E. Grieg의 피아노 소나타 Op.7에 관한 연구

신혜진 추계예술대학교대학원 2018 국내석사

그리그는 노르웨이를 대표하는 작곡가이자 연주자이다. 독일에서 공부했던 그는 19세기 후기 낭만주의의 영향을 받았으나, 그 시기 유럽전역에서 일어난 민족주의의 영향을 받아, 기존 형식에 머무르지 않고 노르웨이 민요, 민속춤, 민속악기 등 민속적인 요소들과 노르웨이의 자연 환경들을 음악 속에 표현하고자 하였다. 그가 유일하게 남긴 피아노 소나타인 <Piano Sonata Op.7>은 총 4악장으로 구성되어 있으며, 소나타 형식, 3부 형식 등 낭만주의 소나타 형식을 기초로 하고 있다. 그러나 곡의 내용은 선율이나 화성, 리듬 등에서는 민속적인 요소들을 많이 포함한다. 노르웨이의 민속적인 요소들과 그리그의 삶과 음악을 이해한다면 <Piano Sonata Op.7>을 연주하는데 더욱 좋은 연주가 될 것이다. In the late 19th century, many people of Europe began seeking and establishing their own unique ethnic and nationalistic identities. Music and art were no exception, with many ethnic and national groups showing their unique identities through music and art. During this period, while some in Norway campaigned against nationalism, Grieg was a composer that represented Norwegian nationalism. This paper examines the cultural trends of Scandinavian countries during this time, with a specific focus on the characteristics of Norwegian nationalist music. In particular, an analysis of Grieg’s <Sonata Op.7> reveals that many of the characteristics of Norwegian nationalism during this time period were shown in the musical character of Grieg’s pieces. Composed in 1865, <Sonata Op.7> was a piece that deviated from German romantic music and instead moved towards a Norwegian nationalistic style that is comprised of a combination of various elements from Norwegian folk music. Specifically, Grieg’s <Sonata Op.7> is a four movement piece that consists only of piano Sonata. The first movement is a Sonata form with a short yet powerful movement, with the melody itself being lyrical and consisting of two themes. The second movement is slow and produces a lyrical and beautiful melody. The third movement features an old Norwegian emotional tone and atmosphere, along with a folk song’s melody. The final movement is a Sonata form with an introduction that features a rhythmical mood. Further, Grieg’s Piano Sonata features throughout sequence modulation, chromatic progression, non-harmonic tones, an open fifth chord, pedal point, Gangar, Halling, Springdangs, and etc. On the emotional side, Grieg’s Piano Sonata has a nationalistic tendency. Contrarily, on the formality side, its colors are that of romantic music. Overall, Grieg well-represented Norway’s musical colors during his period with rhythmic folk dance music, church mode, and the folk scale. One will be more appreciable of Grieg’s music player if one goes further than a simple literal interpretation to seek the pervasive folk elements within his music.

예술경영 측면에서 본 전통음악의 사회교육 프로그램 연구

김화선 추계예술대학교 예술경영대학원 2002 국내석사

우리는 지금 21C 문화의 경쟁시대에 살고 있다. 더구나 우리들은 정보통신의 발달로 지구촌 시대에 살면서, 미국문화와 같은 커다란 문화권에 휩쓸리는가 하면, 반면에 자기나라의 고유문화를 지켜 나가려고 한다. 한국의 고유문화를 상징하는 전통음악도 우리가 지키고 세계시장에서 살아남으려면, 우리의 전통음악을 아끼고 사랑하는 많은 수요자의 확보와 침체되어 있는 전통음악을 활성화시키고 확산시킬 전문경영인이 있어야 한다. 전통음악은 한국인의 독창성, 고유성, 동질성, 민족성을 나타내고 한국인의 정서를 표현하는 특징과 이것을 보존, 보급하고 발전시켜야 할 중요성을 가지고 있다. 이러한 전통음악의 특징과 중요성에 비추어, 전통음악의 개념을 정리하고 예술경영측면에서 본 전통음악 경영에 대한 개념을 정립하였으며 그 특수성을 중요시하였다. 현재와 같은 예술경영이란 체계적인 학문 없이도 전통음악과 관련된 사회교육기관이나 단체들이 현장에서는 어떻게 운영되었으며, 공연을 위한 전문인력 양성 및 전통음악 보급을 위한 일반 수요자를 대상으로, 전통음악 사회교육 프로그램을 어떻게 다루었는지에 대한 역사성을 시대별로 고찰하였다. 전통음악의 사회교육개념과 그 필요성을 제시했고, 지금 당면하고 있는 전통음악 사회교육기관의 예술경영환경을 열거하였다. 그리고 전통음악 사회교육은 평생교육차원에서 일반인 또는 학생들을 대상으로 하는 사회교육의 범주로 설정했으며, 경영학적 개념으로 수요와 공급의 차원에서 수요자 확대방법으로 접근하였다. 사업목적이 비슷한 전통음악사회교육 프로그램을 진행하고 있는 몇 개의 전통예술단체와 전통음악 사회교육기관을 선정하여 운영실태를 살펴보았다. 그 대상은 공급자인 정부의 정책기관과 지방자치단체 및 국립단체, 기업의 문화센터 운영 및 사단법인과 민간운영단체를 대상으로 선택하였다. 그리고 이들 단체에서 운영하는 전통음악 사회교육 프로그램의 기획과 정책 및 교육내용을 분석했다. 특히 대부분 전통음악단체의 미션인 전통음악보존과 보급 및 계승, 발전을 위한 사회교육 프로그램 운영, 관객개발을 위한 수요층 확보, 후진 양성 등 단체의 목적을 달성하기 위해서 어떤 방법으로 운영하고 있는지 유형별로 선정한 단체의 사례를 통하여 살펴보았다. 또한 분석에서 나타난 전통음악 사회교육 프로그램의 문제점을 알아보고 그에 대한 활성화 방안을 제시했다. 수요자 분석은 문헌과 자료를 중심으로 하고 예술단체의 설문결과와 인터뷰를 통하여 수요자의 요구 프로그램을 정리하고 종합 분석하였다. 따라서 본 논문은 전통음악의 활성화를 위한 전통음악 사회교육 및 교육프로그램 개발의 필요성을 제기하고, 관객개발 차원의 수요자 확보, 학교 교육과 전통음악 사회교육 프로그램과의 연계구축 방안을 제시했다. 전통음악 사회교육 프로그램 개발은 경영자에 따라서 프로그램의 효과를 향상시키기도 하고 감퇴시키기도 하는 중대한 결과를 가져온다. 그러므로 전통음악 사회교육 프로그램을 효율적으로 운영할 수 있는 경영방법 및 연구개선 할 수 있는 능력과 전통음악의 특수성에 밝은 전문경영 인력의 양성이 시급하다. 전통음악의 활성화와 전통음악 사회교육 프로그램을 효율적으로 운영하기 위해서는 적극적인 마케팅, 홍보, 펀드레이징 등 예술경영기법의 도입과 전통음악 사회교육에 대한 정부 및 지자체의 관심과 예산확충을 위한 정책적인 배려를 제시했다. The twenty-first century is the era of the global village with cultural competition and the continuing development of information and communication technologies. Individual cultures strive to preserve themselves despite the influence of foreign cultures. In order for Korean culture and art to thrive in the global market, Korea needs professional art managers who can devote themselves to studying and developing Koreas traditional arts, and to promoting an appreciation of these arts among the public. This means that traditional Korean music cannot be further developed without revitalizing cultural education programs through professional arts management. Traditional music represents the Korean peoples originality, uniqueness and ethnicity as well as serves as a venue for the emotions of the Korean people. These qualities of traditional Korean music have motivated this thesis, which summarizes the characteristics of traditional music and introduces a new concept of traditional music management from the perspective of arts management. Furthermore, an investigation is made of the operation of traditional music education organizations and the implementation of music education programs before the systematic discipline of arts management was developed. The results of this investigation we the realization of the need for the education of the public in traditional Korean music and a listing of the conditions and realities facing traditional music education institutions as they manage their programs. This listing underscores the need to seek methods of expanding appreciation of traditional music to a wider audience. In support of this theory, eight traditional arts organizations and cultural education institutions, which offer traditional music programs to the public, were selected from among government-supported agencies, government agencies, national organizations, foundations, corporations, and private organizations. Then, the procedures used to operate these programs were analyzed, with a particular focus on the planning, policies and contents of the programs. Many traditional music institutions implement cultural education programs that are intended to preserve, promote and develop traditional music, to encourage a larger audience, and to train followers of traditional music. Each institution has its own ideas of how to best implement programs that achieve these goals, and these ideas are examined. Moreover, the problems and shortfalls faced by these programs are discussed, along with recommendations for revitalizing the programs. An analysis of applicants to these programs was then made, mainly through a review of the literature, and the most requested programs were identified and analyzed through surveys and interviews. In conclusion, it is proposed that traditional music needs to be invigorated by expanding and developing cultural education programs which attract more people. Furthermore, there is an urgent need to train arts management experts in order to implement and maintain these programs effectively. In other words, the success of one of these programs depends heavily on its managers ability to implement and improve such programs, and so those managers must be capable of developing and revising effective programs and be knowledgeable about the unique character of traditional music. Toward this goal, it is proposed that a department of traditional arts management be established. However any such effort to revitalize traditional Korean music education must have government support.

공공단체 예술인의 노조몰입 결정요인에 관한 연구 : 국공립예술단원을 중심으로

이영희 추계예술대학교 대학원 2015 국내박사

From the late 1990s, public art organization’s operations have been slowly privatized through contracting out and performance-based organizations The Purpose of this movement was to restore an efficiency and the autonomy from excessive bureaucracy in management. Ironically, making profit for the financial independence became a main goal while ensuring the autonomy in operation became less important and a superficial goal. In addition, opinions from public organization artists’ and the general public were neglected. Lack of communication and discussion created conflicts. This research focused on this particular background explained above. The purpose is to identify the determinants of union commitment in the context of understanding the context of art organizations. An artist working for the government and engaging in union commitment should be differentiated with private sector employees. Therefore, the artistic features would be designated as a control variable to apply the artists' occupational features into research. In order to conduct this research, past literature related to union commitment were reviewed to identify key variables which are expected to influence the commitment. These variables were tested to view their actual aspects. Participants were selected from the artists currently participate in a governmental or the public owned organization unions. Research proceeded as follows: focus group interview, then set up target specified research a theory, SPSS program was used to analyze the data. Results are provided below: To examine the relationship between organizational and union commitment, organizational commitment has a significant effect in union commitment. Second, to examine the linkage in union commitment and job satisfaction, high union commitment results in better work satisfaction. Third, the core of governmental or public affiliated artist union in between, attitude towards union commitment. Fourth, relationship between the satisfaction in union activities and union commitment, the union activities follows as of the result of labor union activities and positively affects to union commitment. Fifth, contribution of labor union and union commitment, it has indefinite positive result in public welfare and union commitment as well. Labor and management relationship culture and union commitment exposed positive attitude towards the labor union with union commitment as sixth. Seventh, examine six variables above to find highly effective in which organizational commitment selected as the most. Finally, high publicity in governmental and public owned organization’s artists and their results provided more concentration in union commitment. Control variable, publicness of art, interactively effects to both attitude of managers and co-worker perception. This result reflects the more publicness negatively. It shows that publicness is negatively associated with the manager attitude and the co-worker's perception. From the research, we found artists belong to those of non-private organization has cognizance in public of art. Member of a labor union affiliated artist should aware their specialty in culture and art, therefore, an independent, target oriented in providing an art and culture to the public should possessed in person or particular. 1990년 후반부터 문화예술단체는 관 운영에서 민간위탁 및 책임운영 방식을 도입하는 등 점차 민영화되기 시작했다. 그 배경 취지는 운영의 관료주의를 극복하고 자율성을 보장하자는 것이었다. 그러나 그 과정에서 재정 자립을 위한 수익성 추구가 실질적인 목표이고 자율성은 명목적인 것으로 드러났다. 또한 추진과정에서 공론화 과정이나 기관 소속 예술인의 의견은 제대로 반영되지 못한 부분이 있다. 결국 이런 문제로 인해 많은 갈등이 표출되었다. 이 연구는 이러한 배경에 주목한다. 이러한 관점에서 연구의 목적을 공공재원으로 운영되는 우리나라의 국공립예술단체에 있어 예술의 특수성을 고려하면서 예술인이 노조몰입에 참여하는 실질적인 영향요인을 분석하고자 하였다. 국공립예술단원의 노조몰입은 일반 근로노조원과 같은 시각의 노조몰입으로 보는 것과는 차이가 있다고 전제하고, 국공립예술단체의 예술활동과 예술인이 갖는 직업적 특성을 예술의 공공성이라고 보았다. 이러한 예술의 공공성이 가질 수 있는 중요한 명분을 강조하여 조절변수로 선정하고 연구에 반영해 보고자 하였다. 이 연구를 진행하기 위해 먼저 노조몰입에 관한 기본이론과 선행연구를 고찰하여 국공립예술인 노조몰입에 영향을 줄 것으로 예상되는 변수를 파악하였다. 그리고 그러한 변수가 실제로 어떻게 영향을 미치는지를 살펴보았다. 이를 위하여 연구대상은 국공립예술단체의 단원으로 노조에 가입한 실연 예술인으로 대상을 한정하였다. 연구방법은 먼저 연구목적을 감안하여 대상자 인터뷰를 거치고 연구가설을 설정하였다. 분석도구로는 SPSS 통계프로그램을 이용하여 조사된 자료를 분석하였다. 이러한 절차를 거쳐 나타난 연구 결과를 살펴보면 다음과 같다. 첫째, 조직몰입도와 노조몰입의 관계를 살펴보면, 조직몰입도는 전반적으로 노조몰입에 가장 큰 영향을 미친다. 둘째, 직무만족도와 노조몰입의 관계를 살펴보면, 활발한 노조몰입은 직무만족도를 높이는 데 기여한다. 셋째, 국공립예술단 노동조합에 대한 동료의 인식 및 관리자의 태도와 노조몰입의 관계에서는 동료의 인식 및 관리자의 태도는 노조몰입에 중요한 영향을 미친다. 넷째, 노조만족도는 노조활동의 결과로서 효과요인으로 볼 수 있으며 노조몰입에 유익한 영향을 미친다. 다섯째, 노동조합의 공헌도는 사회에 공익적인 효과를 나타내는 것으로 노조몰입에 유익한 영향을 미친다. 여섯째, 노사문화는 노동조합에 대한 우호적인 긍정적 태도로 나타나며 노조몰입에 긍정의 영향을 미친다. 일곱째, 위의 여섯 가지 변수가 노조몰입에 미치는 영향이 어느 변수가 가장 높은지 알아보는 분석을 실시한 결과, 노조몰입에 가장 큰 영향을 미치는 변수는 조직몰입도이다. 여덟째, 국공립예술단체 예술인과 예술활동의 공공성이 높을수록 노조몰입은 증가된다. 또한 조절변수로서 예술의 공공성은 관리자의 태도와 동료인식에 상충적인 상호작용을 한다. 이는 공공성이 있을수록 관리자 태도와 동료인식이 노조몰입에 미치는 영향을 낮춘다는 것을 시사한다. 국공립예술단체에 속한 예술인은 예술의 공공성이 의무이며 중요하다는 사실에 모두 공감하고 있다. 국공립예술기관은 공공성을 지향하는 운영 목적에 맞게 관리자, 예술단원, 노동조합이 힘을 합하여 질 높은 공연예술 활동으로 국민 문화향유에 기여할 수 있는 여건을 갖추어 나가기 위해 노력해 나가야 한다. 주제어 : 노조몰입, 조직몰입, 직무만족, 예술노조, 예술의 공공성

대중문화예술분야 청소년 진로교육 실태 및 활성화 방안 연구 : 대중음악 가수를 중심으로

최재귀 추계예술대학교 대학원 2021 국내석사

본 논문은 대중문화예술분야로 직업을 결정한 청소년들의 진로교육 실태 및 활성화의 필요성에 대한 논문으로 특히 본 연구자는 대중음악 가수를 직업으로 선택한 청소년들의 진로교육 실태와 활성화 방안에 대한 필요성을 중심으로 제기하고자 한다. 1990년대 서태지와 아이들, HOT, 젝스키스, GOD 등 그룹형 대중음악 가수의 등장으로 한국 대중음악 산업의 시작을 알리게 되었으며, 2000년대 원더걸스, 소녀시대, 슈퍼주니어, 빅뱅 등의 아이돌 가수는 한국 대중음악 산업을 부흥시키고 안착시키는데 큰 기여를 하였다. 2010년 이후부터 2020년 현재까지 BTS, 블랙핑크, 싸이, NCT 등의 가수를 중심으로 한국 대중음악 산업의 세계화를 이끌며 세계 음악 시장에 신(新)한류 열풍을 다시금 일으키며 국내 연예 산업 시스템의 혁신을 이끌어 가고 있다. 이러한 결과로 대중음악 가수들은 대중의 인기와 부의 축적이라는 놀라운 성공을 거두게 되었으며 더불어 국내 대중음악 산업 또한 국가적 이미지 향상과 경제 성장을 이끄는 동력으로 함께 성장하게 되었다. 이러한 대중음악 산업의 성장과 발전은 과거 대중음악에 대해 갖고 있었던 부정적인 인식을 변화시켰으며, 인터넷과 소셜 미디어 매체의 발달로 대중음악을 더욱 쉽게 접하고 즐기는 많은 10대 청소년들이 자신의 자아 실현과 성공을 위해 ‘대중음악 가수’라는 진로를 선택하는데 많은 영향을 미치고 있다. 본 논문의 목적은 앞으로도 한국의 대중음악 산업의 건강한 발전을 어떻게 지속적으로 이어 나가야 하는가? 수준 높은 대중음악 가수의 육성과 발굴, 양성을 어떻게 해야 하는가? 대중음악 가수를 희망하는 많은 청소년들이 자신의 적성과 재능을 발견할 수 있는 진로탐색의 기회를 어떻게 제공 받아야 하는가? 라는 질문에서 시작되었다. 지금까지 국내 대중음악 가수의 발굴과 트레이닝, 데뷔까지 모든 시스템의 전반을 연예기획사가 오롯이 책임지고 투자하고 있으며, 대다수의 대중음악가수 지망 청소년들은 전문적인 대중음악 교육을 받기 위해서는 사교육에 의지하고 있는 실정이었다. 이제는 국가적인 경쟁력 확보를 위해 외면할 수 없게 된 한국 대중음악 산업의 성장을 지속해 나가기 위해서라도 인재 발굴과 양성을 위한 기틀을 마련하기 위해 정부의 체계적인 투자와 지원, 공교육과 산업계, 민간 기관의 협력 네트워크 구축이 필요하다. 이를 통해 대중음악 가수 지망 청소년의 진로탐색과정 개발, 연예 기획사와 연계된 가수 데뷔 시스템 구축, 대중음악 진로교육 관리를 위한 중심 허브 기관 설립, 대중음악 진로교육 전문가 확보와 양성을 위한 방안, 온라인 비대면 서비스를 활용한 진로교육 방안을 제시하게 되었다. 본 연구자는 조사한 연구 자료를 바탕으로 대중음악 가수를 직업으로 선택한 청소년들에게 긍정적인 영향을 미칠 수 있는 대중음악 진로교육의 방향을 제시하여 이들이 올바른 진로결정을 할 수 있도록 돕는 것에 연구의 목적이 있다. This paper is a paper on the status of career education and the necessity of vitalization of career education for teenagers who have decided to work in the field of pop culture and arts, especially this researcher would like to raise the need for the status of career education and ways to revitalize youth who have chosen pop music singers as their profession. In the 1990s, Seo Taiji and Boys, HOT, SECHSKIES, and GOD introduced the start of the Korean pop music industry. In the 2000s, Wonder Girls, Girls' Generation, Super Junior, and Big Bang contributed greatly to the revival and settlement of the Korean pop music industry. Since 2010, until now, BTS, Black Pink, Psy, and NCT have led the globalization of the Korean pop music industry, creating a new wave in the global music market, leading to innovation in the domestic entertainment industry system. As a result, pop music singers have achieved remarkable success in accumulating public popularity and wealth, and the domestic pop music industry has also grown together as a driving force for improving national image and economic growth. The growth and development of the pop music industry has changed the negative perception of pop music in the past, and the development of the Internet and social media has greatly affected many teenagers who are more easily exposed to and enjoy pop music to their own self-realization and success. How should the purpose of this paper continue the healthy development of Korea's pop music industry? How should we foster, discover and train high-quality pop singers? How should many young people who wish to become pop music singers be provided with opportunities and career education to discover their aptitude and talents? It started with the question. So far, entertainment agencies have been responsible for and invested in the overall system, including the discovery, training and debut of Korean pop music singers, and the majority of young people who want to be pop singers have relied on private education to receive professional pop music education. In order to continue the growth of the Korean pop music industry, which cannot be ignored to secure national competitiveness, the government's systematic investment and support, public education, industry and private institutions need to establish a cooperative network. Through this, it was proposed to develop career exploration courses for aspiring pop music singers, establish a debut system for singers linked to entertainment agencies, establish a central hub for managing career education for popular music, secure and foster experts in career education for pop music, and provide non-face-to-face career education using online services. Based on the research data surveyed, this researcher aims to help many teenagers make the right career decisions by suggesting the direction of popular music career education that can have a positive impact on teenagers who choose pop music singers as their jobs. Based on the research data surveyed, the purpose of the research is to help them make the right career decisions by suggesting the direction of popular music career education that can have a positive impact on teenagers who choose pop music singers as their jobs.

서울 강남구 가구별 특성과 문화재단 프로그램 연계에 관한 연구

성여운 추계예술대학교 문화예술경영대학원 2018 국내석사

2018년 현재 너무나도 많은, 다양한 기관에서 다양한 문화예술 프로그램을 기획, 운영하고 있으며, 우리는 어렵지 않게 그 문화예술 프로그램을 관람하거나 체험할 수 있다. 문화예술 프로그램에 참여하거나 관람해야겠다는 마음가짐만으로도 쉽사리 동참해 지역 주민들과 함께 문화예술을 즐길 수 있게 되어있다. 또한 나날이 발전하는 사회 속에서 문화예술 또한 나날이 발전을 거듭하여 이제는 문화예술을 단지 관람하거나 체험하는 것에 멈추지 않고 새로운 문화예술을 만드는 예술가의 역할까지 하는 등의 문화예술 프로그램으로 발전하게 되었다. 예술가들만의 영역이었던 생산자 역할을 지역 주민들도 생산자 역할을 수행함으로 새로운 문화예술 프로그램이 활발해지는 이 시기에 관람자의 역할조차 하지 못하는 계층이 발생하게 되고 이를 해결하고자 많은 고민과 노력, 다양한 시도를 여러 기관에서 진행하고 있다. 유아에서부터 노년에 이르기까지 너무나도 다양한 성격과 성향을 가진 지역 주민들이며, 다양한 특성을 지닌 계층의 지역 주민들이기에 이들의 문화적 욕구를 모두 충족시켜 주어야 하며, 문화예술이 지역 주민의 계층과 연령에 있어 차별적으로 다가가지 않아야 함을 우리는 기억해야 하지만 아직도 무의식적으로 문화예술 프로그램에 대한 차별적 제공을 하고 있는 실정이다. 이러한 무의식적인 차별에 대한 문제점을 인식하고 개선해나가야 할 필요성을 깨달아야 하며, 깨닫는 것으로만 끝나는 것이 아니라 실질적으로 바꾸고자 노력하고, 이를 실천해서 문화예술에 대해서만큼은 차별 없이 어느 누구나가 즐기며, 체험하고, 문화예술을 통해서 삶의 만족도가 상승될 수 있도록 해야 할 의무가 있다. 일부 문화예술 프로그램의 참여도는 상승되지만 보편적인 문화예술 프로그램에 참여하는 지역주민이 나날이 감소하는 상황에 기존 프로그램에 대한 참여도 상승 방안을 모색하고 마련하여 참여 인원의 상승을 유도 하는 것도 중요하지만 기존에 참여하지 못하는 지역 주민을 문화예술 프로그램에 참여할 수 있도록 하는 방안에 대해 모색하고 이 방안을 실제 추진하여 지역주민 모두가 문화예술을 향유할 수 있도록 하는 것이 매우 중요한 사항임을 꼭 기억해야 할 것이다. As of 2018, there are so many diverse institutions that plan and operate diverse cultural and arts programs, and we can experience and experience the cultural and arts programs without difficulty. It is easy to participate with the attitude of participating in or viewing the cultural arts program and enjoying the culture and arts together with local residents. In addition, culture and arts have been developed day by day in the developing society, and now they have developed into culture and arts programs such as playing the role of an artist who does not stop just watching or experiencing culture and arts and creating new culture and arts. Since local residents also play a role of producers who were the realm of artists only, there are those who can not even play the role of spectators in this period when new culture and art programs become active. To solve these problems, many troubles, efforts, . It is a local residents with various characteristics and tendencies ranging from infants to old age. It is a local residents with various characteristics. It is necessary to satisfy all the cultural needs of them, and the culture and arts should be differentiated in the class and age of local residents. We have to remember that we should not approach it, but we are still making a discriminatory offer to cultural arts programs unconsciously. We need to realize the need to recognize and improve the problem of this unconscious discrimination, and not to end it with realization, but to try to change it practically and to practice it, There is an obligation to make life satisfaction through art. Participation in the arts and culture program is elevated, but it is also important for the local residents participating in the universal arts and culture program to decrease their participation in the existing programs, It is important to remember that it is very important to find ways to enable local residents who can not participate in cultural arts programs and to promote these measures so that local residents can enjoy cultural arts

예술지원 매칭펀드 현황 및 개선방안 : 한국메세나협회 사업을 중심으로

배소윤 추계예술대학교 문화예술경영대학원 2017 국내석사

최근 기업에서는 문화예술을 직원의 창조적 능력 향상 및 수입 창출의 방안으로 주목하고 있다. 이러한 흐름에 따라 정부에서는 각종 제도 도입을 통해 기업의 문화예술지원을 뒷받침하고 있으며 기업과 예술이 만나는 접점에 ‘메세나(Mecenat)’가 있다. 우리나라에서는 '한국메세나협회'에서 메세나 활동을 주도하고 있으며, 정부에서도 ‘예술지원 매칭펀드’ 사업을 통해 기업의 참여를 유도하고 있다. 본 연구는 한국메세나협회의 예술지원 매칭펀드 사업에 대한 개선방안을 제시하는데 목적이 있으며, 2007년부터 2016년까지 사업에 참여한 예술단체 및 기업을 대상으로 한다. 연구를 위한 기본 자료는 문화예술 분야 지원정책 관련 연구자료, 관련 법률, 단행본, 온라인상의 검색 등을 통해 수집할 것이며, 사업과 관련하여 2007년부터 2016년까지의 예술지원 매칭펀드 사업 신청서, 심사 결과 자료, 교부 자료, 사업 결과 보고서, 문화체육관광부 성과보고서 등 관련 자료를 모두 취합하여 정리하고 분석할 것이다. 1994년에 설립된 한국메세나협회는 기업 결연 및 국가기금 사업과 대기업의 문화사회공헌 사업을 진행하고 있다. 국가기금으로 운영되는 예술지원 매칭펀드 사업은 2007년에 도입됐으며, 예술단체에 중소·중견기업이 지원하는 금액에 비례해 국고를 추가로 지원한다. 총예산은 사업 도입 당시 10억 원에서 증감을 반복하다가 2016년에 20억 원이 되었으며 이 중 15%는 사업 운영비로 쓰인다. 이러한 흐름에 따라 결연 기업과 예술단체의 수는 2007년에 27개에서 2016년에 124개가 되었다. 최근 5년 간 예술지원 매칭펀드 사업에 참여했던 예술단체를 장르별로 분석해보면 음악과 연극 장르의 비율이 가장 높았다. 2014년 이후 점차 하락하고 있으나 2016년까지 전체 장르에서 60% 이상의 비율을 유지했다. 공연과 비공연으로 나누면 2016년에는 공연이 83.71%, 비공연이 16.29%로 매년 80% 수준을 유지했다. 지역별로는 2016년에 서울의 예술단체 비율이 66.7%였으며, 기업은 48.8%였다. 또한, 예술단체의 수도권(서울, 경기, 인천) 비율은 83.54%였으며 시 단위는 85.48%였다. 기업의 경우 수도권이 74.4%, 시 단위가 64.5%인 것으로 나타났다. 최근 5년 동안 사업에 참여한 기업은 총 288곳으로 1회 참여한 기업이 177곳이며 60% 수준의 비율이었다. 한편, 현재 사업 참여 기업의 분류 기준은 업종이 47가지나 됨에 따라 분석하기 어려운 구조였다. 예술지원 매칭펀드 사업은 교류협력 프로그램이 수반되는데 2016년에는 ‘임직원/가족 공연 초청’이 가장 높은 것으로 나타났다. 그러나 한국메세나협회에서는 이를 4가지 유형으로 분류하고 있어 다양한 기업의 욕구를 분석하는데 한계가 있었다. 이러한 분석을 바탕으로 본 논문에서 제시한 개선방안은 다음과 같다. 첫째, 예술지원 매칭펀드 사업비 중 한국메세나협회의 운영비 기준을 마련해야 한다. 한국메세나협회는 운영비를 효율적으로 사용한 덕분에 더 많은 예술단체를 지원할 수 있었다. 하지만 운영비를 계속 감소시키는 것은 사업 운영에 부실을 초래할 수 있어 운영비에 대한 적정 기준이 필요하다. 둘째, 예술단체 심사 시 중점적으로 추진할 장르를 선정해야 한다. 장르 편중 현상을 완화하기 위해서 매해 예술단체 선정 시 적정 비율을 목표로 한 후 예산 배분을 유도할 필요가 있다. 사회적 이슈(예를 들어 다문화, 학교폭력, 새터민 등)나 융·복합, 예술교육 등의 키워드를 제시하여 이에 부합하는 사업에 대해서는 일정 퍼센트를 할당하는 것도 좋은 방법이 될 것이다. 셋째, 선정 기업과 예술단체의 지역 편중 현상을 개선해야 한다. 각 지역을 관할하는 메세나협회가 생기는 것이 가장 이상적인 방법이나 정책적으로 설립을 유도하는 것은 어려우므로, 지역과 연계한 홍보사업을 통해 기업 및 예술단체의 참여를 유도할 필요가 있다. 또한, 신청 단체에 대한 심의를 진행할 때 비수도권 등에 할당제를 적용하는 것이 적절할 것으로 보인다. 넷째, 사업 참여 기업의 업종 분류 체계를 재정립해야 한다. 예술지원 매칭펀드 사업에 참여하는 기업의 적절한 업종 분류 기준이 없어 통계청의 ‘한국표준산업분류’ 중에서 대분류를 기준으로 분류하는 것을 제안한다. 이러한 체계를 도입하면 분류 기준이 명확해지고 타 통계 자료와 예술지원 매칭펀드 참여 기업을 연계하여 분석하는 것이 가능해진다. 다섯째, 교류협력 프로그램의 분류 체계를 개선해야 한다. 현재의 4가지 분류 기준은 현실적으로 진행되고 있는 교류협력 프로그램들을 분류하기 어렵다. 분석한 자료를 토대로 재구성하면 다음 <표 1>과 같이 10가지로 분류 체계를 구성할 수 있다. 이렇게 분류한 체계를 기업의 사업 신청서 및 담당자가 관리하는 자료에 동일하게 적용하면 보다 정확한 통계 자료를 얻을 수 있을 것이다. 여섯째, 장기참여 기업에 대한 우대 방안을 마련해야 한다. 최근 5년 간 기업의 1회 참여 비율이 높다는 것은 신규 유입이 증가한 것도 있지만 장기결연의 부제로 이어질 수 있는 위험이 있다. 정책적으로 우대 방안 마련을 통해 기업들의 장기적인 참여를 유도할 필요가 있다. 이 외에도 본 논문은 해당연도 별로 단절되어 있던 예술지원 매칭펀드 자료를 장르별·지역별·참여횟수·교류협력 프로그램 등으로 분류하여 정리하였다는데 의의가 있다. 그렇지만 사업초창기 일부 자료에 일관된 체계가 없어 10년 동안의 트렌드를 분석하기에는 한계가 있었다. 따라서 본 논문에서는 2012년부터 2016년까지의 자료를 중심으로 분석하였으며, 2007년부터 10년 동안의 전체 자료를 살펴보지 못한 것은 다소 아쉬운 점이다. 또한, 기업과 예술단체의 신청대비 탈락 비율, 참여 기업의 업종 분석 등도 살펴보고 싶었던 부분이나 현 자료 상태로는 통계를 낼 수 없어 후속 연구로 미룬다. 한국메세나협회는 지난 10년 간 예술지원 매칭펀드 사업을 운영하며 사업비의 변화로 어려움을 겪기도 하였으나 비교적 안정적으로 사업을 이끌어 왔다. 예술지원 매칭펀드 사업은 우리나라 경제의 중요한 축인 중소·중견기업의 문화예술 지원을 이끌어낸다는 정책적 의미를 담고 있어 향후 그 중요성은 더욱 증가할 것으로 보인다. 이후 개별 지역에도 운영 주체가 생겨 사업이 확산되어야 하며 한국메세나협회의 예술지원 매칭펀드 사업을 벤치마킹하게 될 것이다. 이러한 연구를 토대로 예술지원 매칭펀드 사업이 더욱 체계적이고 활발히 운영되어 우리나라 문화예술 진흥에 밑거름이 되기를 바라는 바이다. Recently, companies are focusing on culture and art as the means of improvement in employees’ creative ability and income generation. In accordance with such trend, the government is supporting companies’ support for cultural and art through the introduction of various systems, and at the point where companies meet art, there is ‘Mecenat’. In Korea, mecenat activities are led by ‘Korea Mecenat Association’, and the government is leading companies’ participation through the ‘matching fund for art’ business. This study aims to suggest improvement plans for Korea Mecenat Association’s matching fund program for art, and focuses on arts organizations and companies that participated in the program from 2007 to 2016. Basic data for the study will be gathered through research material related to culture and art support policies, relevant laws, publications, and online searches, and relevant data from 2007 to 2016 relevant to the business such as matching fund business applications, evaluation result data, issued reference business report and Ministry of Culture, Sports and Tourism’s performance report will be gathered and analyzed. Korea Mecenat Association was established in 1994 and works on company alliance, national fund business and corporations’ cultural and social contribution businesses. Matching fund business for art, operated by the national fund, was first implemented in 2007, and provides additional national fund to art organizations in proportion to the amount supported by small and mid-sized businesses. From the initial budget of 1 billion won in 2007, the total budget increased to 2 billion in 2016 after repeated fluctuation, which 15% of it is used as an operation expense. With such development, the number of partnered companies and arts organizations increased from 27 in 2007 to 124 in 2016. In terms of the genre of arts organizations that participated in the matching fund business for the last 5 years, music and theater accounted for the highest proportion, and although on a decreasing trend since 2014, they maintain over 60% of the entire genre until 2016. In terms of performance, performance accounted for 83.71% and non-performance accounted for16.29% in 2016, accounting for around 80% each year. In terms of region, organizations in Seoul accounted for 66.7% in 2016, and companies in Seoul accounted for 48.8%. Organizations in the metropolitan area (Seoul, Gyeonggi, Incheon) were 83.54%, and 85.48% in cities. In case of companies, 74.4% were in the metropolitan area, and 64.5% were in cities. Total number of companies that participated in the business in the last 5 years was 288, which 177 of them participated once, accounting for approximately 60%. Meanwhile, classification of participating companies is rather complicated, as the type of business reach 47 kinds. Matching fund support business for art is accompanied by exchange program, in which ‘employee/family invitation to performance’ accounted for the highest in 2016, but Korea Mecenat Association classifies them into 4 types that there are limits in analyzing companies’ various desires.Improvements suggested in this study, based on such analysis, are as follows. First, operation criteria for Korea Mecenat Association, which operates the matching fund, should be established. Korea Mecenat Association was able to support more arts organizations due to efficient use of operation expense, but continued reduction of operation expense may result in poor business operation, so an appropriate criteria in operation expense are required. Second, a genre to put emphasis on during arts organization screening should be selected. In order to alleviate genre bias, appropriate proportion of genres should be assigned and budget should be allocated when selecting arts organizations, and suggesting social issues (such as multicultural, school violence, North Korean defectors, etc.) or keyword such as convergence or arts education and allocating a certain percentage towards business that suits this may be a good way. Third, the regional bias of selected companies and arts organizations should be improved. The most ideal way is to have regional mecenat associations, but it is politically difficult to induce establishment, so participations of companies and arts organization as a promotional business in relation to the region should be induced. In addition, when deliberating about the applicant organization, applying a quota system on non-metropolitan region may be appropriate. Fourth, the business classification system of participating companies should be reestablished. In stead of the current system that has no proper classification system for companies participating in matching fund business for art, this study suggests using the category in Korean Standard Industrial Classification by National Statistical Office. Introducing such classification system not only clarifies the criteria, but also enables the analysis of other statistical data in relation to matching fund participant companies. Fifth, classification system of exchange programs should be improved. The current 4 classification criteria make it difficult to categorize the exchange programs that are currently being implemented. The classification system can be reconstructed into the following 10 categories based on analyzed data; Exposing company name, Marketing use, Providing invitation, Social contribution, Workshop cooperation, Company welfare, Providing promotional space, Employee preference, Cooperating to company events, Others. Applying such classification system to the business application and data managed by staff will result in more accurate statistical data. Sixth, preferential plans for long-term participant companies should be established. High proportion of 1 participation by companies within the last 5 years not just implies an increase in new companies, but also may imply a risk in absence of long-term alliance. Long-term participations of companies need to be induced by establishing preferential plans. In addition, this study is significant in categorizing and organizing the matching fund data in art, which was disconnected by year, by genre, region, participation count, exchange programs, etc. However, due to the absence of coherent system in some data from the beginning of business, there were limits in analyzing the trend of 10 years. Therefore, this study focused on data from 2012 to 2016, and could not review the entire data for the past 10 years from 2007. In addition, the elimination ratio of companies and organizations and business type analysis of participant companies could not be compiled for statistics with the current data status, and will be hold off to the follow-up study. Korea Mecenat Association has faced difficulties during the last 10 years while operating matching fund business for art due to changes in operation expense, but has led the business relatively steadily. Matching fund business for art embraces the political significance of drawing support in culture and art from small and mid-sized companies, which are an important axis in Korean economy, and therefore, its significance is expected to increase furthermore. In the future, regional operating subjects should be established to expand the business, which will benchmark Korea Mecenat Association’s matching fund business for art. This study hopes that the based on this study, art matching fund business will be operated more systematically and actively to become the foundation in the promotion of Korea’s arts and culture.

국악강사지원사업의 개선방안 연구

배규호 추계예술대학교 문화예술경영대학원 2008 국내석사

국악강사지원사업은 문화관광부가 추진하는 정책이다. 이 사업은 국악예술강사들을 선발해 학교에 파견한 후 국악교육을 할 수 있도록 하고, 이에 대한 예산을 문화관광부와 자치단체가 지원하며, 전체관리는 한국문화예술교육진흥원에서 하고 각 시도별 관리는 운영단체에서 전담한다. 국악강사지원사업은 IMF관리체제 이후 일자리 창출의 개념과 국악교육정상화를 위해 지난 2000년부터 시작되었으나, 문화예술교육 이념을 바탕으로 장기적이고 치밀한 정책적 사고의 틀에서 시작된 것이 아니라 사회 일자리 창출과 학교음악교육과정의 부족한 부분을 메워주기 위한 임시방편의 정책으로 시작되었다. 국악강사지원사업은 2000년부터 2005년까지의 운영 기간 동안 많은 문제점이 노정되었고 2006년 들어 전면적인 보완 작업이 있었지만 아직도 많은 개선 과제들이 남아 있다. 주요 문제점들은 예술교육이념이 제대로 반영되지 못한 사업의 시작과 진행에서 시작되었다. 학교문화예술교육의 근본적 문제점이 해결되지 않은 상태에서 이 사업을 진행함에 따라 국악강사지원사업도 완전한 제도로서 정착되지 못했고, 이에 따라 국악강사지원사업 목표의 재설정도 필요하게 되었다. 이와 함께 국악강사지원사업의 개선에 앞서 강사정책의 문제점 개선과 예술강사지원제도 자체의 점검과 개선, 국악강사 양성시스템의 변화도 필요한 것으로 보인다. 또한 국악강사의 정규직화를 통한 처우개선과 배당 시수의 증가가 필요하며, 이를 위해 인력의 감축을 통한 정예화도 필요하다. 더불어 지원과목도 교과과정에 한정하는 것도 고려해야 할 사항이다. 그 외 제7차 교육과정에 맞는 교육자료와 프로그램을 개발하고 이를 모듈한 후, 이를 강사들에게 교육하여 현장에서 강사들이 일관된 교육을 할 수 있도록 하는 장치도 마련되어야 할 것이다. 마지막으로 학교문화예술교육은 학교가 중심이 되어야 하며, 주무부처는 문화관광체육부가 아닌 교육과학기술부가 주도해 나가는 것이 이 사업의 성공을 위해 필요한 것으로 보인다. 본 연구는 위와 같은 방향에서 국악강사지원사업의 개선방향을 제시하였다. 제시된 내용의 대부분이 학교문화예술교육의 정상화와 정책에 대한 명확한 이해와 학교문화예술교육 이념의 전파가 기본조건임을 바탕으로 하고 있다. 결론적으로 문화예술교육의 정상화가 국악강사지원사업의 성패를 좌우하는 주요요인이다. 국악강사지원사업이 성공적인 예술교육으로 안착하기 위해서는 문화예술교육의 이념과 개념, 정의가 정립되고 학교교육의 환경 개선과 질높은 강사의 육성과 처우개선, 능력향상을 위한 여러 가지 방안이 제고되어야 새로운 발전방향을 열 수 있을 것이다. The traditional Korean music instructor support system is part of the art instructor support project sponsored by Ministry of Culture and Tourism. Under the system, traditional Korean music instructors teach at schools and Ministry of Culture, Sports and Tourism and local governments are responsible for the necessary funding. Korea Arts & Culture Education Service is in charge of overall management while city or provincial administrative organizations are in charge of local level management. The system was launched in 2000 to create jobs after the IMF crisis and to promote traditional Korean music education. However, it was not based on systematic and long-term policy framework. It was a temporary policy to create jobs and to fill a certain gap in music education curriculum. As a result, some problems arose in the operation of the system between 2000 and 2006 and it was revised substantially in 2006. However, there are still problems that need to be solved. Therefore, this study tries to present methods to improve traditional Korean music instructor support system from following aspects; First, the ideology and concept of culture and art education need to be established. As the system was launched to create jobs, it did not represent the ideology and content of culture and art education policy. Therefore, it is necessary to accurately define and discuss the ideology of culture and art education. Second, solutions are needed for the fundamental problems that make culture and art education at schools difficult. To improve the system, it is necessary to solve the problems involved in culture and art education at schools first. Third, the objectives of the system need to be established again. The objectives of the system should be basic education to discover traditional Korean art elites and education of traditional Korean music to nurture students' aesthetic sentiments rather than acting as the vanguard of or expanding culture and art education, Fourth, school education needs to be normalized as a prerequisite condition. It is necessary to reform the current entrance exam oriented school education system(Establishment of Ministry of Culture, Art, & Education, offering professional courses for teacher education, establishment of re-training programs, and training courses, provision of facilities and teaching material for schools, and establishment of laws and standards), Fifth, the problems related to instructor policy need to be solved. There are criticisms about instructors' not being well prepared for teaching at schools and the instructions being limited to certain genres. In addition, selection of schools and instructors is not integrated and thus it is difficult to send appropriate instructors the schools need under the system. Therefore, it is necessary to change the instructor supply system to fit the needs and demands of each school. In addition, a structure that allows cooperation between the instructors and school teachers is needed. Sixth, the art instructor support system needs to be improved. It is difficult to vitalize culture and art education at schools without involving the school teachers. The partnership between the instructors and teachers needs to be strengthened, and job responsibilities of teachers and instructors need to be analyzed and responsibilities need to be assigned according to the analysis. The instructor training courses need to be modularized so that in depth training is possible and curriculums need to be studied by genre. There is a need to support the development of culture and art education model that is appropriate for local conditions. On a mid-to long term basis, instructors, various facilities, and information need to be linked together for the management of culture and art education instructors. And the local culture and art education center needs to act as an intermediary for various resources. Seventh, traditional Korean music instructor education system needs to be changed. Educational curriculums that help the instructors to acquire abilities to incorporate general education and relevant area are needed. For this, colleges with traditional Korean music departments need to offer culture and art education as a regular curriculum, and offer courses related to traditional Korean music instructor support system as required or elective courses. In addition, establishment of graduate schools and colleges of culture and art need to be examined. Also, the possibility of offering master and Ph.D. programs at government funded organizations needs to be explored. Through these efforts, the quality of traditional Korean music instructors will be improved and they can play the role of think tank for culture and art education policy. Eighth, compensation for the instructors needs to be improved. Instructors need to hold permanent positions as art instructors or contingent teachers. If permanent positions cannot be offered, it is necessary to increase the teaching hours from 100-130 hrs. to 500 hrs. to guarantee sufficient income. Ninth, support needs to be concentrated to specific area. The system needs to support educational curriculum only. During regular music hours, students can learn the basics of traditional Korean music rather than a specific genre. The system needs to support elementary school curriculums first. Tenth, relevant materials and programs need to be developed. For the 7th music curriculum, about 40% is related to traditional Korean music. The proportion of traditional Korean music in the music texts has increased. However, not enough material is available to support them. Therefore, more materials and programs need to be developed. Eleventh, schools need to understand and support the system. Schools are not well aware of the system. The reasons may be departmental egoism as the system is sponsored by Ministry of Culture & Tourism and management is not fully integrated. To solve t

문화생태계 관점으로 본 문화매개공간의 개념 및 역할 변화

장은지 추계예술대학교 문화예술경영대학원 2014 국내석사

2000년대 초반부터 문화예술계에서 생태계의 개념을 도입하여 문화생태계에 대한 논의가 이루어지고 있다. 이 논의들은 문화생태계의 선순환구조가 형성되어 문화예술이 스스로 공진하는 것을 목적으로 한다. 문화예술계와 관련된 생태계에는 ICT 생태계, 예술생태계, 창조산업생태계가 있다. 이들은 주로 산업의 관점에서 생산, 유통, 소비의 과정을 문화생태계의 가치사슬로 본다. 그러나 예술의 가치를 가격으로만 매길 수 없듯이 문화생태계를 상품으로서 유통되는 과정의 순환구조로만 평가하기에는 어려움이 있다. 본 논문에서는 중간 유통의 과정을 문화생태계의 구성요소를 이어주고 스스로 변화하는 의미를 가진 매개로 보고자 한다. 또한 문화생태계 에서 매개가 생산과 소비 사이에서 어떤 역할을 하는지 중점적으로 다루고자 한다. 문화생태계는 생산, 매개, 소비, 외부환경으로 구성되어있다. 이들은 서로 영향을 주고받으며 공진화하고 자기조절을 통해 생태계구조를 견고하게 만든다. 문화생태계의 기반이 되는 생산자가 활발하게 창작활동을 하기 위해서는 물질적인 지원이 중요하다. 하지만 예술가에 게 창작의 영감을 제공하고 다른 창작자와 소통하고 토론하는 문화매개 공간의 역할을 간과할 수 없다. 국내의 대표적인 문화매개공간은 1930~1960년대의 명동을 들 수 있다. 당시 한국전쟁으로 생활이 어려워진 예술가들은 커피한잔 가격이면 누구든 출입할 수 있는 다방으로 모여들었다. 명동의 다방은 예술인들의 소통과 교류가 일어나는 문화매개공간이자 문인들의 집필실이기도 했으며 배우와 영화인에게는 캐스팅 장소이자 사무실이었다. 또한 출판기념회, 공연, 전시 등의 문화행사가 이루어졌으며 문인들의 작품배경으로등장하기도 하였다. 1980~90년대 홍대 앞에는 신촌에서 활동하던 인디밴드들이 단속을 피해 이동해오면서 라이브클럽이 생겨났다. 이곳은 생산자와 소비자의 구분 없이 하나의 문화공동체를 이루었으며 인대밴드들이 모여 연습하는 공간이기도 했다. 실험적인 음악과 퍼포먼스 그리고 즉흥적인 해프닝이 벌어지는 문화매개공간이었으며 홍대 주변의 카페도 그 지역만의 독특한 분위기를 자아냈다. 라이브클럽과 카페에는 예술가들이 모여들었고 이들은 서로 작품에 대해 논하거나 단골들과 교류하는 자리를 자연스럽게 가졌다. 현재는 문화의 산업화와 지가의 상승으로 문화매개공간들이 소멸·이동하면서 과거처럼 언제나 예술가가 모여 있는 장소는 사라지고 있다. 그럼에도 과거 다방과 살롱의 문화를 이어나가고자 만든 카페와 대안공간과 같이 변형된 문화매개공간이 생겨나고 있다. 예술가들은 자생하기 위해 대안을 모색하면서 협동조합의 형태의 예술가 공동체를 조직하였다. 이 공동체는 같이 생활할 수 있는 마을을 구성하기도 하고 함께 예술활동을 할 수 있는 새로운 문화매개공간을 만들고 있다. 또한 생활 속에서 창작 활동을 하는 아마추어들이 모여 만든 실험적인 공간도 또 다른형태의 문화매개공간으로 볼 수 있다. 해외의 문화매개공간으로는 프랑스의 살롱과 카페, 뉴욕의 카페·레스토랑·클럽을 들 수 있다. 공통적으로 예술가들이 모여 소통하는 사교의장이었으며 단순한 교류의 장이 아닌 작품과 예술에 대해 논하며 계파와 공동체를 형성하였다. 17~18세기 프랑스 살롱은 여성을 중심으로 누구나 평등하게 참여할 수 있었으며 작품의 성공여부가 결정되는 곳이었다. 18~19세기 프랑스의 카페는 예술가들의 작업실이자 영감을 얻는 창작의 산실이었으며 커피한잔이면 누구나 평등하게 발언권을 가질 수 있는 공론장이었다. 특히 파리의 몽마르뜨 근처의 카페는 인상주의 화가들이 모이는 미술학교와도 같았다. 20세기의 뉴욕의 클럽과 카페에서는어디서나 예술가들을 만나 토론할 수 있었으며 예술가들은 뉴욕에 밀집된 문화공동체를 통해 서로 도움을 주고받았다.국내·외 문화매개공간은 공통적으로 누구에게나 개방되어있는 공간이 었으며 예술가들이 모여 소통·교류하고 자신들의 작품에 대해 공연·전시 할 수 있었다. 또한 창작의 아이디어와 작품소재를 얻거나 학교 이외의 배움을 얻을 수 있는 공간이었다. 이와 같은 역할을 한 문화매개공간은 문화·예술을 발전시켰으며 문화생태계의 공진화구조를 견고하게 만들었다. 문화매개공간은 전쟁, 산업화, 지가상승 등의 위협을 받아 사라지기도 했으나 시대의 변화에 맞춰 그 유형을 달리하며 새롭게 생성·진화하 고 있다. 문화의 개념이 시대와 사회구조에 따라 변화하듯 문화매개공간의 개념 및 역할도 끊임없이 변화해오고 있다. Since the early 2000s, discussions on the cultural ecosystem have been the topic in the field of arts and culture. The goal of such discussions is co-evolution of arts and culture by establishing a structure of a virtuous circle in the field. In relation to cultural ecosystem, there are ecosystems of ICT, art, and cultural industry, which consider the process of production, distribution, and consumption as a value chain of cultural ecosystem from the perspective of industry in most cases. However, there is difficulty in assessing cultural ecosystem only as a structure of distributing commodities as the value of art cannot be evaluated by its price. The current paper aims to consider the process of distribution as intermediation that connects different elements of cultural ecosystem and with the changing meaning. In addition, the current paper will focus onthe role of intermediation in the production and consumption within cultural ecosystem. The ecosystem is composed of production, intermediation, consumption, and external environment. They interact with each other and fortify the structure of the system through co-evolution and self-regulation. In this system, material support is vital for vigorous creative activities by cultural producers that form the basis of cultural ecosystem. In this context, it is impossible to overlook the role of intermediate space that provides creative inspirations and sites of communication and discussion. In Korea, Myeongdong between the 1930s and 1960s was a representative case of such cultural intermediate space. After the Korean War, artists had difficulties in making a living. This brought them to Dabang (teahouse) where they could spend time with only a cup of coffee. Dabangs in Myeongdong were the space of cultural mediation, playing a wide range of different functions for cultural producers from different fields of art. In addition, they held many cultural events, often appearing as background of fictions. Between the 1980s and 1990s, Hongdae (Hongik University) area played a role of cultural intermediate space as concert venues called ‘live clubs’ for indie bands emerged in the area after they moved from Shinchon to avoid regulatory enforcement. The clubs formed a cultural community where there was no division between producers and consumers of cultural creation. Experimental concerts, performances, and improvised happenings were performed in the clubs. Cafes in the area also formed a unique atmosphere, drawing artists to gather and exchange with each other in a natural manner. Currently, cultural intermediate spaces are in decline due to industrialization and rising land price. There are few spaces where artists spend their time as they did in the past. Nevertheless, new kinds of cultural intermediate spaces emerging in forms of cafes that attempt tocontinue the culture of Dabang and salon and independent spaces. Some artists formed communities in the form of cooperative, creating a new cultural intermediate space. Experimental spaces created by creative amateurs can also be considered as another form of cultural intermediate space. Outside of Korea, salons and cafes in France, cafes, restaurants, and clubs in New York can be considered as cases of cultural intermediate space. The common attribute of the spaces is that they are venues for social and artistic exchange for artists, which offer opportunities of forming different schools and communities. For example, salons in the 17th and 18th century France were egalitarian space often led by female figures and played significant roles in the success of art works. Cafes in the 18th and 19th century France were public sphere where anyone can have his or her right to speech for the price of coffee. Especially, cafes near Montmartre were schools for impressionist painters. In New York in the 20th century, clubs and cafes were sites of discussion for artists who exchanged and helped with each other through cultural communities that were concentrated in the city. The cultural intermediate spaces both in Korea and overseas were open spaces where artists could communicate and exchange as well as present exhibitions and performances. Moreover, such spaces were the source of creative ideas and subjects as well as extracurricular education outside of schools. In this way, cultural intermediate spaces contributed to the development of arts and culture and to the establishment of co-evolutionary structure of cultural ecology. Although some of the spaces disappeared due to war, industrialization, and the rise of land price, there are other spaces evolving upon the change of the time. As the concept of culture changes upon the progress of time and social structure, the concept of cultural intermediate space also constantly changes.

문화예술회관의 내부요소가 운영핵심가치에 미치는 영향 연구 : 관장의 리더십과 조직성향을 중심으로

정영진 추계예술대학교 대학원 2015 국내박사

The public arts center is a public cultural and arts institution which is maintained with the financial support from the local government. Since the 1990s, the establishment of these public arts center has increased rapidly and has currently reached a number of about 220 in the year 2014. The public arts center which is founded and run for the purpose of local culture promotion is facing the problem of having to enhance the efficiency of operation and the satisfaction of the locals based on the new public management theory. Research on efficient operation of public arts centers had been consistently conducted. Recently, researches are mainly being conducted on various factors that can affect operational performance. This research focused on the research in internal factors of the organization that can affect operational performance of the public arts center. Firstly, standards for operational performance of public arts centers were not considered as a detailed index or quantitative result and performance of public arts centers were dealt by implementing the concept of core operational value. Through theoretical consideration and preceding researches, core values that fit the purpose of the operation of public arts centers were determined to be publicity, artistry and management efficiency. Also leadership of the director and organizational culture formed internally by staff of the public arts center which can be considered the internal factor of an organization was chosen as the factor which affects the core operational value of public arts centers. Through preceding researches on leadership and organizational culture, the type of leadership of the director and organizational culture was classified into four types. Sub-variables that fit the purpose of the research were chosen through theoretical consideration and precedent researches. Leadership of the director was classified into transactional leadership, transformational leadership, servant leadership and emotional leadership. Organizational culture was classified into clan culture, hierarchy culture, adhocracy culture and market culture using organizational culture approach using the competing value model to analyze whether there is a mediation effect when the leadership of the director affects core operational values. As the dependent variable, core operational values, as the independent variable, the leadership of the director and as the mediation variable, organizational culture were each selected to build a research model and select a hypothesis. It was largely classified into four categories as follows. Firstly, leadership of the director will have a meaningful effect on organizational culture. Secondly, leadership of the director will have a meaningful effect on core operational values. Thirdly, organizational culture will have a meaningful effect on core operational values. Fourthly, organizational culture will mediate the effect that leadership has on core operational values. A survey was composed based on theoretical consideration and preceding researches in order to verify the hypotheses above and the survey was conducted on directors and staff of public arts centers nationwide. Also, in order to enhance the reliability of the research and to deduct realistic implications, an in-depth interview was given to directors and staff of public arts centers. Although there were rejections per sub-variables in the results of hypotheses verification through multiple regression analysis and mediation effect analysis, generally, there were results with meaningful effects among leadership and organizational culture, leadership and core operational values, and organizational culture and core operational values. In the mediation effect analysis, most showed partial mediation but there were three complete mediation effects relating to transactional leadership. When looking at the results of hypotheses verification, in the analysis results of the first hypothesis, adhocracy culture had a meaningful effect on all leadership type so we were able to predict that when the advantages of each type of leadership of directors are demonstrated, there is a high chance that a adhocracy culture may form within in the organization of the public arts center. In the analysis result of the second hypothesis, transformational, servant, and emotional leadership each affect the core operational value whereas transactional leadership only affects management efficiency. So it had a relatively low influence in terms of realizing a core operational value that the public arts center aims for. In the analysis result of the third hypothesis, whereas clan culture and adhocracy culture had a meaningful effect on all core operational values, hierarchy culture and market culture had a partial effect. So for the organization of public arts centers, we can see that clan culture and adhocracy culture which emphasizes flexibility and change is more effective compared to hierarchy culture and market culture which emphasizes control and order. In the mediation effect analysis of organizational culture in the fourth hypothesis, it was shown that most sub-variables of organizational culture have partial mediation effects in the relationship between leadership type and sub-variables of the core operational values. It is a result in which we can say that although there is not a complete mediation effect, there is a relevance. A complete mediation effect was displayed as a result in three cases and they all had to do with transactional leadership. Transactional leadership relatively did not have a positive effect on core operational values but had positive effects through the mediation effect of adhocracy culture and clan culture. Through hypotheses verification and interview investigation, we were able to find implications on the leadership of the director and organizational culture as an internal factor to realize the core operational value of public arts 문화예술회관은 지방자치단체로부터 재원을 지원받아 운영되는 공공문화예술기관이다. 1990년대 이후 급속하게 건립되어 2014년 현재 220여개에 달하고 있다. 지역문화진흥을 목적으로 건립되어 운영되고 있는 문화예술회관은 신공공관리론에 근거해 운영의 효율성을 높이고 지역민들의 문화예술 욕구를 충족시켜야하는 과제에 직면해 있다. 문화예술회관의 효율적인 운영에 관한 연구는 꾸준히 이어져 오고 있는데, 최근에는 운영성과에 영향을 미치는 다양한 요소에 관한 연구들이 주를 이루고 있다. 본 연구는 문예회관 운영성과에 미치는 영향 중에서 조직의 내부요소에 대한 연구에 주목했다. 하지만 기존의 연구에서 일반적으로 다루었던 운영성과 에 대한 지표와 영향 요소와는 차별화된 연구를 진행하고자 하였다. 먼저, 문예회관의 운영성과에 대한 기준을 세부적인 지표나 정량적인 결과로만 보지 않고, 운영핵심가치라는 개념을 도입하여 문예회관의 성과를 다루었다. 이론적 고찰과 선행연구를 통해 문예회관의 운영 목적에 부합하는 핵심가치를 공공성, 예술성, 경영성으로 정리하였다. 또한 문예회관의 운영핵심가치에 영향을 주는 요소로서 조직의 내부요소라고 할 수 있는 관장의 리더십과 문예회관 종사자들이 내부적으로 형성한 조직성향을 선정하였다. 리더십과 조직성향에 관한 선행연구들을 통해 문예회관 관장의 리더십 유형과 조직성향 유형을 각각 네 가지로 분류하였다. 이론적 고찰과 선행연구를 통해 연구목적에 맞는 하위 변수들을 선정하였는데, 관장의 리더십은 거래적 리더십, 변혁적 리더십, 서번트 리더십, 감성적 리더십으로 각각 분류하였다. 조직성향은 경쟁가치모형(Competing Value Model)을 적용한 조직성향 접근법을 활용하여 관계지향, 위계지향, 혁신지향, 과업지향으로 분류하여 관장의 리더십이 운영핵심가치에 영향을 미칠 때 매개효과가 나타나는 지를 분석하고자 하였다. 연구를 위한 종속변수로 운영핵심가치를 설정하였고, 독립변수로 관장의 리더십을, 매개변수로는 조직성향을 각각 설정하여 연구모형을 설계하고 가설을 설정하였는데, 다음과 같이 크게 네 가지로 분류하였다. 첫 번째, 관장의 리더십은 조직성향에 유의미한 영향을 미칠 것이다. 두 번째, 관장의 리더십은 운영핵심가치에 유의미한 영향을 미칠 것이다. 세 번째, 조직성향은 운영핵심가치에 유의미한 영향을 미칠 것이다. 네 번째, 조직성향은 관장의 리더십이 운영핵심가치에 미치는 영향을 매개할 것이다. 위의 가설을 검정하기 위해 이론적 고찰과 선행연구를 바탕으로 설문지를 구성하였으며, 전국의 문화예술회관 관장과 종사자들을 대상으로 설문조사를 진행하였다. 또한 연구의 신뢰성을 높이고 실질적인 시사점을 도출하기 위하여 문예회관 관장과 종사자들을 대상으로 심층 인터뷰를 진행하였다. 다중회귀분석과 매개효과분석을 통한 가설검정 결과는 하위 변수별로는 기각이 있었지만 대체로 리더십과 조직성향, 리더십과 운영핵심가치, 조직성향과 운영핵심가치 간에 유의미한 영향을 미치는 결과들이 나타났다. 매개효과분석에서는 대부분 부분매개를 나타냈지만 거래적 리더십과 관련해서 세 가지 완전매개효과가 나타나는 결과를 얻었다. 가설검정 결과를 하위변수별로 살펴보면 첫 번째 가설 분석결과, 혁신지향 조직성향은 모든 리더십 유형에 유의미한 영향을 미치는 것으로 나타나 관장의 리더십 유형별 장점이 잘 발휘되면 문예회관 조직 내에 혁신지향의 조직성향이 형성될 가능성이 높다는 것을 예측할 수 있었다. 두 번째 가설 분석결과를 살펴보면 변혁적, 서번트, 감성적 리더십은 각각 운영핵심가치에 고루 영향을 미치는 것으로 나타난 반면 거래적 리더십은 경영성에만 영향을 미치는 것으로 나타나, 문예회관이 추구하는 운영핵심가치를 구현하기에는 다른 유형의 리더십에 비해 상대적으로 영향력이 약한 것으로 분석되었다. 세 번째 가설 분석결과, 관계지향과 혁신지향 조직성향은 운영핵심가치 모두에 유의미한 영향을 미치는 것으로 나타난 반면 위계지향과 과업지향은 부분적으로 영향을 미치는 것으로 나타나, 문예회관 조직에는 통제와 질서를 강조하는 위계지향, 과업지향 조직성향보다는 신축성와 변화를 중요시하는 관계지향, 혁신지향 조직성향이 더 효과적이라는 결과를 확인할 수 있었다. 네 번째 가설인 조직성향의 매개효과 분석을 살펴보면 대부분의 조직성향 하위변수들이 리더십 유형과 운영핵심가치 하위변수들과의 관계에서 부분매개 효과가 있는 것으로 나타났다. 이는 매개효과를 완벽하게 가지는 것은 아니지만 연관성이 있다고 볼 수 있는 결과이다. 완전매개효과는 세 가지 경우가 결과로 나타났는데 모두 거래적 리더십과 관련이 있었다. 거래적 리더십은 상대적으로 운영핵심가치에 긍정적인 영향을 미치지 못했는데, 혁신지향과 관계지향 조직성향의 매개효과를 통해서는 운영핵심가치에 긍정적인 영향을 미치는 것으로 나타났다. 가설검정과 인터뷰 조사 결과 분석을 통해 문예회관 운영핵심가치를 구현하기 위

공연예술시장 활성화를 위한 국내 아트마켓 육성방안연구

공규현 추계예술대학교 예술경영대학원 2003 국내석사

공연예술상품이 만들어지려면 공급자로서의 예술단체와 매개자로서의 기획자, 수요자로서의 관객이 있게 된다. 공연예술시장은 예술단체와 기획자 사이의 1차 공연예술시장과, 기획자와 관객 사이의 2차 공연예술시장으로 구분된다. 궁극적으로 관객에게 보다 좋은 공연예술작품이 효율적으로 전달되기 위해서는 1차 시장과 2차 시장을 연결해 주는 기획자의 역할이 중요하다. 아트마켓은 위와 같은 예술단체와 기획자 간의 네트워크를 연결해 주는 정보교류와 홍보 · 마케팅의 장으로 작용할 수 있다. 아트마켓에서는 예술단체가 다수의 기획자들을 일정기간 내에 만날 수 있기 때문에 이들을 대상으로 하는 홍보 · 마케팅 기회가 넓고, 작품에 대한 반응을 신속히 확인할 수 있으며, 불특정 다수가 아닌 목표관객(기획자)에게 홍보효과를 집중할 수 있기 때문에 시간적 · 공간적으로 경제성이 높다. 아트마켓은 계획수립(Planning), 판매촉진활동(Promotion), 참가자(People), 생산적 구조(Productivity) 등의 4가지 요소로 구성된다. 아트마켓이 국내외 기획자들의 관심을 모으려면, 계획수립에서부터 다른 아트마켓과 구별될 수 있는 차별화된 프로그램이 필요하다. 또한, 계획 수립시에는 아트마켓의 장기적인 비전을 세우고, 이에 맞는 단기 및 중장기 실행계획을 추진해야 한다. 아트마켓의 판매촉진활동은 사전활동 아트마켓기간 활동 · 사후활동으로 나뉘며, 기획자들의 발길을 모으기 위해서는 국내외 기획자들을 초청하고 섭외하는 사전판매촉진활동이 매우 중요하다. 아트마켓 기간동안에는 쇼케이스, 부스전시, 국제회의, 비즈니스컨설팅, 각종 사교 모임을 통해 예술단체와 기획자들을 연결해 주는 작업을 수행하게 된다. 아트마켓이 종료된 이후에는 평가 작업과 함께 연결된 기획자들과의 유대관계 유지를 위한 지속적인 홍보작업이 필요하다. 아트마켓은 예술단체와 기획자 간의 판매촉진을 함으로써 마케팅 기능을 수행하게 된다. 아트마켓에서 1차적으로 예술단체는 정보제공자로, 기획자들은 정보수신자로서 역할을 하지만, 2차적으로는 기획자들도 능동적인 정보교환에 참여하게 된다는 점에서 상호정보교환을 의미하는 커뮤니케이션 기능이 아트마켓에서도 발생한다. 아트마켓은 공연예술산업 및 지역경제 진흥효과와 다양한 문화교류 촉진의 효과, 개최국 홍보 효과가 있고, 다양한 문화향수의 기회를 제공하는 효과도 지닌다. 아트마켓의 종류에는 4가지의 형태가 있다. 첫 번째는 축제가 발전하여 아트마켓의 기능을 하게 된 축제형 아트마켓으로, 에딘버러프린지페스티벌과 아비뇽페스티벌오프 등이 있다. 두 번째는 축제와 견본시를 병행하는 경우로, 싱가포르아시안아트마트와 호주아트마켓 등이 있다. 싱가포르 아시안아트마트는 싱가포르아트페스티벌과 병행하고 있으며, 호주아트마켓은 아들레이드프린지페스티벌과 병행하고 있다. 세 번째는 견본시 성격의 아트마켓으로 축제와 병행하지 않고 박람회 형식을 취하는 공연예술전문견본시로, CINARS, 도쿄아트마켓 둥이 있다. 네 번째는 국제회의 부대행사로 시행되는 아트마켓으로, 공연예술국제회의 참가자들이 대부분 공연기획 및 극장운영 관계자들임을 감안하여 회의 일정에 부대행사로 아트마켓을 소규모로 진행하는 경우이다. 해외아트마켓 주요 사례를 살펴보면, 에딘버러프린지페스티발이나 아비뇽페스티발 둥은 새로운 공연양식과 참신한 아이디어를 추구하고자 하는 예술단체들이 하나 둘 모여들어 자유롭게 공연을 하게 되면서 창조적인 축제정신을 쌓게 되었고, 새로운 공연작품을 찾고자 하는 기획자들이 이 축제들을 방문하여 예술단체의 작품을 접하고 그들과 다양한 만남을 갖게 되면서 자연스럽게 아트마켓을 형성하게 된 경우이다. 이외에도 CINARS나 도쿄아트마켓, 호주아트마켓, 싱가포르아시안아트마트 등의 전문견본시 형태의 아트마켓이 열리고 있으며, 이들은 예술단체를 기획자들에게 보다 효과적으로 홍보하기 위하여 다양한 프로그램을 준비하고 있다. 공연예술을 활성화시키기 위하여 국내 사정에 맞는 아트마켓을 육성하려면 프로그램, 운영조직, 재원조성, 홍보 부문에서 차별화되고 효율적인 운영방안이 중요하다. 해외주요아트마켓은 새로운 공연 양식을 추구하는 프린지페스티벌의 형태가 기본을 이루는 경우가 많은데 이것은 기획자들이 창조적이고 신선한 아이디어를 지닌 공연작품을 섭외하고 싶어서 아트마켓을 방문하기 때문이다. 이런 점에서 볼 때, 다른 나라와 차별되는 우리나라만의 공연예술을 보여주되, 세계적인 흐름과 동떨어지지 않은 작품들을 발굴 · 육성하는 것이 필요하다. 또한, 아트마켓을 통해 해외의 기획자를 국내 예술단체와 연결시키는 것 외에도 국내 기획자들의 수준을 높여줄 수 있는 시스템을 만드는 것이 중요하다. 운영조직의 경우, 민간전문가들 위주로 구성하되 국가와 지방자치단체 및 기업들의 후원과 지원을 효율적으로 이끌어 낼 수 있는 구조여야 한다. 이러한 운영조직이 정비되어야 재원조성 문제를 해결할 수 있기 때문이다. 홍보에 있어서도, 아트마켓이 단순히 예술단체 홍보 차원이 나라의 문화를 홍보하고 국가이미지 제고 효과가 있으므로 축제운영조직과 국가문화홍보기관이 협력체계를 이루어야 보다 광범위하면서도 효율적인 홍보가 가능하다. 아트마켓을 통한 국내외 기획자와 국내 예술단체의 연결 작업은 국내 공연예술시장 활성화를 위한 기회로 작용할 수 있을 것이다. To make a product of arts performance, we need an artistic organization as a supplier, a presenter as a intermediary and an audience as a demander. The performing arts market is divided into two sub-markets; 1st market between artistic organizations and presenters, and 2nd market between presenters and audiences. Fundamentally, the presenters who connect 1 st market and 2nd market have an crucial role as bringing better quality masterpiece to the audience. The Arts Market can be used as an information interchange, public relation and marketing which connects the network between artistic organizations and presenters. In Arts Market, since artistic organizations have many chances to meet the presenters, agents, managers and operator of theatres in short times, they can save money and time; more chance for promotion and marketing is provided, quick check up on the reaction on their creation and narrow marketing work to the target. The Arts Market consists of four elements Planning, Promotion, People and Productivity. To get interests from presenters on the Arts Market, we need a distinct program planning from other Arts markets. In the planning part, we have to build up long term vision and propel short/mid term plan to support. Promotion activities in the Arts Market are composed of three parts : Pre-show promotion, At-show promotion and Post-show promotion activities. To get the zest from the presenters, Pre-show promotion is very important. In Arts Market, we have various activities showcase performances, booth presentations, international conferences, business consult meetings and many social events. Through these channels, we can connect the artistic organizations and the presenters. Once the marketing activities of Arts Market finish, we have to keep the public relation and evaluate works to maintain the partnership between artistic organizations and presenters. The Arts Market carries out the marketing function by sales promotion between the organizations and the presenters. Organizations fill the role of information suppliers and presenters as receivers. However, the Arts Market has a role of communication medium since presenters take part in the active information interchanges. In the end, it does the role of promotion for performing arts industry and economy of the region, developing the cultural Interchanges, public relation activities of hosting county and giving the opportunities to see diverse performances. There are four different types in Art Market. 1st one is a festival which does the role of an Arts Market such as the Edinburgh Fringe Festival, Avignon Festival off and so on. 2nd is a festival that keeps pace with an Arts Market Singapore Asian Arts Mart with the Singapore Arts Festival, Australian Performing Arts Market with the Adelaide Fringe Festival, 3rd is the only Arts Market : CINARS and Tokyo Performing Arts Market. And 4th is the international conference that keeps pace with Arts Market. As the participants of the international conferences of performing arts field are the presenters and managers of the theatres, a small Arts Market is opened as a side event. Speaking of the Edingburgh Fring Festival and the Avignon festival, artistic organizations who pursue the new style and fresh idea gathered to show their own creation freely and made the creative fringe spirit. And presenters who seek innovative works started to visit these festivals, face those products and meet the artists. That made the originality of these festivals as an Arts Market. In the other parts, there is an Arts Market like the trade fair : CINARS, Tokyo Performing Arts Market, Australia Performing Arts Market, Singapore Asian Arts Mart and so on. Those provide various programs to inform the artistic organizations to the presenters effectively. For fostering an Arts Market in Korea, we need specialized programs, operating organization, fundraising plan and public relation activities. Many foreign Arts Market have a shape of fringe festival which pursue a new style because the most presenters visit the Arts Market to find creative and innovative arts performances. From this, we can find out that we have to show our own differentiated and internationalized performances. Moreover, it is important to make the system to enhance the power of domestic presenters more than Just connecting international presenters to domestic artistic organizations. For the operating organization, it needs to be composed of non-government professionals and supported by the government and incorporated partnerships because of the effective operation and fundraising co-work. for the PR activities, since Arts Market can promote the image of the country and culture, with the help of the government PR activities of the Arts Market can be widened and more effective. This work that couples presenters and organizations through the Performing Arts Market will operate its own function to activate the domestic performing arts market.