현대 영화영상에서의 몽타주 연구 : HD 단편영화 <개똥철학>, <주(변)인들>편집 분석을 중심으로

정승욱 서강대학교 영상대학원 2009 국내석사

본 논문은 현대 영화영상에서의 몽타주에 관한 연구이다. 몽타주는 영화영상에서 의미를 생성하는 여러 구성 요소 및 방법 중 가장 중요한 개념 중 하나이다. 이에 대한 중요성은 미학적, 철학적 그리고 기술적 측면 등 여러 관점에서 논의되고 있다. 본 논문에서는 이러한 관점을 공유하고 이를 토대로 현대 영화영상에서 몽타주가 어떠한 역할을 하는지 ‘편집’의 측면에서 논의하고 있다. 실제 몽타주는 영화영상 제작과정의 여러 지점에서 부분적으로 혹은 통합적으로 접근될 수 있다. 하지만 본 논문은 몽타주의 개념이 상이한 대상들을 조합하고 정리하는 과정이라는 원리적인 면과 혼합적 적용의 양상 그리고 연결에 관한 총체적 논의이며, 이것의 직접적인 실행 지점인 후반작업과 연관하여 논의하고 있다. 이를 위해 본 논문은 우선 현대 영화영상에서의 후반작업의 전제 조건이라 할 수 있는 편집의 개념에 대해 논의한다. 이에 대해서는 편집의 원리와 개념적 특성의 측면으로 새로운 편집 이론을 도입한다. 기존의 편집 구문론과 월터 머치의 ‘눈 깜박임’에 대한 관점으로 이를 논의하며, 연관하여 후반 작업에서 진행되는 영화영상의 의미적 맥락에서의 중요 개념인 ‘시간’에 대해서 다룬다. 본격적인 몽타주에 대한 이론적 논의는 우선 편집이라는 측면에서 그 가능성과 확장성을 제시한 그리피스의 논의를 시작으로, 이를 계승하고 발전시킨 레프 쿨레쇼프와 푸스프킨 그리고 에이젠슈타인을 살펴보는 것으로 진행한다. 이들에 의하여 편집은 시간의 재구성 및 감정의 전이, 강조, 함축 등으로 의미를 생성하는 중요한 개념으로 인식되기 시작하기 때문이다. 특히 푸도프킨은 ‘연결 몽타주’ 개념을 창안하면서, 편집에 있어서 관객들로 하여금 ‘자연스러운’ 영상에 대한 경험을 강조하였다. 이에 반해 에이젠슈타인은 ‘충돌 몽타주’ 개념을 통해서 새로운 의미의 창출을 강조하면서, 추후 ‘연상 몽타주’로까지 발전시킨다. 이러한 몽타주에 대한 초기의 논의들은 이후 1960년대에 이르러 새로운 편집기법으로서 나타나게 되는데, 그것이 누벨바그 사조에 의해 시작되는 ‘점프 컷’이다. 특히 이는 고다르에 의해 기법화되었으며 편집이라는 것을 오히려 강조함으로서 기존의 자연스러운 의미 생성으로서의 몽타주가 아닌 의도적으로 불연속성을 드러내는 기법이라 할 수 있다. 즉 관객들로 하여금 ‘생소함’을 유발시킴으로서 새로운 정서적 감흥을 제공하고 있는 것이다. 이러한 몽타주에 대한 이론적 논의를 바탕으로 본 논문에서는 HD 단편영화 <개똥철학>과 <주(변)인들>을 분석한다. 우선 ‘개똥철학’은 핸드 헬드 촬영의 연출과 점프 컷 편집이 영화의 의미 생성에 있어 주요 역할을 하고 있는데, 특히 점프 컷 편집을 통해 영화 속의 인물의 갈등과 충돌을 전달하며 그에 따른 속도감 있는 진행으로 관객들에게 극적으로 전달을 목적으로 하고 있다. 이에 반해 <주(변)인들>은 좀 더 다양한 현대 영화영상의 편집 기법을 활용하고 있다. 앞서 이론적으로 언급한 여러 몽타주 기법과 고전적 편집 그리고 충돌의 전형인 점프 컷들이 전반적으로 나타나고 있으며 이를 통해 관객으로 하여금 리듬감과 동시에 자연스러운 시각 경험을 가능케 해준다. 이렇듯 본 논문은 작품 분석을 통해 영화영상에서의 편집의 중요성 및 역할에 대해 논의하고 있다. 그리고 이를 몽타주와 점프 컷이라는 개념을 중심으로 고찰하며, 편집이 재현의 또 다른 재현의 과정으로서 ‘제 2의 창조과정’의 가능성을 가지고 있음을 밝히고 있는 것이다. 그럼에도 불구하고 본 논문이 가지는 한계는 분석 대상으로 삼은 작품들이 본 연구자가 편집 작업을 직접 수행하였다는 점이다. 따라서 해석에 있어서 주관성이 개입될 수 있는 여지가 있다. 하지만 본 논문은 내용의 작품의 의미를 고찰하는 것이 아닌, 의미를 만들어내는 과정에 대한 연구이며, 이를 통해 재현물로써 현대 영화영상의 여러 특징 중 한 측면을 다루고 있다는 점에서 의의가 있을 것이다. This study is about a montage in modern film images. A montage is one of the main concepts among the various composing elements and methods which are producing meanings in film images. Thus, it's importance has been discussing in regards to aesthetic, philosophical and technical aspects. This study has examined how the montage works in modern film images especially in the aspect of 'Editing'. In fact, the montage can be applied in many points of film making processes as partly or integrated. This study has discussed a theoretical point that the concept of a montage is a process to organize and arrange different objects. Also, patterns of combined application, connection and it's operation in practice were examined. Especially, the study explained the concept of editing which was a precondition of post-production of film images by introducing a new theory of editing. As an aspect of principle of editing and conceptual property, it has discussed the 'Eye Blinking' of Walter Murch along with the existing editing syntax, and the 'time' which is a significant concept in the context of meanings was also mentioned. A theoretical aspect of the montage was initiated from D. W. Griffith who had presented a possibility and an extensibility of the editing. Then the works of Lev Kuleshov, V. I. Pudovkin, and Sergei M Eisenstein were reviewed since they were those who made the editing an important concept which produces meanings through reconstruction of time, transition of emotions, emphasis and implication. Particularly, V. I. Pudovkin devised the 'Montage of Linkage', which made audiences experienced a 'Natural' image by editing. On the other hand, Sergei M Eisenstein stressed to make new meanings through the 'Montage of Collision', further developed it to the 'Association Montage'. These early stage of a montage led a new editing technique in 1960s, which was 'Jump Cut' initiated by the trend of Nouvelle Vague. It is a technique developed more by Jean Luc Godard, which is not a natural production of meaning, rather reveals discontinuance intentionally by emphasizing the editing job. That provides audiences with fresh emotional interest by including 'Strange Feelings(Verfremdung)'. Based on these theoretical understandings, the study analyzed two HD short films, <Shit happens> and <Bystanders>. First of all, hand-held picturing and jump-cut editing do the major roles in producing of meanings in <Shit happens>, In particular, jump-cut editing delivers the conflicts and clashes of the characters to audiences along with a speedy progress. Meanwhile, <Bystanders> utilizes more various editing techniques of modern film images. Different kinds of montage techniques, classical editing, and jump-cut are shown overall, then it makes the audiences feel a sense of rhythm and natural visual experiences at the same time. This study has presented the significance and the role of editing in film images by analyzing a couple of film works. By reviewing the concepts of a montage and jump-cut, it has showed that editing has a possibility of the process of the second creation. The limitation of the study is that the film works reviewed here were the things done by the researcher, which could allow subjectivity in its interpretation. However, since the study has focused on the process of producing meanings, not reviewing of the meaning of film works, it would contribute to finding a significance and a role of the editing process.

참여영상기법을 이용한 실험적 영상제작

유진욱 서강대학교 영상대학원 2007 국내석사

국내 TV 프로그램의 아시아 시장 진출 요인 연구

서현미 서강대학교 영상대학원 2003 국내석사

1990년대 이후 영상산업의 부가가치에 주목한 우리 정부는 업계와 더불어 영상물 수출 활성화를 위한 다양한 정책적 시도를 하였다. 하지만 영상산업의 취약한 기반으로 인해 그 성과는 쉽게 나타나지 않았다. 그런데 1998년 이후 국내 방송 영상물 수출입에 주목할만한 현상이 나타났다. 한국의 문화상품이 중국, 대만, 홍콩, 베트남 등의 중화권 국가들로 수출되기 시작한 것이다. '한류' 열풍에 의해 수 많은 드라마가 아시아 각 국의 전파를 탔고, 드라마에 출연한 한국의 연예인은 아시아 젊은이의 우상으로 떠올랐다. 본 연구는 '한류'가 가져다 준 국내 TV프로그램의 아시아 수출 증가에 주목하고 국내 TV프로그램의 아시아 수출 증가를 이끌어낸 요인을 이해하는데 목적이 있다. 국내 TV프로그램의 수출 증대 요인을 세 가지 차원에서 접근했다. 첫째는 경제적인 접근이다. 경제적인 접근의 핵심 내용은 시장규모(market size)가 아시아 시장 진출에 어떤 영향을 미쳤는가 하는 문제다. 시장규모는 일방향 모델(one-way flow model)을 결정하는 요소다. 일방향 모델은 상대적으로 큰 시장규모를 가진 국가의 영상물이 상대적으로 작은 시장규모를 가진 나라로 일방 유통되는 현상을 설명해 준다. 미국이 대표적인 예다. 미국은 세계 최대의 자국 시장규모를 바탕으로 세계 영상물 시장의 80% 이상을 석권하고 있다. 일부 학자들은 미국뿐 아니라 어느 나라도 이러한 조건을 충족시키면 국제 방송시장에서 경쟁력을 확보할 수 있다고 말한다. 실제로 경제적 요인이 국내 TV프로그램의 수출 증대에 미친 영향을 확인하기 위해 본 연구에서는 한국과 아시아 각 국의 시장규모를 비교하였다. 그 결과 우리나라와 같이 영상 선진국보다 소규모 시장을 소유한 국가의 해외 시장 진출에 관해서는 시장 경제력에 기반한 설명력이 약하다는 것을 알 수 있었다. 둘째, 국내 TV프로그램의 아시아 진출에 문화적인 요인이 영향을 미친 것으로 밝혀졌다. 이것은 문화적으로 가까운 프로그램을 선호하는 문화적 근접성(cultural proximity)의 개념에 의해 설명된다. 유사한 특성을 지닌 동일문화권의 시청자들은 자신들과 유사한 문화적 정취를 갖는 프로그램을 선호한다. 친숙하지 않은 TV프로그램에 대해서는 시청자들은 문화적 할인(curtural discount)을 적용한다. TV프로그램에 대해 문화적 할인이 적용되면 제작국 밖의 문화권에 노출되었을 경우 소구력이 감소된다. 아시아 시청자들은 문화적으로 유사한 아시아 지역 TV프로그램을 선호하는 것으로 밝혀졌다. 세 번째 내용은 정책적인 측면에 대한 고찰이다. 게이트키핑(gatekeeping)은 정보통제의 한 과정으로 영상물 유통에서는 게이트키퍼로서 정부의 역할이 강조된다. 세계 각 국은 해외 영상물의 유입을 규제(regulations)를 통해 조절한다. 방송에 대한 국가적 규제는 아시아 국가에서 특히 강조되었고, 자국상황에 맞게 탄력적으로 운영되고 있다. 중국과 홍콩을 중심으로 국내 TV프로그램 수출에 각 국의 규제가 미치는 영향을 비교해 본 결과, 규제가 강한 중국으로 수출액이 오히려 많았음이 밝혀졌다. 이것은 규제가 국내 TV프로그램의 아시아 수출에 영향을 주지 않고 있음을 시사하는 내용이다. 국내 TV프로그램의 아시아 진출성과를 세 가지 측면에서 연구해 본 결과 TV프로그램의 아시아 진출 성과에 경제적인 요인이나 정책적인 요인은 제한적인 영향을 행사한 반면, 양국간의 인적교류량이나 지리적 근접 등의 문화적 요인은 비교적 크게 영향을 미치고 있는 것으로 나타났다. 따라서 우리나라와 같이 국제 영상산업의 주변국에서 제작되는 프로그램은 경제적인 요인이나 정책적인 요인보다는 문화적인 요인에 의해 유통 흐름이 결정되는 경향이 있음을 알 수 있다. 이러한 논의를 토대로 국내 TV프로그램의 해외시장 진출을 위한 전략을 제시해 보면, 국내 TV프로그램이 아시아 국가들과 공유할 수 있는 기호나 선호체계를 구축해 아시아 시장에서의 우의를 확고히 다지는 것이 필요하다. 국내 TV프로그램의 해외 시장 확대의 발판은 아시아 지역이다. 따라서 이 지역을 디딤돌로 삼아 보다 다양한 시장에 진출하기 위한 경쟁력을 확보해 나가야 할 것이다.

게임개발엔진을 활용한 애니메이션 제작 : MMORPG에서 영화적 요소를 가지는 In-Game Cinematic 제작

주재익 서강대학교 영상대학원 2015 국내석사

영상 재현을 통한 사회적 기억의 의미화에 관한 연구 : <독립기념관>과 <우리는 8·15를 어떻게 기억하는가>(KBS)에 나타난 1945년 8월 15일의 기억을 중심으로

태지호 서강대학교 영상대학원 2012 국내박사

This dissertation has been prepared after a study of the way how the memory of ‘August 15, 1945’ is realized through two visual representations of <The Independence Hall of Korea>, a museum and <How We Remember 8·15>(KBS), a television documentary, and its social implications to us. In order to carry out the research project, this study considered history as a specific type of discourse and discussed the relationship between memory and history. This study also examined the theory of memory as an ideological mechanism, the practical appropriation of memory, the ideological and discursive features involved in visual representations, and so on. And, it reviewed the ideological role of museum and television documentary as social institutions. Amidst such theoretical discussions, the study has made use of the combination of three methodological traditions of the discourse analysis, the narrative theory, and Barthes' theory of semiotics for the specific case analyses. The result of the study argues the following. First of all, 8·15 is remembered as the past event that symbolizes ideological value, namely nationalism and patriotism. During such an ideological representation, the popular memory of 8·15 was excluded, while a public memory as ‘historical fact’ was emphasized. After all, the study concludes that the memory of 8·15 represented through <The Independence Hall of Korea> and <How We Remember 8·15>(KBS) has been utilized as a nationalistic mechanism for realizing the logics of economic development and globalization without considering the complex inner conflicts in Korean society. The result of this study is not to be generalized for other cases of visual culture in Korea since the current study has been conducted only being limited to specific cases. This dissertation is still meaningful in that it has marked a starting point for the development of future studies that will widen our horizon of understanding of the complex relations of memory, history, and visual representation in our society. 본 논문은 박물관 <독립기념관>과 텔레비전 다큐멘터리 <우리는 8·15를 어떻게 기억하는가>(KBS)의 두 영상 재현 사례를 통해 1945년 8월 15일에 대한 우리의 기억이 어떻게 구현되었고 그 결과가 가지는 사회적 함의는 무엇인지에 대한 비판적인 탐구이다. 이 연구를 위해 본 논문은 이론적 차원에서 우선 담론의 관점에서 역사를 고찰하고, 기억과 역사의 관계에 대해서 논의하였다. 또한 이데올로기적인 기제로서의 기억, 기억의 실천적 전유, 영상재현의 이데올로기적이고 담론적인 효과성 등에 대하여 살펴보았다. 그리고 사회적 제도로서의 박물관과 텔레비전 다큐멘터리의 역할에 대하여 논의하였다. 실제 사례연구를 위한 방법론으로는 담론분석론, 서사론, 바르트의 기호학 개념들을 접목하여 활용하였다. 연구 결과 논의된 내용은 다음과 같다. 우선, 8·15는 민족주의와 국가주의라는 이데올로기적 가치를 표방하기 위한 과거로서 기억되었다. 그리고 이러한 이데올로기적인 재현 과정 속에서 8·15에 대한 대중 기억은 배제되고 ‘역사적 사실’로서의 공적 기억은 강조되었다. 종국적으로, 본 논문은 8·15에 대한 기억이 <독립기념관>과 <우리는 8·15를 어떻게 기억하는가>(KBS)를 통해서 한국 사회내의 복잡한 갈등 구조에 대한 내용과는 무관하게, 주로 경제 발전 및 세계화의 논리를 실현하기 위한 민족주의의 기제로 활용되고 있음을 논의하였다. 본 논문의 연구대상이 특정 박물관과 텔레비전 다큐멘터리 사례에 한정되었기에 연구 결과 논의된 내용을 우리 사회의 일반적인 영상 문화로 이해하는 것은 곤란하다. 하지만 본 논문은 향후 다양한 영상 재현 텍스트들을 포함하는 후속 연구를 통해 우리 사회의 기억과 역사 그리고 영상문화의 관계에 대한 이해의 폭을 넓히는 작업의 출발점이 된다는 점에서 그 의미를 찾을 수 있을 것이다.

온라인 강의에서 자막이 학습이해도에 미치는 영향 연구 : 시선 추적 방법론을 중심으로

서은선 서강대학교 영상대학원 2021 국내박사

Captions, which started in early silent movies, are being used at various locations and in changed display methods with the development of video technology. As video viewing in a fixed place is replaced by video viewing in motion, video content producers are trying to produce various additional content to catch viewers' attention, and among them video captions are emerging as an important issue. In our society, which has used letters made up of sounds as a medium of communication, it is no longer possible to talk in cultural discourse without mentioning the video. As a new video element, the change of captions has a special meaning, and the researchers’ topic was what we focus on while watching the video. Since videos and online lectures have the same image format in a large range, it was determined that learning tools that help students with attention and comprehension in online lectures can be verified if the viewer's attention is verified in the video. Therefore, this study intends to carefully examine what viewers focus on when watching videos and the effect of using captions on comprehension in online lectures. First, recognition of letters that are the source of captions, changes in the media environment, and online education were reviewed in the preceding literature, and a preliminary study was conducted based on them. The purpose of the preliminary study was to find and confirm what the viewers were paying attention to in the video, and the results of the preliminary experiment confirmed the gaze focused on the captions. By extending the results of the preliminary experiment, Research Questions were established, and two types of experiments were measured to verify the effect of the presence or absence of captions on students' learning comprehension in online lectures. In Research Question Experiment 1, in order to test the field of concentration of students' eyes when watching online lectures, they were divided into groups A and B, and eye tracking experiments were conducted on videos with and without captions under the same conditions. Group A used the most traditional video viewing method, a lecture video with only video and narration, and group B was provided with video, narration, and captions to measure students' concentration on and comprehension of the lecture video. Research Question Experiment 2 conducted a survey as well to measure comprehension to prove the proposed research question. The wearable gaze tracker used for verification in this study can measure the natural gaze of the subject in real time in the actual environment with a first-person view, enabling more accurate data extraction than the fixed type. Eye tracking research has been understood as the most objective way to understand and measure human needs among various forms of expressing human emotions. Eye tracking, which is an experimental method for Research Question Experiment 1, was an experiment with the viewer's unconscious consciousness, and in the Research Question Experiment 2, a survey was also conducted to verify the results and to improve the validity of the experiment by complementary analysis of scientific verification and theoretical verification. Video measurement was analyzed by heat map of eye tracking and analysis items of scan path, and analysis using Mann-Whitney U Test was used for the survey. The use of several analysis programs was intended to reduce errors in the analysis of results, as factors for learning comprehension were an important item in online classes. As a result of two types of experiments, the group who watched the online lecture using captions showed high scores in the evaluation item of comprehension, verifying that captions act as a factor to help learning comprehension in online lectures. This proves that captions have the ability to be stored in our brains in the form of reviews along with listening to sounds in online lectures which has a strong tendency toward self-directed learning. Commercial videos have limitations in the use of captions because they pass quickly, but lecture videos allow eyes to stay for a long time in each frame, which makes using captions less burdensome. And even for the convenience of students with disabilities, captions must be considered in lecture videos. Since the evaluation of the role of captions in video has been studied as an additional content role so far, verifying that the role of captions is changed to a video element can be evaluated as expanding the scope of new research. 초기 무성영화에서 시작된 자막은 영상 기술 발전으로 다양한 위치와 표시 방법이 변형되어 사용되고 있다. 고정된 장소에서의 영상 시청이 움직이는 영상 시청으로 바뀌면서 영상 콘텐츠 제작자들은 시청자 시선을 잡기 위한 다양한 부가 콘텐츠 연출을 시도하고 있으며, 그 중 영상 자막은 중요한 이슈로 떠오르고 있다. 소리와 음으로 이루어진 문자를 의사소통 매체로 삼은 우리사회는 문화 담론에서 이제 영상을 빼놓고 이야기 할 수 없다. 새로운 영상 요소로써 자막 변화는 각별한 의미를 가지고 있으며 우리가 영상을 보면서 무엇에 집중하는지가 연구자의 화두(話頭)였다. 영상과 온라인 강의는 큰 범위에서 동일한 이미지 형식을 지니고 있어 영상에서 시청자 주목도가 검증된다면, 온라인 강의에서 학생 주목도와 이해력을 돕는 학습도구를 검증 할 수 있다고 판단하였다. 따라서 본 연구는 영상 시청 시 시청자들은 무엇에 집중하는지와 온라인 강의 시 자막 사용이 이해도에 미치는 영향에 대하여 주의 깊게 살펴보고자 한다. 먼저 선행 문헌에서 자막의 근원인 문자에 대한 인식과 미디어 환경 변화, 온라인 교육에 대하여 고찰하고, 그를 기반으로 사전 연구를 시행하였다. 사전 연구 목적은 영상에서 시청자가 주목하는 것이 무엇인지를 찾아 확인하는 것으로 사전 실험 결과에서는 자막에 집중하는 시선을 확인하였다. 사전 실험 결과를 확장시켜 연구 문제를 설정하고, 2종을 실험을 측정하여 온라인 강의에서 학생들이 자막의 유무에 따라 학습이해도에 미치는 영향을 검증하였다. 연구 문제 실험 1에서 온라인 강의 시청 시 학생의 시선 집중 분야를 실험하기 위하여 A그룹, B그룹으로 나누어 동일한 조건에서 자막 있는 영상과 자막 없는 영상을 시선 추적 실험하였다. A그룹은 가장 전통적인 영상 시청 방법인 영상과 내레이션만 있는 강의 영상을 사용하였고, B그룹은 영상, 내레이션, 자막을 함께 제공하여 강의 영상에 대한 학생의 집중과 이해력에 대하여 측정하였다. 연구 문제 실험 2에서는 제시된 연구 문제를 증명하기 위한 이해도 측정 설문 조사를 병행하였다. 본 연구에서 검증을 위해 사용한 착용 형 시선 추적기는 1인칭 시점으로 실제 환경에서 실시간으로 피험자의 자연스러운 시선을 측정할 수 있어 고정 형에 비해 더 정확한 데이터 추출이 가능하다. 시선 추적 연구는 인간의 감정을 나타내는 여러 형태 중에 가장 객관적으로 인간의 욕구를 이해하고 측정할 수 있는 방법으로 이해되어 왔다. 연구 문제 실험 1에 대한 실험 방법인 시선 추적은 시청자의 무의식(無意識)적 의식의 실험이었으며, 연구 문제 실험 2에서는 그 결과를 검증하기 위하여 설문 조사를 함께 진행하여, 과학적 검증과 이론적 검증의 상호보완적 분석으로 실험 타당성을 높이고자 하였다. 영상 측정은 시선추적의 Heat Map과 Scan path의 분석 항목으로 분석하였으며, 설문은 Mann-Whitney U Test를 이용한 분석을 사용하였다. 여러 분석 프로그램을 사용한 것은 학습 이해력에 대한 요인은 온라인 수업에서 중요한 항목이 되는 만큼 결과 분석의 오류를 줄이고자 하였다. 2종의 실험 결과, 자막을 사용한 온라인 강의를 시청한 그룹이 이해도 평가 항목에서 높은 점수를 나타내고 있어 온라인 강의에서 자막이 학습이해도를 돕는 요소로 작용되고 있음을 검증하였다. 이는 자기 주도적 학습 성향이 강한 온라인 강의에서 자막이 소리 청취와 더불어 복습 형태로 우리의 뇌에 저장되는 능력을 지니고 있음을 입증해 주는 것이다. 상업적인 영상은 빠르게 지나가기에 자막 사용 한계가 있으나, 강의 영상은 시선이 프레임에 머무는 시간이 길어 자막 사용 부담이 적다. 그리고 장애 학생의 학습 편의를 위해서라도 자막은 필수적으로 강의 영상에서 고려되어야 한다. 그동안 영상에서 자막 역할에 대한 평가는 부가 콘텐츠 역할로 연구되고 있기에 자막의 역할이 영상 요소로 바뀌게 됨을 검증하는 것은 새로운 연구 범위를 확장하는 것으로 평가할 수 있다.

3D 영상 수용자의 인지적 몰입 유형에 관한 연구 : Q방법론 적용을 통한 유형 및 특성 탐색을 중심으로

이순모 서강대학교 영상대학원 2013 국내박사

1990년대부터 2000년대 초반까지 영상과 관련한 핵심요소는 인터넷에 기반한 영상의 디지털화라고 한다면, 2000년대 말, 정확히 <아바타>가 개봉된 2009년 12월 이후의 영상의 핵심요소 중 하나는 3D 영상이라 할 수 있다. 3D 영상의 기본적인 원리는 인간의 양안을 모방한 두 개의 렌즈로 대상을 촬영하여 두 개의 이미지를 하나로 합성함으로써 3차원적인 입체공간감을 구현할 수 있도록 하는 것이다. 3D 영상은 촬영 및 제작 기술의 발전과 디스플레이의 개발 및 보급, 콘텐츠의 증가, 그리고 사람들의 인식의 변화 등으로 영화와 3D 애니메이션뿐만 아니라 TV콘텐츠, 게임, 광고, 엔터테인먼트 등의 분야로 넓어지고 있다. 이러한 맥락에서 본 연구는 수용자들이 3D 영상을 수용하면서 느끼는 심리적인 층위를 수용자의 인지적 몰입(flow)이라는 개념을 적용하여 그 유형과 특성을 구체적으로 확인하고 그 함의를 밝히고자 하는 것이다. 몰입의 개념은 특정한 사건이나 사례에 깊이 빠져드는 인간의 심리현상과 깊게 관련되어 있다고 할 수 있다. 본 연구는 수용자의 인지적 몰입유형 및 특성탐색을 위해 Q방법론을 연구방법으로 채택했는데 3D 영상에 대해서 사람들이 갖고 있는 다양한 인식을 주관적으로 발견해 내고 가설을 추론하는데 있어서 Q방법론이 지니는 방법론적인 유용성과 중요성을 감안했기 때문이다. 본 연구의 분석 결과, 4개의 유형으로 분류되었다. 먼저, 기술지향적 관조형(技術指向的 觀照形)으로 명명한 제1유형은 3D 영상 기술이 매력적이고 흥미롭다고 생각하면서도 그것은 제3자적 관점을 보이며, 보다 진보된 기술을 원하는 유형이다. 이 유형은 몰입감 보다는 3D 영상에 대한 선호와 그 자체의 신비감과 호기심을 갖고 있으며, 매력과 재미에 대해 동의할 뿐 그러한 체험에 직접적이기 보다는 간접적이고 관조적인 시각을 갖고 있다. 이 유형은 또 3D 영상 콘텐츠에 대해 입체적으로 좀 더 잘 만든 영상이 나왔으면 좋겠다고 생각하며, 현재의 3D 영상이 대단한 기술이라고 생각하지만 지금보다 더 정교한 입체감을 구현할 수 있는 발전된 기술을 원하고 있다. 시각만족적 유희형(視覺滿足的 遊戱形)인 제2유형은 콘텐츠나 내러티브 보다는 시각적인 입체감 그 자체를 즐기는 유형이라 할 수 있다. 3D 영상이 여가생활에 매우 중요한 역할을 차지한다고 생각하고 있으며, SF나 전쟁영화를 3D 영상으로 만들면 더 재미있고 효과적일 것이라고 생각하고 있다. 이 유형은 다른 유형에 비해 독립적인 특성을 갖고 있다. 즉 3D 영상에 대해 매우 긍정적 인식을 갖고 있는데, 그 이유는 3D 영상 체험을 ‘놀이’라고 인식하기 때문으로 풀이된다. 감성반응적 각성형(感性反應的 覺醒形)으로 분류된 제3유형은 3D 영상 시청 중 움찔한다거나 자신이 영상 속의 자동차를 운전하는 느낌을 받는 등 강한 몰입을 느끼는 유형이며, 3D 영상 시청 중 어지럼증을 느끼고, 심장이 뛰는 느낌도 들며, 시청 후 한 동안 멍한 각성을 느끼는 유형이다. 이 유형은 3D 영상이 청소년들에게 새로운 신비감과 호기심을 일으킬 것이라고 감성적으로 생각하고 있으며, SF영화를 보면 가상의 세계와 혼동되는 느낌이 들 것이라고 생각하고 있다. 끝으로 거울-뉴런적 관여형(거울-뉴런적 關與形)으로 분류된 제4유형은 3D 영화에서 자동차 등 이동체가 움직일 때 마치 본인이 운전하는 느낌을 받고 있고 주인공이나 사물이 튀어 나오는 느낌 때문에 몸을 움찔할 정도로 3D 영상에 대해 관여적 상태를 보이는 유형이다. 특히, 3D 영상이 거울처럼 느껴져서 3D 영상 속의 움직임을 실체적으로 느끼고 반응하는 유형이다. 이처럼 몰입에 대한 유형분류와 특성탐색을 통해 몇 가지 측면에서 의의를 찾아 볼 수 있다. 첫째, 3D 영상에 대해서 어떤 수용자들은 깊은 몰입감을 갖기도 하지만, 모든 수용자들이 인지적 몰입감을 느끼는 것은 아니고 관조나 유희적 특성을 보이는 경향이 있다는 것이다. 따라서 수용자의 특성을 감안한 입체감과 몰입감을 강화시킬 수 있는 방법이 강구되어야 한다. 둘째, 3D 영상의 몰입감과 흥미, 그리고 입체감을 반감시키는 요인은 3D 영상에 대한 기술, 특히 3D 안경에 대한 불만감이 상당히 높다는 점이다. 현재까지는 무안경 3DTV의 입체감 구현수준이 낮고 신체적, 심리적 불편함을 초래하고 있어 좀 더 진보된 기술을 위해서는 더 큰 관심과 투자가 필요한 실정이라 할 수 있다. 셋째, 제2유형인 시각만족적 유희형을 제외하고 다른 유형에서는 3D 영상이 갖고 있는 자극적 입체감에 따른 선정성과 폭력성을 우려하고 있으며, 이에 대한 적절한 통제의 필요성을 느끼고 있다는 점이다. 영상물이 넘쳐 나는 현시점에서 선정성 있는 콘텐츠에 대해 어떻게 통제를 할 것인가 하는 것은 앞으로 또 다른 연구 과제라 할 수 있다. 넷째, 3D 영화나 3DTV는 여가생활에 있어서 매우 중요한 역할을 차지하고 시간이 아깝지 않다고 보면서도, 3D 영상으로 만들어진 콘텐츠를 보기 위해서 비용을 투자할 의향은 없다는 점은 흥미로운 결과인데 이에 대해서도 좀 더 심도 있는 연구가 필요하다고 본다. 본 연구가 갖고 있는 한계점은 다음과 같다. 첫째, 수용자 분석에 있어서 좀 더 다양한 수용자를 대상으로 삼지 못했다는 것은 아쉬운 점이라 할 수 있다. 본 연구에서 수용자들은 폭력물과 성인물에 대해서 청소년들이 더 큰 영향을 받을 것이라는 우려를 하고 있는데, P샘플을 구성함에 있어서 이들 청소년들에 대해서는 고려하지 못했고 이에 대한 분석도 제한적이었다. 둘째, 2D영상의 몰입과 3D 영상의 몰입의 차이점에 대해서도 비교분석이 필요하다고 여겨지는데 본 연구에서 2D 영상에 대한 몰입감은 고려치 못했다는 점이다. 셋째, 수용자가 느끼는 3D 영상에 대한 몰입감은 입체감뿐만 아니라 디스포지티브(장치)적 환경, 콘텐츠의 종류(혹은 장르)나 내용 및 속성, 수용자의 심리적 상태 등에 따라서도 영향을 받을 것으로 생각되는데, 본 연구에서는 이러한 변인을 감안하지 못하였다. 넷째, 몰입감이라고 하는 것은 인체, 특히 두뇌가 느끼는 인지과정의 한 형태라 할 수 있고, 따라서 이는 심리적 현상과 밀접한 관계가 있는데 본 연구에서는 다양한 심리현상과 관련된 문제를 반영하지 못한 것은 아쉬운 점이라 할 수 있다. 현대사회의 특징을 문화예술적 측면에서 규정한다면 바로 ‘이미지’ 중심의 사회라고 할 수 있다. 이런 차원에서 본다면 3D 영상 자체는 실체도 아니고 현실도 아닌 가상의 이미지이다. 따라서 이에 대해 분석하고 연구하는 것은 당면한 과제이며 지속적으로 추구해야 할 가치이기도 하다. Following the era of digitalization from the 1990s to the early 2000s, 3D image became one of the core components of internet-based videos in late 2000s, exactly in December 2009 since "Avatar" was released. The underlying mechanism of 3D image is materialzing three dimensional space by synthesizing one image from two separately taken photo images in imitation of human eyes. Backed by development of filming and production technologies, advancement and wide-distribution of high-end displays, contents proliferation and changes in public awareness, 3D images are expanding their applicable areas not only in movies and animations, but also in TV contents, games, advertisements and other entertainment businesses. In this context, this study is designed to study implicature and specifically identify the types and characteristics of psychological degrees felt by audience while watching 3D images by applying the concept of cognitive flow for them. Flow is closely related to human psychological phenomenon of sinking deeply into a specific event or a case. To categorize the types and to explore the characteristics of cognitive flow, this research adopted Q Methodology, considering its methodological usefulness and importance in subjectively identifying and establishing hypotheses about different human perceptions of 3D images. Based on the QUANL analysis, four different flow types were categorized. First, Type 1 named as “Technology-oriented Contemplation Type” considers 3D images as interesting and attractive with a 3rd-party perspective, and pursues more advanced technology. This type has preference, mystery and curiosity on 3D images than flow. This type only agrees to the charm and fun of 3D images and has an indirect and observer's viewpoint than direct one on 3D experiences. This type also pursues better three dimensional images on 3D image contents and wants more advanced technology which can realize more delicate three dimensional effect though one considers current 3D technology as great. Type 2, “Eyesight Satisfying Playing Type”, enjoys visual 3D effect itself than contents or narratives. This type thinks that 3D images account for a significant part in leisure time and that S-F/war movies in 3D versions would be more exciting and effective. This type, more independent than other types, has a very positive perspectives on 3D images, possibly due to its recognition on 3D image experience as a game or play. Type 3, “Sensitive Responed Arousal Type”, experiences strong flow during 3D image watching such as physical reponses or psychological responses of driving a car in the movie. This type also experiences nausea, heart-throbbing during 3D image watching and tends to feel numbs for a while afterwards watching it. This type thinks so emotionally that 3D images would excite adolescents to have mystery and curiosity, and thus Si-Fi movies may confuse them between actual and virtual worlds. Lastly, Type 4 categorized as “Mirror-neuron Involvement Type” feels as if one's own self is driving a car when a car or transport units move while watching 3D movies, and shows involved form on 3D images flinching from feels of hero's or thing's jumping out of the screen. In particular, this type accepts 3D as a mirror image, actually feels the movement in 3D images and actively respond to them. Based on the aforementioned type categorization and charactieritics exploration, the following implications were drawn. First, some audience have deep flow into 3D images, not all of them, some show observer characteristic and others enjoy them without having cognitive flow. Therefore, considering audience characteristics, reinforcing methods for three dimensional and flow effects should be developed. Second, 3D technology, particularly the 3D glasses, undermines the absorption, excitement and three dimensional effects of 3D images. Currently non-glass 3DTV does not fully convey the realistic three dimensional effect while 3D glasses cause physical and psychological inconvenience. Accordingly, more interests and investments are required to advance relevant technology. Third, most types, except type 2 of Eyesight Satisfying Playing Type, worry about the suggestive and violent aspects of 3D images and admit the needs for adequate control. As too many video contents are created, how to control suggestiveness and violence is another realm of 3D studies. Fourth, although many people admit that 3D movies and 3DTV are important in their leisure time, they have little intention to invest cost in order to enjoy 3D contents. This irony will be another interesting topic for future studies. Limitations on this study are as follows: First, this study needs to examine more diverse audience. Most of them in this study were concerned about that adolescents would be strongly affected by violent and sexual contents, but the P-sampling failed to consider these adolescents and relevant analysis on this was insufficient. Second, comparative analysis on differences between 2D and 3D flows are also required, but this study failed to consider 2D images. Third, as for important variables that affect audience’s flow, this study failed to cover wide-ranging variables, such as 'dispositive' (or devised) environment, content types (or genre), or contents and nature as well as audiences' mental status. Fourth, although flow is a type of cognitive response of human brains and thus closely related to psychological phenomenon, this study did not consider relative aspects of this. Modern era can be defined as an “image”-oriented society from the cultural and artistic side, and 3D image itself is virtual, not realistic and intangible images without physical entities. Therefore, studies on this is a present challenge and an important value to be consistently pursued.

대한민국 대통령 홍보 동영상의 양식 변화에 관한 연구 : 대한민국 대통령 취임식 기록 동영상 분석을 중심으로

남종대 서강대학교 영상대학원 2018 국내박사

본 연구의 목적은 대한민국 대통령들의 취임식 장면을 담은 기록영상들을 면밀히 분석해 봄으로서, 대한민국에서 제작된 정부 홍보 동영상의 표현 양식(Mode)이 어떻 게 변해왔는지를 추적해보는 것이다. 그리고 정부 홍보 동영상이 드러내는 표현 양식 변화가 각각의 동영상이 제작되던 시대별 사회, 문화 그리고 역사적 배경 속 권력에 대한 민중의 집단기억과 어떤 연관성이 있었는지를 파악하는 것이다. 그리고 이 같은 목적을 달성하기 위한 분석 방식은 대한민국의 이승만 대통령부터 김대중 대통령까지 각 대통령의 취임식을 기록하고 하는 있는 동영상을 심층적으로 비교 연구하는 것이 었다. 대통령 동영상은 그동안 영상 분야에서 주요한 연구 대상이 아니었다. 대통령 동 영상은 주로 사회과학적 담론의 틀 안에서 연구되어 왔는데, 이는 대통령 동영상 속 에서 영상 미학적, 기호학적 그리고 양식적 변화를 발견하기가 다른 동영상들과 비교 해 쉽지 않았기 때문이었을 것이다. 하지만 그 같은 어려움이 오히려 대통령 동영상 을 새로운 사실을 발견하기 위한 좋은 자료로서 재인식 되도록 해준다. 대통령 동영 상 속 미묘한 양식 변화를 발견해가는 과정이 영상학 연구에 새로운 지평을 열어줄 수 있다. 본 연구에서 분석대상이 된 동영상들은 대한민국에서 권력을 가지고 있던 집단이 직접 제작했던 대통령 홍보 영상들(더 구체적으로 취임식 기록 동영상) 이었고, 선택 된 동영상들은 쇼트와 시퀀스 단위로 분할된 뒤 분석되었다. 각각의 쇼트와 시퀀스는 크리스트앙 메츠의 거대통합체 분류법에 따라 계열체와 통합체 단위로 구분된 뒤, 계 열체는 그 속의 도상들을 중심으로, 통합체는 서로 유사한 구조를 가진 시퀀스 단위 를 기준으로 비교 분석되었다. 그리고 분석을 실시할 때 정지 영상 분석에 주로 사용 되는 일반적인 장면 분석 기법 뿐 만아니라, 본 연구자가 직접 고안한 동영상을 시퀀스 단위로 분석할 수 있는 새로운 방법론(뉴스릴 피라미드 도식)을 적용했으며, 더 나 아가 파노프스키의 도상해석방식 그리고 레이몽 벨루와 빌 니콜스의 동영상 장면 분 석 예들을 참고하고 참고하기도 했다. 이승만에서 김대중 까지 각각의 대통령 동영상을 비교 분석해본 결과, 2017년 현 재까지 실시되었던 여러 연구들의 주장, 즉 대통령 선전 동영상의 표현 양식은 크게 변하지 않았다는 주장들과는 상반되는 결과를 도출할 수 있었다. 대통령 선전 동영상 의 표현 양식은 명확하게 구분될 만큼 두드러진 변화를 보여주고 있었던 것이다. 그 리고 이 같은 대통령 홍보 동영상의 양식 변화는 각 시대별 사회, 문화적 변화의 영향 을 비롯하여 권력에 대한 민중들의 전반적인 인식과 기억변화에 편승되어 발생되었다 는 것도 발견할 수 있었다. 대한민국의 역사 속 크고 작은 사건들 속에서 국내의 정치 사회적 환경은 계속 변 화해 왔고, 변화되는 환경의 영향으로 여러 동영상 매체의 표현 양식도 함께 변화해 왔다. 하지만 명확한 목적을 가지고 권력에 의해 생산되어온 대통령 선전 동영상의 경우 제법 체계적으로 설계된 홍보, 선전 기법을 따르며 대통령을 우상화하는데 집중 했고, 사회에서 발생하는 환경적인 변화에 크게 영향을 받지 않는 경향이 있었다. 실 질적인 변화를 두드러지게 보여주지 않은 것이다. 그러나 그렇다 고해서 대한민국의 각 정권들이 제작한 대통령 홍보 동영상은 인물의 우상화를 통한 대중 설득과 같은 전통적인 홍보 방식을 따르는 경직된 표현 양식만을 고수한 것이 아니었으며, 계속 변화되는 서로 다른 표현 양식들을 보여주고 있었다. 동영상 속에서 대통령은 전형적인 표현 방식처럼 프레임의 중심에서만 나타나는 것이 아니라, 프레임의 변방으로 밀려나기도 하고, 인물보다 사건이 더 부각되기도 했 다. 대통령을 우상화하던 내러티브는, 대통령을 서민으로 전환시키기도 했으며, 대통 령과 정책에 대한 주입식 정보도 그 강도에 있어 늘 변화를 보여주었다. 이는 동영상 의 양식 변화에는 또 다른 동인, 즉 영상 전반에 걸친 미학적 변화에 편승하여 민중 이 권력을 바라보는 시선 그리고 권력에 대해 가지고 있던 집단 기억의 전환과도 같 은 ‘기존의 영상 문법이 만들어 놓은 질서에 대한 거부감’등이 양식 변화에 영향을 주 었기 때문이다 동영상을 바라보는 새로운 시선의 등장은 대한민국의 민중이 기존의 영상 문법을 거부할 수 있게 만들었고, 또 정보를 일방적으로 주입하던 강압적 표현 양식이 새로 운 양상을 드러낼 수 있는 기재가 되었다. 대통령 홍보 동영상에서 주로 사용되어온 일방적 정보 주입을 위한 표현 양식이 점진적으로 변화되고 있음이 드러난 것이다. 대통령 선전 동영상 (더 크게는 뉴스릴 다큐멘터리)은 점점 더 권력과 민중이 상호 소통할 수 있게 만드는 표현 양식을 취하기 시작했으며, 이는 영상을 수용하는 전반 적인 패러다임의 변화를 드러냈다. 대한민국의 정치 홍보 동영상들은 결국 주입식 콘 텐츠에서 소통의 콘텐츠로 전환되었던 것이다. 물론 선전 동영상 속에서 존재하는 대통령 각각은 국가권력의 중심이라는 근본적 인 정신을 공유하며 여러 시대를 관통하는 일정한 양식 속에서 머물러온 것이 사실이 다. 권력은 동영상을 이용한 지속적인 선전을 성공적으로 실천하기 위해 구체적인 선 전 대상, 즉 대통령을 시대별 요구에 따라 그에 부합하는 기호로 생산하고 대중들에 게 반복적으로 노출, 주입시킴으로서 대중의 심리에 고착된 특정한 전형을 만들어왔다. 다시 말해 대통령은 그렇게 형성된 홍보(선전) 동영상의 전형 속에서 권력의 상징이 되고, 또 동영상의 양식이 고착되도록 만드는 질료가 되었다. 이 같은 상황 속에서 권 력의 상징으로서 그 존재를 지속해온 대통령이라는 대상이 가지는 의미는 시대가 변 화하고 통치 권력이 바뀌어도 대중의 정서와 심리 속에서 지속적인 영향을 끼칠 수 있었다. 민중은 권력에 의해 생산 배포되는 대통령 선전 동영상에 지속적으로 노출됨 으로서 감각을 통해 무의식적으로 대통령의 힘을 반복해서 경험하고 받아들일 수밖에 없었기 때문이다.. 그러나 그럼에도 불구하고 권력에 대한 민중의 인식과 집단 기억(문화적 기억)은 조금씩 변해갔고, 대통령 홍보 동영상의 패턴도 그 같은 변화에 편승하여 변화된 형 태로 생산, 배포되었다. 대통령 홍보 동영상은 계속되는 변화 속에서 각각의 특징적인 연출 양식을 드러내며, 지배 이데올로기의 일방적 주입이라는 전통적인 대통령 동영 상 표현 양식의 전형에서 벗어났다. 결국 대통령 홍보 동영상 표현 양식의 변화와 전 형의 파괴는 당시 대한민국의 (노동, 자본, 계급 구조의 변화에 의한) 정치 사회적 변 동 그리고 기술적 진보 등에 의해 발생했던 것 뿐 만 아니라, 권력에 대한 집단 기억 의 변화 그리고 동영상이라는 매체 전반에 대한 민중의 표현 양식 변화 요구가 반영 되어 나타난 것이라고 할 수 있다. 그리고 그 같은 변화의 조짐은 시간의 흐름에 따 라 점점 더 두드러지게 나타났으며, 때문에 새로운 정부가 들어서는 모든 순간이 영 상 제작과 수용 문화의 변화가 일어난 특이점이다. 분명 각각의 대통령 취임식 기록 동영상에서 서로 다른 양식의 등장과 그와 함께 점점 더 희미해져간 대통령의 우상성과 같은 전통적 가치는 정치 사회적 변화에 전혀 영향을 받지 않았다고 단언할 수도 없고, 또 대통령 취임식 기록 동영상이 같은 시기 에 제작된 모든 뉴스릴 동영상들을 대표할 수도 없다. 그러나 분명한 것은 대한민국 의 각 시대에 걸쳐 대통령 홍보 동영상의 양식이 계속 변화해왔다는 사실이며, 대한 민국의 사회, 문화적 변화 그리고 동영상을 수용하는 대중의 문화적 기억이 달라질 때 마다 동영상의 표현 양식은 앞으로도 더욱 다양해 질 것이라는 점이다. 그렇기 때문에 우리가 만약 동영상의 변화를 파악하는 냉철한 시선을 가지지 못한 다면 새로운 동영상 양식을 흡수, 소화하지 못할 것이고, 그렇게 된다면 동영상을 통 해 권력에 대한 기억과 문화적 변화를 분석하는데 실패하게 된다. 때문에 우리는 변 해가는 민중들의 집단 기억을 추적하고, 또 영상 문화의 패러다임이 변해가는 자연스 러운 흐름을 파악하기 위해서라도 시대별로 변하는 다양한 동영상의 연출 양식과 표 현 기법을 제대로 파악할 필요가 있다. 그리고 다양한 방식으로 진행되는 대통령 홍 보 동영상의 변화들을 비판적으로 바라볼 수 있는 새로운 시각을 가져야만 할 것이 다. The purpose of the research is to find out a meaning of a transition of trend in terms of moving image's stylistic alteration as the alteration might have affected to a part of Korean culture to consume moving images. The main targets for the analysis are moving images which have propagandic purposes, especially those of six Korean presidents. Methodologies for this research derived both from the Semiology tradition that is based on Raymond Bellour's theory, Bill Nichols's methodology for documentary and Christian Mets's 'Grand Syntagmatics' theory. As a result of the analysis, It is found that there are specific alterations among six presidential images and the result is quite contrary to early works by many scholars. furthermore, the result of the analysis supports that the public's perception to moving images has been changed dramatically. Although a stylistic alteration on moving images(including films and documentaries) in South Korea has been continually founded as the country's political, social circumstances have altered with various historical events and incidents, some moving images(for example PR films for the president) which have a specific propagandic purpose have not shown the alteration precisely since those have adhered systematically designed propagandic principles thoroughly and kept focusing on idolize the presidents mainly. However, Interestingly, the principles on propagandic image making began to shattered and newly designed style has appeared in President Roh Tae-woo's government. Unlike other moving images for president did, there are many variations in images of President Roh and so on. for instance, the president located on the edge of the image frame rather than the center of the images and idolized president in the images transformed to a common person. Indeed infused information has been vanished. It proves that most of the phenomena of alterations were inspired by not only social alteration, but also the other reason, which is alteration of the public's perception towards moving image. the public started to reject to take a institutionally established principles without critical insight. the change become a milestone for film makers to break out old-fashioned principle to direct moving images and to develop new style for those. various moving images (including propagandic TV documentary) started to reveal considerable alterations and built up new paradigm to perceive a moving image. Of course, Moving images which contained presidents' figures which were produced at a different time and space may reflect different dominant discourses and therefore must show some differences each others in style. which means that no image can convey permanent values and absolute cultural standard to comply with. Korean Government after President Roh's considerably understood the public's demand and cultural differences to the government. So It used various styles and recognizable iconography continuously to create images of the President with iconic images that make them easy to decipher. Those images were then delivered to the public in order to dispel any doubt of him as a liberal leader and erase complaining about who should be ruling as making the public satisfied. However, a Pattern of images of the President Roh, Kim and Kim showed precise alterations and came over institutional principles to restrain moving image at last. and the alteration could be appeared by the public's demands for newly designed principles for moving images, which does not try to inject the power's discourse, but try to communicate with the public as TV culture has been settled gradually. the alteration appears noticeably on President Roh's images and so, the era which produced the images should be called as nodal point for the alteration. Clearly, however, I can not manifest that the images have not affected from political, social changes. Moreover, the propagandic image could not represent all the moving images. then, what I can solely say is that a style of moving images will change continually as perspective and insight of the public for cultural aspect about visual image will keep changed. So, if we do not have the critical viewpoint to detect and understand the stylistic alteration occurred in the moving images, then we have no choice but to be failed to understand the genuine meaning what the alteration stands for. Therefore, we have to keep trying to pursue the alteration which makes us look through new paradigm for visual culture and develop our critical awareness about moving images to have critical perspective for alteration of the images.

드론 다중촬영 전시영상의 시공간 경험에 관한 연구

백철기 서강대학교 영상대학원 2024 국내박사

본 논문은 시간과 공간을 체험할 수 있게 하는 3면 파노라마 영상 작품을 제작, 전시하고 관람자 경험에 대한 인터뷰 분석을 통해 전시한 영상 작품과 전시 영상 제작에 사용된 기법의 효과를 파악하는 것을 목적으로 한다. 본 논문에 사용된 전시 작품은 개념적인 면과 기술적인 면에서 특징을 가진다. 개념적인 측면에서는 드론 항공촬영으로 영상을 획득하여 하늘을 나는 새의 관점에서 세상을 바라보면서 시간과 공간을 체험할 수 있게 했다. 하늘에서 바라보는 장면들은 우리가 일상생활에서는 경험하기 어려운 것이다. 따라서 새의 관점에서 관람객들을 바라볼 수 있게 함으로써 관람자들이 자신이 살고 있는 세계의 시공간을 새롭게 인식할 수 있는 계기를 제공한다. 기술적인 측면에서는 광활한 자연에 대한 몰입감을 느끼게 하면서도 드론 영상에 가장 큰 문제인 사이버 멀미 현상이 없는 영상을 제작하는 기법을 제시했다. 몰입감을 느끼게 하려면 화각이 큰 (150 도 전후) 이미지를 생성해야 한다. 이 정도로 큰 화각을 가진 렌즈를 가진 카메라로 촬영을 하면 이미지에 왜곡이 생겨 몰입감은 생성하지만, 사이버 멀미 현상을 발생시키는 문제가 있다. 이 문제를 해결하기 위해 인간 눈의 화각과 유사한 화각을 가진 표준렌즈 (화각 47도)를 가진 카메라를 탑재한 드론을 사용하였다. 표준렌즈 장착 드론은 대상물의 정면 방향과 좌우 방향을 촬영하였다. 그리고 이들 3개의 영상을 자연스럽게 이어 붙여 140도의 화각을 가지는 큰 이미지를 생성했다. 또한 이를 통해 제작된 작품이 관람자의 시공간 체험에 미치는 영향을 분석하기 위해 관람자들 (20대에서 50대까지의 남녀 25명 대상; 주로 20대)을 대상으로 심층 인터뷰를 진행하고 인터뷰 내용을 분석하였다. 인터뷰 분석 결과, 표준렌즈를 활용해 제작된 결과물은 전시 공간에서 느끼는 시간과 공간감에 의한 몰입감을 확인할 수 있었으며 가상현실 콘텐츠의 가장 큰 불편함 중 하나인 사이버 멀미현상이 거의 나타나지 않았다는 것을 확인할 수 있었다. The purpose of this paper is to create and showcase a three-sided panoramic video piece that enables users to immerse themselves in the perception of time and space. The effectiveness of the exhibited video work and the techniques employed in its production are to be understood through an interview analysis of the viewer's experience. The exhibition works featured in this paper possess distinctive characteristics in both conceptual and technical aspects. Conceptually, images were obtained through drone aerial photography, providing users with the opportunity to perceive time and space from the vantage point of a flying bird. Scenes visible from the sky are often inaccessible in our daily lives, making it possible for visitors to gain a new perspective on the world by observing it from a bird's viewpoint. Technically, a method was presented to produce videos that offer a sense of immersion in expansive natural landscapes while mitigating cybersickness, a common issue with drone videos. Creating an immersive experience requires generating an image with a wide angle of view (around 150 degrees). However, shooting with a camera featuring such a broad angle distorts the image, creating immersion but leading to cybersickness. To address this, a drone equipped with a camera with a standard lens (47 degrees angle of view), similar to the human eye, was utilized. The drone captured the front and lateral directions of the object, and these three images were seamlessly connected to produce a large image with a 140-degree angle of view. Additionally, in-depth interviews were conducted with viewers (25 individuals aged 20 to 50, primarily in their 20s) to analyze the impact of the created work on their experience of space and time. The interview content was thoroughly examined. The results of the interview analysis confirmed that using standard lenses in the production yielded a sense of immersion in the exhibition space, highlighting the connection with time and space, and remarkably, cybersickness, a significant drawback in virtual reality content, was nearly nonexistent.

영화 재매개를 통한 춤연극의 영상미학적 고찰 : 3D 다큐멘터리 영화 <Pina>를 중심으로

박혜준 서강대학교 영상대학원 2021 국내박사

This paper discusses the characteristics of remediation aesthetics created through the intersection and intervention between art genres by analyzing how the performance art Pina Bausch's Tanztheater is remediated into a film. Remediation is a physical medium created for mutual communication at the boundary between an object and an object or between an object and human, and one medium is reborn through another medium. In other words, this paper remediated the work that mediated the life and philosophy of Pina Bausch, the director of the Tanztheater, as a video. And the study analyzed the experience of image perceived by audiences as visual aesthetic, focusing on the director Wim Wenders 3D documentary film <Pina>, and examined the aesthetic created by cross-genres and interventions as remediation logic. The Tanztheater of performing artist transfers the sense to the audiences through the body of performer on the stage. However, performing arts have a one-time nature that can not be reproduced again after the moment of performance, so the audiences’ senses and experiences can not be recorded or maintained both. Hence, performances are also recorded through live performance video. The live performance video records most of the stage running time with a bit monotonous camera angle of longshot and fullshot, and is faithful to the concept of recording the final result of performance. Furthermore, the specialized dance images and the theater videos such as NT live pursued aesthetics that outgrew from monotonous camera angles. However, the corporeality of performers and the presence of audiences from the existing performance art, which is a traditional characteristic of the performing arts, were left as a task. In particular, the necessity of recording through these videos has emerged rapidly due to the Corona 19 pandemic. The non-face-to-face cultural experience was compulsorily required for performing arts that have been face-to-face as the essence. Therefore, the national performance halls and national art organizations took the lead in performing visualized performances. These performances have been visualized for a long time ago, but it is a new leap forward in the performance industry accelerated by the global pendemic. However, the main reason for paying attention to the connection between performance and video in this paper, that is, the way of the performance art remediated as video is the fundamental discussion that started from the meaningful reason to seek the artistic task of 'implementing the performance form experienced through a new way. Therefore, this paper concludes by setting up the following research questions and examining the aesthetics created by the intersection and intervention between art genres with remediation logic. First, what are the characteristics that appear when Pina Bausch's Tanztheater performance is remediated for aesthetic purposes rather than records. Second, how is Pina Bausch's Tanztheater performance remediated through the 3D documentary film <Pina>. Third, what is the change that has appeared since the performance of Pina Bausch's dance theater performance was remediated into the 3D documentary film <Pina> and what is its aesthetic achievement. In order to solve these three research problems, first, this paper examines the aesthetic of Pina Bausch's Tanztheater and the theory of mise-en-scène and montage, which are the imaging tools that remediate Tanztheater in movies. Second, <Pina> is divided into narrative and image structure, and the narrative is analyzed by macrostructure, integration, and image structure is analyzed by microstructure. Third, through the examination that gradually results in research questions 1 and 2, the aesthetic elements and the effects and possibilities of remediation in the process of remediating the Tanztheater are comprehensively presented. The comprehensive results presented by this analysis frame are as follows. First, the corporeality of Pina Bausch Tanztheater corresponding to four episodes <Le Sacre du Printemps>, <Cafe Muller>, <Kontakthof>, <Full Moon> maximizes the delivery power when the expression of the dialogue and the body is expressed at the same time. The narrative of the Pina Bausch Tanztheater, which corresponds to the four episodes, does not show a continuous flow of action between episodes and episodes. The audio-visual images of the four Pina Bausch Tanztheater works are shown in soil, water, nature, red dress, table and chair. As such, the corporeality and audio-visual images of the Pina Bausch Tanztheater, which correspond to the four episodes, are also significant in <Pina>, but the overall narrative composition is different. Second, in <Pina>, after disassembling the classified sequence as the Pina Bausch Tanztheater work, The reassembled remediation sequence was able to create the scenes. Third, the camera of <Pina> aesthetically captured the performers' Tanztheater and facial expressions using a screen-grabbing method, and the 3D technology allowed audiences to experience the Tanztheater through the sense of remote presence. Fourth, the remediation of <Pina> worked by mixing non-mediation and hyper-mediation evenly. Specifically, each scene appeared in the way of 'representation', 'absorption', 'extension', and 'renovation'. Fifth, the theme “Circle of Life” was derived through the audio-visual images penetrating the narrative of <Pina>. Therefore, the remediated Tanztheater mediated as <Pina> can provide a new level of aesthetic experience that audiences could not sense on the performance stage. In other words, the Tanztheater provides aesthetic experiences such as camera angles from various viewpoints, the corporeality of performers, and technical elements in which audio-visual images are displayed in the audiences' senses. Therefore, <Pina> exists as an example of a new art genre of Tanztheater that allows you to experience the unique aesthetics of Tanztheater differentiated from live performance video through the aesthetics of video. Three elements of remediation aesthetics such as “technical remediation aesthetics”, “operational remediation aesthetics”, and “philosophical remediation aesthetics” were able to be derived as aesthetics necessary for remediation through the research results of <Pina> above. In addition, the remediation of performing arts such as Tanztheater has the possibility of re-creation, re-presentation, and re-purposing. This study considered the Tanztheater <Pina> through film remediation as a new artistic experience. In addition, this study is meaningful to suggest a remediation aesthetic to study the imaging of performances, and through this, to reflect on a new way of existence of technical and aesthetic performing arts. 본 논문은 공연 예술인 피나 바우쉬(Pina Bausch)의 춤연극(Tanztheater)이 영화로 재매개(Remediation)되는 장르 간 교차와 개입을 분석하여, 이를 통해 창출되는 춤연극 영상의 미학을 논의한 연구이다. 재매개란 사물과 사물 사이 또는 사물과 인간 사이의 경계에서, 상호 간 소통을 위해 만들어진 물리적 매개체로서 한 매체가 다른 매체를 통해 다시 거듭나는 논리이다. 즉 본 논문은 춤연극 연출가인 피나 바우쉬의 작품 중 <봄의 제전>, <카페 뮐러>, <콘탁트호프>, <보름달>을 3D 다큐멘터리 영화로 재매개한 빔 벤더스 감독의 <Pina>를 통해 춤연극의 원형이 영화로 재매개되는 과정에서 창출되는 영상미학을 재매개 논리로 고찰한 연구이다. 공연예술인 춤연극은 무대 위 공연자의 몸을 매개로 관람자에게 그 감각을 전이시킨다. 그런데 공연예술은 공연의 순간이 지나면 다시 재현될 수 없는 일회성을 지니므로 관람자의 감각과 경험을 기록하거나 묶어둘 수 없다. 이에 공연은 실황영상을 통해 공연 현장을 기록 한다. 대체로 공연실황영상은 무대 위 공연의 러닝타임을 롱 샷(Long shot)과 풀 샷(Full shot)의 앵글을 통해, 공연이 수행되는 무대 전체를 기록한다는 목적으로 찍힌다. 하지만 공연은 기록의 형태를 넘어서서, 향유(享有)되어야 하는 예술 작품이므로 미장센과 몽타주를 통한 재매개 방식을 통해 미학적으로 담겨야 한다. 더불어 공연의 전통적 특성인 현장감을 통해 감각되는 현존(現存)과 현전(現前)의 경험 역시 영상을 통해 전달되어야 할 것이다. 특히 영상화된 공연은 코로나19 팬데믹 상황을 국면하며 그 필요성이 급부상하였다. 대면성을 본질로 해오던 공연예술에 비대면 문화경험이 강제적으로 요구된 것이다. 이에 전 세계 국립 공연장과 국립 예술단체 등은 선도적으로 공연의 영상화 작업을 실행하였다. 공연의 영상화는 이미 예전부터 이루어지고 있었으나, 펜데믹으로 가속화된 공연계의 새로운 도약이라고 할 수 있다. 그러나 본 논문에서 공연과 영상의 만남, 즉 영상으로 재매개된 공연예술의 존재방식에 주목하려는 주요한 이유는 ‘새로운 방식을 통해 경험하는 공연 형태의 구현’이라는 예술적 과제를 영화 재매개를 통해 모색하려는 시도로부터 발생한 논의라고 할 수 있다. 따라서 본 논문은 아래와 같은 연구문제를 설정하여 예술 장르 간 교차와 개입에 의해 창출되는 미학을 재매개 논리로 고찰하여 결론에 이른다. <연구문제 1> 피나 바우쉬의 춤연극 공연은 3D 다큐멘터리영화 <Pina>를 통해서 어떻게 재매개 되는가? <연구문제 2> 피나 바우쉬의 춤연극 공연이 3D 다큐멘터리영화 <Pina>로 재매개될 때 나타나는 미학적 변화와 성취는 무엇인가? 본 논문에서는 이 두 가지의 연구문제 해결을 위해 첫째, <연구문제 1>을 위해 피나 바우쉬의 춤연극 미학의 고찰 및 춤연극이 영화에 재매개되는 영상도구인 미장센과 몽타주에 대한 선이해 과정을 고찰한다. 둘째, <연구문제 2>를 위해 <Pina>의 재매개 내러티브와 재매개 영상구조를 분석한다. 재매개 내러티브는 통합체의 분석을 통해, 영상구조는 계열체의 분석을 통해 춤연극이 영화 재매개 되는 교차와 개입의 과정에서 나타나는 재매개의 논리와 방식을 도출하고 이를 통해 발생하는 미학과 가능성을 종합적으로 제시한다. 이와 같은 분석틀에 의해 나타난 결과를 종합적으로 살펴보면 다음과 같다. 첫째, 4편(<봄의 제전>, <카페 뮐러>, <콘탁트호프>, <보름달>)에 해당하는 피나 바우쉬 춤연극의 신체성은 대사와 신체의 표현이 동시에 표현될 때 그 전달력은 극대화된다. 4편에 해당하는 피나 바우쉬 춤연극 작품의 내러티브는 에피소드와 에피소드 사이의 액션이 연속적인 흐름을 보이지 않는다. 4편에 해당하는 피나 바우쉬 춤연극 작품의 시청각 이미지는 흙, 물, 자연, 빨간 드레스, 탁자와 의자로 보여 진다. 이와 같이 4편에 해당하는 피나 바우쉬 춤연극의 신체성, 시청각 이미지는 <Pina>에서도 유의미하게 나타나지만, 전체 내러티브 구성은 다르다. 둘째, <Pina>에서는 피나 바우쉬 춤연극 작품으로 분류된 시퀀스인 ‘봄의 제전 시퀀스’, ‘카페 뮐러 시퀀스’, ‘콘탁트호프 시퀀스’, ‘보름달 시퀀스’를 해체한 후, 재조립된 재매개 시퀀스인 ‘춤연극 무대와 신체성(하이라이트) 재매개 시퀀스’, ‘피나 바우쉬 자료 재매개 시퀀스’, ‘공간 삽입 재매개 시퀀스’, ‘인터뷰 재매개 시퀀스’가 형성되는 씬들을 추출할 수 있었다. 셋째, <Pina>의 카메라는 화면잡기 방식을 사용하여 공연자의 춤연극 행위와 표정을 미학적으로 잡아냈으며, 3D 기술은 관람자로 하여금 원격의 현전감을 통해 춤연극을 경험시켰다. 넷째, <Pina>의 재매개는 비매개와 하이퍼매개가 고루 혼용하여 작동했다. 구체적으로 ‘재현’, ‘흡수’, ‘확장’, ‘개조’의 방식으로 각 씬에 나타났다. 다섯째, <Pina>의 내러티브를 관통하는 동일한 시청각 이미지의 노출을 통해 주제인 ‘생명의 순환’을 도출하였다. 따라서 <Pina>로 재매개된 춤연극은 관람자들이 공연 무대에서 감각할 수 없었던 새로운 차원의 미적 경험, 즉 다양한 시점의 카메라 앵글, 공연자의 신체성과 시청각 이미지가 관람자의 감각으로 현전되는 기술적 요소 등의 미적 경험을 제공한다. 그러므로 <Pina>는 공연실황영상과는 차별화된 춤연극이 지닌 독특한 미학을 영상의 미학으로 경험시켜주는 춤연극의 새로운 장르적 사례로서 존재한다. 이상 <Pina>의 연구결과를 통해 ‘기술적 재매개 미학’, ‘조작적 재매개 미학’, ‘철학적 재매개 미학’의 재매개 미학의 3요소를 재매개에 필요한 미학으로서 도출할 수 있었다. 또한 춤연극과 같은 공연예술의 영상 재매개는 재창조․재현전․재목적화의 가능성을 지닌다. 본 연구는 영화 재매개를 통한 춤연극 <Pina>를 새로운 예술적 경험으로 고찰했다. 공연의 영상화를 위한 재매개 미학을 제시하고, 이를 통해 공연예술의 새로운 존재방식을 성찰하는데 의의를 갖는다.