리얼리즘을 정립한 조각가로 과잉 평가된 사실을 논증하면서 그가 추구하고자 한 것은 양식으로서의 리얼리즘이 아니라 태도로서의 리얼리즘이며, 그 방법은 대상에 대한 관찰과 재현 너머의 구조를 파악하는 것이었다. 이 연구의 성과는 권진규를 ‘비극적 천재’가 아니라 미술사적 자료의 형태와 구조에 대한 조사와 연구를 바탕으로 자신만의 양식을 모색한 조각가였음을 규명하였다는 데 있다. 그는 소조, 테라코타, 건칠 등 전통적인 재료기법에 충실했기 때문에 근대에 뿌리내리고 있으나 자신만의 독자적인 양식을 창출함으로써 21세기에 이르기까지 기억되고 거듭 재평가되는 조각가가 될 수 있었다. 따라서 그가 추구한 목표는 한국적 리얼리즘이 아니라 아르카이즘의 생명성과 리얼리즘의 실재를 포용하며 기본적으로 구상에 기초하되 고대로부터 현대로 이어지는 형태를 추상으로까지 발전시키려는 것이었음을 알 수 있다.

모노하와 사물들의 공화국

최태만 국민대학교 종합예술연구소 2003 예술논총 Vol.6 No.-