색채 추상을 통한 회화적 표현 연구 : 본인 작품을 중심으로

전혜영 숙명여자대학교 대학원 2004 국내석사

In a work of art, color, with shape, is the basic element with which an artist can directly express his or her artistic concepts to evoke and transfer. In the history of painting, color has begun to get influential in itself from the period of impressionism. Until Kandinsky, the pictorial expression of color in abstract painting had never conveyed mental or spiritual characters and never been related to anything musical. The effect of color has become inner echoes or internal sources of power, and directly influenced the inside of a human. From post-painterly abstraction, color has played a major role on canvas. In order to study the language of colors expressed in abstract art, I treated all the abstract paintings, put together, as 예술 작품에 있어서 색채는, 형상과 더불어 작가가 표현하고 전달하고자 하는 예술적 개념을 직접적으로 표현할 수 있는 기본요소이다. 회화의 역사에서 인상주의 시기부터 색채가 본질적으로 대두되기 시작하였다. 칸딘스키에 이르러, 추상화에 있어서 색채의 회화적 표현은 정신성 또는 영혼성을 나타내며 음악적인 것과 관련되었다. 색채의 효과는 내적 울림 또는 내면적 힘의 바탕이 되고, 인간의 내면에 직접적으로 영향을 미치게 된 것이다. 후기 회화적 추상으로 넘어가면서 색채는 화면의 주인공이 되었다. 본인은 추상미술에서 나타나는 색채 언어를 연구하기 위해서, 추상화 중에서도 색채에 많은 무게를 싣고 있는 추상을 통합하여 ‘색채추상’으로 바라보았다. 후기 회화적 추상이 바로 ‘색채추상’의 범주에 속한다. 추상회화의 본질은, 순수한 인간의 정신과 궁극적인 본질을 찾아 감성을 표현하는 ‘정신적인 의식의 본질’을 추구하는 것이다. 형태가 절제된 추상 회화에서의 회화적 언어는 바로 ‘색채’이다. 색채를 통하여 작가는 내적인 내용과 잠재적 존재를 밖으로 표출할 수 있고, 관람자에게 있어서 작품의 색채는, 비물질적인 감정과 물질적인 세계 사이를 잇는 다리 역할을 한다. 본인은, 추상에서의 색채를 선택하는 것이 과연 우연적인가 하는 의문을 가지게 되었다. 단순히 ‘정신적’이라고 뭉뚱그려서 얘기하기에는, ‘정신’이란 너무 깊고 복잡할 뿐만 아니라 분화된 구조를 가졌다. 그리고 작가들이 각기 다른 작품들을 만들어 내고 있는데, 신기하게도 각 작가마다 그 작가의 아이덴티티를 알아 볼 수 있을 정도로 거의 일관된 색채 배색을 선택하고 있다. 이것은 칸딘스키가 말한 ‘내적 필연성’과도 일맥상통한다. 바꾸어 말하면, 색채의 선택이 우연히 이루어진 게 아니라, 인간의 내면에서 적극적으로 ‘자기(Self)를 나타내고자 하는 목적성을 띠고 색채를 선택하는 것이라고 볼 수 있다. 그러므로 심리학적인 분석과 더불어 색채의 상징과 표현에 대한 고찰을 통해 본인 작품의 형성과정을 연구하였다. 본인 그림의 중첩된 색채 층의 구조는, ‘융의 원형’과 비슷한 구조를 갖고 있다는 것을 연구 도중에 발견하였다. ‘융의 원형’이란, 인간 내면 의식구조를 나타낸 것으로 지구의 모양과 흡사하다. 여러 지층으로 되어있고 가장 중심의 핵이 ‘자기’이다. 본인은, ‘융의 원형’에서도 보이는 인간 내면의 여러 모습들을 독립된 색채 층으로 표현한다. 그것은 병치 혼합으로서 나타나는데, 사물들에 따라 각각의 색채들은 균등하게 혼합되었다기보다는 여러 색이 혼재되어 있는 혼합이다. 이미지를 해체하면 각각의 사물들은 독립된 색들로 분산되고, 각기 다른 색마다 각기 다른 이야기를 내포하게 된다. 분산된 색의 픽셀들은 본인의 교차 기법(Cross Touch)로 차분하게 중첩되어 명상의 세계로 이끌면서 내면의 여러 모습들의 층을 나타내고, 그림을 완성하는 단계에 이르러서는 엷게 희석된 물감 층을 도포하여 전체를 통합시킨다. 멀리서 보면 하나의 페르소나(Persona)의 이미지로 보이지만, 가까이 보면 내면의 원형구조를 알아 볼 수 있게 하는 작업이다. 이것은 잠재된 기억들을 자극하여 형상화하는 표현이다. 전체를 통합하는 순간에 자기 절정의 체험을 하게 된다. 본인의 색채추상은, 자기 절정 경험의 회화적 표현이다. ‘절정 경험(Peak experience)’이란, 인간이 자신들의 개인 생활 가운데서 충분히 자신의 기능을 발휘하고 있으며, 자신이 강하다는 것을 느끼며 그리고 자신감을 갖고 자신을 완전히 지배하고 있는 순간들을 말한다. 본인은 작업을 통하여 ‘완전히 기능을 발휘하는 것(Fully functioning)’을 이루고 싶은 것이다. 본인의 작업이 다다르고자 하는 것은 통합과 조화의 상태이다. 본인은, 여념도 잡념도 없이 전적으로 흡수되어 관여하고 있는 상태(Full-self-commitment)를 통해서 과거와 미래로부터 자유를 느끼고, 긍정적인 자기 망각, 즉 자기 실현을 추상의 색채 언어를 통하여 표현하고자 하였다.

여백에 의한 공간표현 연구 : 본인의 작품을 중심으로

김형만 홍익대학교 미술대학원 2010 국내석사

Generally, Eastern painting focuses on the spirits and meanings in things, rather than on their appearances. What Eastern painting, particularly ink painting, finds important in figuring out the naturalness of an object sufficiently and precisely is not simple description of its appearance, but the origin yielding the appearance. This exploration of origin is expressed as blank space, and its emptiness follows the principle of energy which is the origin of all things in nature. Thus, grafting into Western painting the concept of blankness related to the spirituality of Eastern painting has a philosophical significance that highlights the meaning of my work. This attempt and study on my work that emphasizes Eastern spirituality along with the technicality of Western painting stresses the significance of expecting the rightful manifestation of Eastern spirituality by the techniques of Western painting. This is consistent with my position that pursues the permeation of Eastern spirits of its own into painting works, beyond the present condition of emphasizing the forms of Western painting. Spatial expression by blankness begins with the meaning of an artist's creation as in general paintings. Expressions as an artwork are various in their forms and content according to the artist's position, but the most important is that creativity should be at the center. Blank space differs from the background or space of Western painting, but as everyone knows, it belongs to the area of painting that follows an artist's sensibilities. Western painting's thinking about blank and background as the space for painting works strives on objects for the ways of representation and expression, and the meaning of the expressed itself. For Eastern painting, in contrast, the objects are overcome through the artist's reasoning, and expressed by the internal sensibility. The matter of blankness in my work is also expressed with emphasizing the spiritual side of Eastern painting, rather than the formal side of Western painting. The blankness in my works is to express being, and used as a way of making figures or images look better. This way of expression is revealed as the space of the internal sensibility: as some of nature is borrowed into the work, a sense of unity is made between the space arising in the mind and the space as a representation of nature. To describe background as the main space to express the internal sensibility in my works, the relationship between my works and the concept of blankness shown in Eastern painting was firstly explained. Through this explanation constructing the understandings on my prior works to the recent ones, the study set out to approach landscape paintings around the time when expression of internal sensibility began. The early works are the sensible expression that omitted some part in natural representation or hided it with the spread effect of colors. In expressing natural things, a sensibility of the whole nature is discovered from a tiny part of nature and led to the exploration of the spiritual origin. This means that through the case that expression itself rather played as an obstacle to sensibility, the relationships between being and non-being, between my own spirit and natural things were formulated. The blank space of natural landscape appearing in my works is a part of representation. The represented part of nature not only expresses the whole of nature, but is an important encounter that informs the mode of living and the origin of reasoning. It is the space to express the mental origin and sensibility one cannot see with eyes, rather than understanding the blank space logically. As above, the study based on my works suggested that the concept of Eastern spirit in painting works is in the pursuit of harmony with things. Also, it ensured the possibility of seeking the origins of materiality and spirituality by harmonizing my work with the meaning of Eastern spirit. 일반적으로 동양회화에서는 사물의 외형보다는 사물에 담겨진 정신과 뜻에 비중을 둔다. 동양화 특히 수묵화에서는 대상의 자연성을 충분하고 정확하게 파악하는데 있어서 단순한 외형의 묘사가 아닌 외형을 낳게 한 근본을 중요시 여긴다. 이러한 근본에 대한 탐구는 여백의 공간으로 표현되며 여백은 자연만물의 근원이 되는 기운의 원리를 좇는다. 따라서 동양회화의 정신성과 관련된 여백의 개념을 서양회화에 접목시키는 일은 본인의 작품에 의미가 강조되는 철학적 의미이다. 서양회화의 기법적인 부분에 동양정신성을 강조하는 본인의 작품에 대한 이러한 시도와 연구는 동양의 정신을 서양회화의 기법으로 적법한 발현을 기대하는 의미가 강조된다. 서양회화의 형식이 강조되는 시대를 넘어 동양의 고유한 정신성이 회화작품에 스며야 하는 본인의 입장과 궤를 같이한다. 여백에 의한 공간표현이란 일반의 회화작품과 마찬가지로 예술가의 창작이라는 의미에서 출발한다. 예술작품으로 표현되는 것은 예술가의 입장에 따라 다양한 형식과 내용으로 나타나지만 무엇보다 중요한 것은 창의성이 중심이 되어야 한다. 여백이라는 것은 서양회화의 배경이나 공간과는 차이를 두고 있으나 예술가의 감성에 따른 회화영역인 것만은 주지의 사실이다. 회화작품의 공간으로서 여백과 배경에 대한 서양 회화의 사고방식은 대상에 대한 재현의 것과 표현방식과 표현된 자체의 의미를 추구한다. 반면 동양회화는 예술가의 사유를 통해 대상을 극복하고 내적감성에 의한 표현에 있다. 본인 작품에 나타난 여백의 문제 또한 서양회화의 형식적 측면 보다는 동양회화의 정신적 측면이 강조되어 표현된다. 본인의 작품에 나타나는 여백은 있음을 표현하는 것이며, 형상이나 이미지를 더욱 돋보이기 하기위한 방법의 것으로 사용하였다. 이와 같은 표현방식은 내적감성에 의한 공간으로 드러나는데 작품에 자연의 일부가 차용되면서 마음에 일어나는 공간과 자연의 재현으로서 공간과의 일체감이 형성된다. 본인의 작품에 내재된 내적감성의 표현을 위한 주요 공간으로서 배경을 설명하기 위하여 동양회화에 나타나는 여백의 개념과 본인의 작품과의 관계를 우선 설명하였다. 이러한 설명을 통하여 최근의 작품이 형성되기 이전의 작품에 대한 이해를 구성하면서 내적 감성의 표현이 시작되는 시점의 풍경화 작품에 대한 접근에서 출발하였다. 초기의 작품은 특정한 형식과 의미를 지난 풍경을 작품으로 재현하면서 감성의 적적한 표현을 위하여 자연의 일부를 생략하거나 물감의 번짐의 효과로 숨기는 감성적 표현이다. 자연의 사물을 표현하면서 아주 작은 자연에서 자연 전체의 감성을 발견하여 정신적 근원에 대한 탐구로 이어진다. 표현하는 것 자체가 오히려 감성에 방해요인으로 자리하는 경우를 통해 존재와 비존재, 본인의 정신과 자연 사물의 관계에 대한 탐구가 형성된 것이다. 본인의 작품에 등장하는 자연풍경의 여백은 재현의 일부이다. 자연의 일부는 자연의 전체를 표현하는 것이기도 하지만 생활의 방식과 사유방식의 원천을 터득하게 하는 중요한 조우이다. 여백을 논리적으로 이해하기보다는 눈으로 볼 수 없는 감성과 심적 근원의 표현을 위한 공간인 것이다. 이상과 같이 본인의 작품을 중심으로 한 연구를 통해 회화작품에 있어 동양정신의 개념은 사물과의 어울림과 조화로움의 추구에 있다는 것을 알게 되었다. 또한 본인의 작품에 동양정신의 의미를 조화시켜 물질성과 정신성의 근원을 찾아가는 가능성을 확보할 수 있었다.

현대미술에 있어서 사진과 회화의 관계 : 본인의 연구작품 reality & illusion 시리즈를 중심으로

김진석 홍익대학교 미술대학원 2010 국내석사

This study aims to find out the mutual relationship between the photography and the paintings in the contemporary arts and also study the new formative language in which the photos and paintings can share with each other. This paper tries to investigate the love and hate relationship between photos and paintings and the formative languages made from the early 19thcentury when the photography was first in vented to the present time. Throughout this study, I will explore the formative evolution which may appear in the future and then will compare my works with the previousresearch artists’. During the research on the artistic relationship between the photos and the paintings, I will investigate the invention of photography that was caused by the painter’s longing and that the photos obtained the form of art and the paintings that showed more subjective features than the objective attitudes. Also, the art of photography makes a great effect on the modern artistic ideas such as realism, impressionism, collage, photo montage, surrealism, pop art, photo realism and etc. In this study, I interpreted the relation between the photos and the paintings by focusing on the key words such as installation, viewpoint, anamorphosis, making paintings using photo and reality and illusion which were derived from my research works of“Reality & Illusion”series. In the contemporary art, the relationship between the photos and the paintings has created many formative languages and artistic ideas. I believe this study has a meaning in trying to investigate yet another type of formative language. 본 논문은 현대미술에 있어서 사진과 회화의 상호교환적인 관계를 직시하고, 사진과 회화가 같은 영역 안에서 공유할 수 있는 새로운 조형언어를 연구하고 있다. 본 연구는 19세기 초 사진의 발명 이후로부터 오늘날까지 사진과 회화가 맺어 온 애증의 관계와, 여기에서 만들어진 최근까지의 조형언어들을 짚어보는 계기를 갖고자 한다. 이를 통하여 앞으로 새롭게 출현할 조형적 진화를 예측하고 본인의 연구작품과 선행연구작가와의 비교분석을 통해 그 연구의 결과를 얻어내고 있다. 사진과 회화의 예술사적 관계를 연구하면서 사진의 발명이 화가들의 오랜 갈망으로부터 시작되었다는 것을 확인하였으며, 사진은 회화성을 회화는 객관적인 태도에서 주관적인 태도를 획득하였음을 알 수 있었다. 사진은 사실주의, 인상파, 미래파, 입체파, 꼴라쥬, 포토몽타쥬, 초현실주의, 팝아트, 포토리얼리즘 등등 현대의 미술사조에 많은 영향을 주었음을 확인 하였다. 본 논문은 본인의 연구작품 ‘reality & illusion’ 시리즈에서 인스톨레이션(installation), 시점(視點), 아나모르포시(Anamorphosis) -왜상화법(歪像畵法), 사진으로 회화 만들기, 리얼리티(reality)와 일루젼(illusion) 의 키워드를 축출하여 그 의미를 해석하고 있다. 현대미술에 있어서 사진과 회화의 관계는, 과거로부터 현재에 이르기 까지 무수히 많은 조형언어들과 미술사조들을 만들어 왔다. 본 연구를 통하여 또 다른 조형언어 발견의 계기를 마련하고자 하는 것이 본 연구의 의의라 할 것이다.

대립적인 회화를 통한 도취의 예술연구 : 본인의 작품을 중심으로

김선휘 국민대학교 대학원 2009 국내석사

회화매체를 심층적으로 탐구하고 있는 본 논문은 지난 2년간 나의 작업에서 드러난 두 가지의 회화를 분석하고 있는데, 서술이나 설명을 통과하지 않는 내적인 충동으로서의 작업과 외부에서 다가오는 섬뜩한 이미지로의 접근을 보여주는 회화가 그것이다. 양 방향의 회화는 마치 드로잉과 회화의 미술사적 구분처럼 대립하는 양상으로 전개되었으며, 나의 예술세계를 받쳐주는 필수적인 두 축으로 존재했다. 대립하는 회화에 대한 호기심과 탐구가 이 논문을 낳게 하였다. 대립적인 회화의 근거와 지향점을 알아보는 게 일차적인 목표였으며, 더 나아가 두 회화가 결합할 가능성을 결론적으로 확인하고 싶었다. 니체의 아폴론-디오니소스적인 충동개념은 나의 두 회화를 은유적으로 설명해주는데, 아폴론적 도취는 조화롭고 이성적인 눈의 세계-비전을 뜻하며 디오니소스적인 도취는 내적 충동의 분출-비이성적 본능의 세계를 나타낸다. 외부세계에서 사건처럼 다가오는 매혹적인 이미지에 대한 탐구는 미메시스라는 개념으로 설명되는데, 주체가 객체로 서서히 다가서는 행위를 통해 외부세계에 대한 지각과 이해를 넓히는 것이다. 사진이미지가 내뿜는 섬뜩한 힘(푼크툼)은 나로 하여금 외부의 이미지에 도취하게하며, 사진의 매체적 특성에서 드러나는 죽음은 우울과 애도의 감수성을 회화에 새긴다. 외부의 이미지(서술, 재현)를 통과하지 않는 직접성에의 욕구는 내적 충동에서 발현하는 회화를 탄생시킨다. 본능과 비이성적 도취의 세계를 보여주는 자발성의 회화는 신체가 가지는 원초적인 힘과 에너지를 드러낸다. 원초적 힘은 이미지가 아닌 형상으로 나오게 되는데, 아무런 이야기도 하지 않는 형상들은 나의 내부에서 불현듯이 튀어나온 존재들이다. 도취라는 생리학적인 개념은 두 예술충동의 핵심적인 요소로 작용하며, 충동을 일으키는 힘으로 표현된다. 나의 회화가 내포하고 있는 ‘우울과 애도’의 정서를 밝히려고 프로이트의 언캐니개념을 연구하였다. 내-외부에서 튀어나오는 회화는 언캐니한 감정에 대한 도취를 나타내는데, 익숙한 공간인 자아에서 솟아나오는 낯 설은 에너지에 대한 도취, 외부의 시각세계에서 불현듯이 닥치는 이미지에 대한 도취로 드러나게 된다. 두려운 낯설음의 감정인, 언캐니는 초현실주의와 깊은 관련성을 가지고 있는데, 사진의 매체적 속성이 내포하고 있는-억압되어 있던 죽음의 회귀는 프로이트의 언캐니개념과 초현실주의를 결론적으로 만나게 한다. 죽음을 떠올리게 하는 사진이미지는 우울과 몽상, 애도의 정서로 나를 이끌게 된다. 본론의 끝 부분에 언급한 니체의 ‘놀이’ 개념은 나의 대립적인 회화를 지양시킬 수 있는 하나의 방법으로 제시되는데, 도취를 일으키는 놀이는 안과 밖-내적 충동과 외부의 이미지에의 매혹-의 대립하는 예술충동을 하나의 회화로 결합시킬 가능성을 가지고 있다. 놀이를 통한 도취는 이미지의 수평적 완전함과 내적 충동의 수직적 깊이를 하나의 회화 속에 지양시키는 방법으로 드러난다. In this thesis of in-depth research on the medium of painting, I analyzed two different approaches in my painting that I worked on for the last two years. One is a series of work which were created through internal impulse without being filtered through any statements or explanations. The other is a group of paintings of startled images drawn from the outside world. Both approaches have made a progress in my work like two spirited opposing divisions of drawing and painting in the art history and they exist as two main pivot points to sustain my artistic world. Therefore, the thesis presents my ongoing curiosity and investigation on the two divergent elements in my painting. My first goal was to examine the basis and the directions of the two conflicting elements in my painting, and to scrutinize the possibilities to unite them ultimately. Nietzsche's impulse in the Apollonian and the Dionysian forms of art makes account for my work. Apollonian rapture is the harmonious and ideal vision on the world whereas the Dionysian rapture reveals the world of explosive internal impulse and overflowing irrational instincts. The attractive images from the outside world found in my work can be explained in the context of mimesis, where the subject, in its gradual operation of being the object, expands the horizon of perception and understating on the outside world. The startled power (punctum) that the photographic images spout out makes me be intoxicated with the outside world images, and the sensibilities of death, melancholy and lamentation which the medium of photography conveys are resolved in my paining. The paintings of internal impulse are driven by the need of immediacy without through the outside world images (description, representation). The paintings of spontaneity that express the world of instincts and irrational rapture reveal the instinctive drive and energy of physical body. The images of basic instincts are revealed not as images but as shapes and forms. They are unexpected beings rushed out of my internal world. The physiological concept of rupture functions as two essential elements of artistic impulse and as a power to generate the drives. To analyze "melancholy and lamentation" in my painting, I made a research on the Freudian concept of the uncanny. My paintings that are rushed out of inside and outside world reveal fascination with uncanny feelings. They convey fascination with unexpected images which are drawn out of the external visual world as well as fascination with foreign energy that was driven out of familiar inner self. The uncanny, or the emotion of fearful strangeness, has deep relation to surrealism, and the suppressed death instincts in the medium of photography come to meet with the Freudian uncanny and surrealism. The photographic images, which are recall of death, led me to the emotion of depression, daydream and lamentation. I mentioned Nietzsche's concept of "play" at the end of the main text. The concept suggests a way of resolving the conflicting approaches in my painting; the play in ruptures open up the possibilities to resolve internal-external artistic conflicts in fascination with both inner impulse and external images and ultimately to unite them in a painting. The rupture through the play unfolds a means of searching for horizontal integrity of external images and vertical depth of internal impulse in a united painting.

형상과 기호 Image의 회화적 표현에 관한 연구

박연희 홍익대학교 미술대학원 2006 국내석사

이 연구는 최근 5년 동안(2002~2006) 진행된 일련의 연작들의 회화적 특성에 관한 것이다. 최근 다양한 매체의 범람으로 현란한 영상물들이 생활환경을 자극하고 회화의 존립에 대한 회의마저 거론되고 있다. 하지만 우리는 평면 회화의 가능성을 믿는다. 회화는 현실을 반영하고 개인의 감정과 표현을 담아내기 때문이다. 무엇보다 회화는 작가가 직접 제작한 직접적 표현의 결과로서 화가의 모든 세계를 그대로 드러낸다. 이러한 본인의 믿음은 회화가 지닌 표현의 진실에서 비롯된다고 본다. 회화는 작가의 상상력과 감정의 흐름에 따라 변화하며 형상과 배경의 작용에 따라 시각적 환영을 보여준다. 이 연구는 2006년 초에 완료된 본인의 회화 연작 "4악장"을 중심으로 삶과 연관된 회화의 본질적 구성요소를 중심으로 분석하고, 현대미술의 양식들과 비교함으로써, 그 형식적 특성과 흐름을 밝힘과 동시에 회화의 가능성을 확인하고자 했다. 초기의 작품에서 최근의 연작에 이르는 동안 회화적 표현이 두드러진 특성(painterly quality)은 밝은 형상에 대비된, 어둡고 채도 높은 바탕에서 출발하여 점차 밝아지고 급기야 캔버스 바탕의 물리적인 속성을 노출시킬 정도로 얇아졌다. 초기의 작품들이 물감과 제스처의 결합에 의존한 추상성의 추구라면 최근의 것은 화면 전체의 구성을 결정하는 시각적 요소에 의존한 구조적 회화가 특성으로 보인다. 이러한 변화는 개인적 내면의 사색에 대한 주목에서 외부의 현실에 대한 반영으로 전개해 온 것이다. 이러한 변화는 크게 어두움에서 밝음으로, 내면에서 환경으로, 정체에서 긍정으로 요약 될 수 있다. 그러한 변화 속에 회화를 구성하는 물감의 제스처와 캔버스의 물리적 속성에 대한 주목은 본인의 회화에 지속되는 일관성이며 특징으로 파악된다. 이러한 본인의 회화의 특성을 포비즘(Fauvism)과 독일 표현주의(Germany Expressionism)와 같은 회화적 제스처 중심의 유럽전통에 비교했을 때 본인의 화면은 포비즘의 시각적 논리 그 자체에 대한 강조나 독일표현주의에서 목격되는 형상의 변형과 구별되는 직접적 기록이 나타난다. 한편 본인의 화면에 적용된 소묘나, 낙서, 이미지의 차용은 평평한 색면과 이웃하거나 결합함으로써 색면의 순수한 추상성과 충돌한다. 이를 통해 색면의 시각적 속성이 갖는 견고함에 울림을 자아내게 한다. 이를 색면회화(Color Field Painting)와 같은 전후 미국 미술과 비교했을 때 색면 회화는 단순한 대상성(object-hood)과 분명한 차이를 보인다. 즉 본인의 화면은 시각에만 머문 문제가 아닌 삶의 다양한 비유와 복합적 요소를 기록하고 있는 것으로 정리 된다. 이러한 기록성은 회화적 형상과 배경의 관계, 그리고 차용된 이미지가 제작자와 보는 이의 감정에 직접적으로 반응하게 하는 추구를 통해 상상의 자유와 감각의 확대를 가능하게 하였다. 이를 통해 본 연구는 회화가 시각적 환경의 급속한 변화 속에서도 존재하는 이유가 있으며 또한 대중과 함께 하는 미술언어로서의 중요한 가치를 지닐 것이다. This study works up the pictorial characteristics of my painting series that I have produced between 2002 and 2006. Lately, the flood of multifarious media stimulates skepticisms of pictorial possibility to continue. It has already surrounded over the environments with the features of gorgeousness. Many viewers believe, however, in the pictorial possibility and the continuance of painting. Because painting is the media responding to the human life which can put the personal contemplation in it. Above all, it reacts to maker's gesture directly and revives the maker's temperature. The trust of painting is derived from the pictorial quality of documentation with visual honesty. Painting responds to the current of imagination and mind. It makes the visual magic with the relationship between figure and ground. This study purposes to illuminate the formal characteristics of "4 act" that I have finished at the early 2006 with the analysis of visual elements which relate to my life. I try to define the possibility of painting relating to the documentation of life. And I try to compare it with the style of the paintings in the history of modern. The development of painterly characteristic from my early painting series to the recent one is that dark and heavy ground painted against light and bright figure has started at first and now the ground has come to bright tone. The recent series has exposed the physical surface of the canvas that the paint has been thinner ever than the early one. This comes to an interpretation: My paintings are a development which at first I started inner description with a personal contemplation and I come to recover affirming the outer actuality and vitality. It is definite that the development responses to painterly quality of European tradition such as Fauvism and German Expressionism with immediate documentation without visual logic and transformation of figure. I tried to apply drawing, scribbling, and images on the surface that cause the anxiety about visual solidness derived from physical quality of the paintings. But I overcome the anxiety and created a sympathy expanding to the senses over the visual sense. I found vitality and freedom in the later works. This pictorial tryout defines that my pictures are response with the document of the figurative to the object-hood found in American modern art post war such as Color-Field Painting. In conclusion, these qualities of documentation in my paintings are the sources of imagination, freedom and expansion of sense which respond to the relationship between pictorial figure and ground, and inquire into the direct response to the sense of the spectator and the artist. In conclusion, this study shows that despite the rapid change of the visual environment, painting has its own cause to exist and has its own value as an artistic language in the public.

실재계와 헤테로토피아에 대한 욕망 표현 회화 연구 : 연구자의 작품을 중심으로

배정미 국민대학교 일반대학원 미술학과 회화전공 2018 국내박사

본 논문은 연구자의 무의식에 잠재되어 있는 이상향에 대한 욕망의 문을 열어 보는 것으로 출발한다. 그 시기와 이유는 각자의 본성과 삶의 경험마다 다르겠지만 우리는 누구나 한번쯤 신기루와 같은 이상세계를 꿈꿔본다. 이상향은 현실에서 이루어질 수 없는 것이기에, 시대와 공간을 초월하여 인간에게 더욱 간절한 욕망의 대상이 되어오고 있는지도 모른다. 대상은 손에 잡히지 않을 때 그 기능을 발휘하고, 손에 잡히면 그것은 더 이상 남근이 아니다. 그러므로 이상향의 세계는 인간의 무의식적 욕망에서 비롯된 ‘신화’ 속 이야기에서, 화가들의 상상력을 동원한 ‘그림’이나 시인들의 ‘시’를 통해 끊임없이 등장하고 있는 것이다. 프로이트는 ‘정신분석’을 통하여 인간의 의식보다 내면에 잠재해 있는 무의식의 영역을 강조한다. 프로이트에 의하면 인간에게 있어 최초의 욕망이 시작되는 오이디푸스 콤플렉스에서 유아기의 심리 속 욕망은 사라지지 않고 억압되어 무의식 깊은 곳에 저장 된다. 프로이트의 무의식의 발견은 이성을 중시했던 기존의 서구문화로부터 탈출하여 그동안 억눌려있던 무의식과 욕망의 세계를 탐구하기 시작했고, 잠재해 있던 인간의 무의식의 자유로운 정신을 내면으로부터 해방시켜 창작과정에서 화면으로 옮겨지면서 광기, 꿈, 일탈등과 함께 초현실주의 미술에서도 중요한 역할을 차지한다. 인간의 의식과 무의식은 자아, 초자아, 이드로 구성되어 있으며, 이 세 영역의 균형이 깨어지고 한쪽으로 쏠리게 되면 무의식적 욕망이 표출되어 병리학적 증상으로 나타나는데, 나르시시즘은 그 유형중 하나이다. 프로이트가 인간의 무의식에서 나르시시즘의 리비도를 발견했다면 라캉은 상상계의 구조 속에 있는 ‘거울단계’에서 리비도를 찾는다. 프로이트의 무의식은 라캉에서 상상계, 상징계, 실재계로 제시되고 오이디푸스는 상상계에서의 거울단계가 된다. 이러한 논리로부터 우리는 동물에게는 없는 인간의 고유영역인 ‘자아’의 개념을 획득한다. 유아는 자신을 부분적으로밖에 볼 수 없고 그것마저도 스스로 통제할 수 없는 불완전한 신체만을 인식한다. 하지만 거울에 비춰지는 자신의 모습이 뜻밖에도 완벽한 신체의 형상을 하고 있음을 본다. 그는 그것을 완전하고 이상적인 자아라 여기며 그 이미지를 욕망한다. ‘상상계’ 혹은 ‘거울단계’라고 하는 이 단계에서, 거울 속 완벽해 보이는 이미지는 결국 아이 자신의 욕망이 아니라 상상적 타자의 욕망인 것이다. 이것이 거울에 비치는 총체적인 이미지를 자신과 동일시하고, 그 이미지에 도취되어 그것을 욕망하는 나르시시즘의 단계이다. 그러나 때가 되면 유아는 거울 속 이상적 이미지와 현실에서 그렇지 못한 자신과의 괴리감을 깨닫고 좌절한다. 이 단계가 ‘상징계’이다. 인간은 끊임없이 무언가를 욕망하는 존재이기 때문에 거울속의 이상화된 자신과 현실의 자신이 동일하지 않다는 것을 깨닫거나, 욕망했던 것을 얻고 난후에도 여전히 욕망은 남아 또 다른 어떤 것을 끊임없이 욕망한다. 이 단계가 라캉이 말하는 ‘실재계’이다. 그러므로 실재계는 현실에서는 결코 얻어질 수 없는, 손에 잡히지 않는 허상이요, 언어화 되는 순간 이미 상징계에 난 구멍이 된다. 연구자가 꿈꾸는 세계는 이처럼 현실세계에는 존재하지 않는다. 실재계에서만 있는 상상적 타자의 욕망에서 온 잡히지 않는 무지개와도 같은 것이다. 프로이트가 말했듯이 인간은 욕망 없이 살아갈 수가 없다. 라캉은 인간은 살면서 지속적으로 거울 단계를 마주한다고 했다. 그것이 설령 상상계와 상징계와 실재계를 쳇바퀴 돌듯 반복하는 것이거나, 메비우스의 띠와 같은 것일지라도 인간의 삶은 이러한 과정을 거치면서 성장하고 성숙해 갈 수밖에 없는 것이다. 연구자의 회화는 이와 같이 현실에 있지 않는, 실재계에만 존재하는, 언어화 되지 않는 이상세계다. 그리고 그 이상세계로 벗어날 수 있는 매개체로 멜랑콜리한 그로테스크적 도상학의 ‘새’가 등장 한다. 새는 연구자 본인이다. 현실도피를 꿈꾸고 실현시키는 초월적이고 자유로운 영혼의 상징이다. 도상학적 ‘새’는 실제 ‘새’를 재현한 것이 아닌 꽃과 거울과 물이 데페이즈망의 낯선 만남을 통해 구현해 내는 상상의 이미지이다. 연구자의 회화에 주요 소재로 등장하는 꽃과 물과 거울은 원래 존재하던 장소로부터 벗어나 한 자리에 모여 예상하지 못한 초현실적인 장면을 연출하며 연구자의 무의식의 세계를 보여준다. 클로즈업된 꽃은 여성성의 의미를 내포하고 있다. 꽃은 연구자의 내면에 숨겨져 있는 강한 자아와 작은 꽃 안에 존재 하는 수없이 많은 색을 표현하기 위해 확대될 수밖에 없는 노마드적 회화를 표현하고 있다. 거울은 현실의 이상향을 의미하는 꽃을 비추어 현실에 없는 이상향의 이미지를 반영해낸다. 꽃과 거울사이로 흐르면서 그로테스크한 양가성을 보여주는 물은 초현실적인 상상의 이미지를 만들어내도록 돕는다. 그리고 이들은 한 화면에 어우러져 현실에 있으면서 현실에 존재하지 않는 헤테로토피아를 창조한다. 단조로운 현실에서 느끼는 매너리즘과 그로인해 현실에 없는 세계를 그리워하는 멜랑콜리한 연구자의 회화는 현실의 제도나 분류체계를 벗어나있는 헤테로토피아를 꿈꾼다. 그것은 한 화면에 현실과 비현실이 함께 공존하는, 논리에서 어긋나는 양가성의 헤테로토피아적 이상향이다. 상식을 와해시키는 이러한 헤테로토피아는 현실에 이미 존재하는 것들을 벗어난다는 점에서 낭만주의 그리고 초현실주의와 통한다. 연구자의 작품은 연구자의 삶에서 터득한 경험이 시간의 레이어로 반영되었기 때문에 노마드적 삶에서 기인된 작업의 다양한 형식과 메시지를 포함한다. 그것은 현실에 있는 하나의 척도나 기준에 정도 되지 않고 끊임없이 표류하며 경계를 넘나드는 노마드적 표현방식의 회화이다. 이러한 노마드적 사고는 중심주의를 벗어난다는 점에서 연구자의 작업에 나타나는 페미니즘과도 연결된다. 연구자의 회화는 여성성을 띄고 있다. 하지만 일반적 페미니즘 작업들에서 볼 수 있는 사회 고발적, 공격성 혹은 여성성을 강조하는 뚜렷한 목적이 있는 작업과는 다른 지점에 위치한다. 연구자의 작업에서는 자기애적 나르시시즘을 동반한 멜랑콜리와 자기학대, 괴물성과 광기, 두 얼굴을 가지고 있는 페르소나와 양가성 등의 심리적 측면을 고려해야 한다. 그러므로 연구자의 작품은 현상의 재현이 아니다. 뚜렷하고 명확한 현실에 존재하는 미학적 관점에 머물지 않고 나르시시즘적 관점으로 그것을 넘어서는 작업이다. 이러한 연구자의 자기애적 욕망의 고백은 끈적거림이나 점액질과 같은 현상으로 나타나며 연구자 자신에게 난 상처에 바르는 약의 성분과도 같다. 연구자는 이제 현실 안으로 들어가 새로운 사회를 접하게 되면서 또 다른 상상계의 작업으로의 변모를 꾀하고 있다. 연구자는 자신의 작품을 분석하면서 왜 과거의 작업에 머무르기를 거부하고 다른 무언가을 향해 꿈틀거렸는지 이해하였다. 현실을 거부했던 과거의 연구자에서 현실을 받아들이고, 그것에서 얻는 삶의 철학을 수용하여 새로운 주름의 작업을 시도하려는 것이다. 현실의 억압으로부터 벗어나려는, 즉 현실에 거주하되 의식은 밖을 향해있는 행동태에서 비롯된 작업으로부터 현실을 수용하고자하는 태도의 작업으로 전환하고 있다. 지금까지의 작업에 물질과 비물질의 공존이 있었다면, 미래에는 비물질에 가까운 작업이 될 것이다. 그것은 현실 안으로 들어와 경험하는 것으로부터 깨닫는 비물질의 정신세계에 관한 것이다. This article begins from unlocking desires for utopia latent in unconsciousness of the researcher. Everybody dreams of ideal worlds like mirages once, though the period and reason are different from one another according to each person's human nature and life experience. Utopia may be the object of extreme desire to men transcending space and time because it cannot be realized. The object functions when it is not within our grasp. And when it is within our grasp, it is not penis any more. Therefore, the ideal worlds have continued to appear in the stories of 'myths' that began from unconscious desires of men, in the 'paintings' that use painters' imagination or in the 'poems' of poets. Freud who studied human unconscious territory by approaching it scientifically emphasizes unconscious territory latent in inner side rather than human consciousness through 'psychoanalysis'. According to Freud, desires in psychology of early childhood do not appear and are stored being suppressed in the deepest recesses of unconsciousness in an Oedipus complex that human desires begin for the first time. For Freud's discovery of unconsciousness, he started studying the worlds of unconsciousness and desires which were suppressed escaping from the existing western culture that regarded reason as important. And the liberal spirit of human latent unconsciousness played an important role in surrealism art with madness, dreams, and departure as it was moved to pictures in the creative process being relieved from inner side. Human consciousness and unconsciousness consist of ego, superego, and the id. When the balance of these three territories are lost and inclines to one side, unconscious desires are expressed and shown as pathological symptoms. One of the types is narcissism. Freud found libido of narcissism in human unconsciousness and Lacan found libido in the 'mirror stage' in the structure of imaginary. Unconsciousness of Freud is presented as the Imaginary, the Symbolic, and the Real in Lacan. Oedipus becomes the mirror stage in the Imaginary. We get to obtain the concept of 'ego' the men's own area that animals do not have from this logic. The infants who cannot look at themselves partially and have just recognized their incomplete bodies that cannot control themselves found themselves the unexpected shapes of complete bodies in the mirror, regard them as complete and ideal ego, and desire the images. In this stage called 'the Imaginary' or 'the mirror stage', the images that look perfect in the mirror are finally desires of others in imaginary , not children's own desires. This is the stage of narcissism that men identify the perfect image in the mirror with themselves, are intoxicated in the perfect image and desire the perfect image. However, when the time is ripe, the infants get to be frustrated after realizing disjunction between the ideal images in the mirror and the figures in real life that are different from the ideal images. This stage is 'the Symbolic.' Men get to continue to desire other things as desires are still left even after they realize that their idealized figures in the mirror are not same with themselves in real life or they get what they desire. This stage is 'the Real' that Lacan says. Therefore, 'the Real' is illusion that men never get in real life and which is not within their grasp. And as soon as it is lingually expressed, it becomes a hole created in symbolic. The world that the researcher dreams is like the uncaught rainbow that does not exist in the real world. The world that the researcher dreams only exists in 'the Real' and comes from desires of others in imaginary. As Freud said, men cannot lead their lives without desires. Lacan said that men continue to face the mirror stage while they lead their lives. Even though it repeats the Imaginary, the Symbolic, and the Real endlessly or is like Mobius strip, human life cannot help growing and maturing going through this process. In a painting of the researcher, 'a bird' of melancholic and grotesque iconology appears as a medium that can enter the ideal world that just exists in the Real, not reality like this, and is not expressed in language. The 'bird' that is also the researcher herself is a symbol of a transcendental and free spirit that dreams of escapism and realizes it. This 'bird' of iconology does not reproduce the real 'bird', but the imaginary image created by being together a flower, a mirror, and water in depaysement. The flower, water, and mirror that appear in the painting of the researcher as main subjects show the researcher's unconscious world by creating an unexpected surreal scene as they gather together escaping from the places that they originally existed. The flower that is highlighted containing the meaning of Femininity expresses the nomadic painting that cannot help being enlarged to express strong ego hidden in inner side of the researcher and a lot of colors in the small flower. And the mirror reflects an image of utopia that does not exist in reality by shining the flower which means utopia in reality. The water that shows grotesque ambivalence flowing between the flower and the mirror helps the painting create the surreal imaginary image. And they create heterotopia that does not exist in reality or exist in reality in one screen. The melancholic painting of the researcher who feels habitual behavior in simple reality and misses the world that does not exist in reality due to it dreams of heterotopia which escapes from systems of reality or classification systems. That is the embivalence heterotopia which is not gramatically right as reality and unreality coexist in one screen. This heterotopia that destroys common sense vibes on romanticism and surrealism in that it escapes from the things which already exist in reality. Because experiences from the researcher's life were reflected in the painting as the layer of temporality, her work of art includes various forms and messages of work originated from her nomadic life. It endlessly drifts not being arranged by a criterion or standard and is the painting of the nomadic expression method that crosses the boundaries. This nomadic thought is connected to feminism shown in work of the researcher in that it escapes from centeredness. The painting of the researcher shows feminism, but is located in the point that is different from work with defined purposes that emphasize indictments on society, aggression, or femininity shown in general work of feminism. In work of the researcher, the psychological aspect including melancholia and self-violence accompanying narcissistic narcissism, monstrosity and madness, and persona with two faces and ambivalence must be considered. Therefore, the researcher's work of art is not reproduction of phenomena. It does not stay the aesthetic point of view that exists in apparent and clear reality but goes beyond it from the viewpoint of narcissism. The researcher's confession of narcissistic desires is shown as the phenomena like stickiness or phlegmatic temperaments and is like the ingredients of medicine that is applied to the researcher's wound. The researcher tries to make an attempt to change to work of another imaginary as she got to meet new society entering reality now. As the researcher analyzed her work of art, she got to understand why she rejected to stay at past work and try to another thing. The researcher rejected reality in the past. But she accepts reality and tries new work by accepting philosophy of life obtained from it. The researcher's work tries to change the behavioral pattern to try to escape from suppression of reality, that is, stay at reality but her consciousness which is outward to the attitude to try to accept reality. If materials and nonmatieral things coexist in the past, there will be works of art that are close to nonmaterial things in the future. They are about the nonmaterial spirit world that the researcher realizes from experiencing entering reality.

현대회화의 비정형이론과 형상전이 연구

정숙영 弘益大學校 2007 국내박사

The study herein aims to explain the origin and meaning of 'damaged and distorted body image' which is frequently appeared in modern paintings based on Georges Bataille's Informe theory and transfiguration of media theory. 'Informe', one of the key words in this paper is quoted from Bataille's terminology. This concept indicates dismantling situation which the boundary between form and background and myself and others is collapsed. Informe noticed by Bataille indicates distortion of the form and disproportionate status, which is applicable to the concept which dismantle all categories. He discovered the possibility of human freedom from this dismantlement. Bataille's thought related to Informe was continued to not only anti-structuralism theorists such as Jacques Derrida, Gilles Deleuze, etc, but also critics who were influenced by their philosophy such as Hal Foster, Rosalind Krauss, etc, which became one of theoretical backgrounds of modern art. Bataille's Informe theory refuses a body image as a perfect category and closed boundary. It, then, requires damaged and distorted body image. Jean Dubuffet's debris body image who insisted to restore to barbarian state is a representative example which Informe theory is visually demonstrated. However, visualization of Informe type from Bataille should challenge perfect deterioration from original object with full denial for partial preservation of body. Jean Dubuffet's work which is still staying at actual material world shows a partial limit to visually demonstrate ?FInforme'. The paper is to discover the possibility to overcome the limit from digital world which new media is advent and fully developed. New digital media replaced closed and completed logic of image to mobile and variable image logic. Transfiguration is the word which represent this mobile and variable logic. Transfiguration concept above is especially suitable to indicate a group of works to find present Informe possibility from new digital medias. From this new painting work, conventional completed body image can be broken anytime, and it is also replaced to a different object anytime. In other words, Image which does not have original copy, duplication of shape and the problem of transformation are coming into the limestone of modernization. The meanings and its representative artists were categorized and their art works were analyzed in this paper in terms of which advent of image which its originality can not be identified is varied to transformation or transfiguration. The art works of German neo-expressionists artists, Sigmar Polke, David Salle and media artist, Jeffrey Shaw who have been being focused by transformation of image by media work in early period were selected for the target of research analysis. The analysis for research art works in the aspect of Informe theory and transfiguration in accordance with the result of discussion based on the understanding about dismantlement which became theoretical background of post-modernism painting. Especially, on the result of dismantlement theory organized with Jacques Derrida, the art works analysis were carried out in the order from formative semiology of Jean Marie Floch and meaning analysis network of Bernard Cocula and Claude Peyroutet. Simply, Informe paintings and transfiguration paintings as an extension of Informe paintings are the art form and principle which impugned the whole fixed and manipulated frames. Under the logic of common idea for Informe paintings and transfiguration paintings, the paper herein is trying to examine the origin, its logic and meanings of "overturned, damaged and distorted body image” frequently appearing at modern paintings, which is suggested through the purpose of research. When Informe and transfiguration is actively connected with the possibility of new medias, it is clearly true that it will reach to artistic foundation which has never been reached. The writer of this paper has carried out to expand the range of expression in accordance with active participation to dramatically changing media circumstance. Visualization of the possibility of Informe in new medias and visual circumstance was available through this. By analyzing the result through objective analysis frame, it could be finally confirmed the works herein is one of new tasks which modern painting is confronting. 본 논문은 조르쥬 바타이유Georges Bataille의 비정형Informe 이론과 매체이론의 형상전이Transfiguration 개념을 중심으로 현대회화에 빈번히 등장하는 ‘훼손되고 왜곡된 신체 이미지’의 원천과 의의를 해명하는데 목적을 두고 있다. 논문의 핵심어 가운데 하나인‘비정형’은 바타이유의 용어를 차용한 것이다. 이 이론은 형상과 배경, 자아와 타자 사이의 경계가 무너지는 해체적 상황을 가리킨다. 바타이유가 주목한 비정형은 형태의 왜곡과 불균형의 상태를 가리키며 모든 범주들을 해체시키는 개념에 해당한다. 그는 이러한 해체로부터 인간 해방의 가능성을 찾았다. 비정형과 관련된 바타이유의 사유는 자크 데리다, 질 들뢰즈 등과 같은 탈구조주의 이론가들뿐만 아니라 이들의 사상에 영향 받은 할 포스터, 로잘린드 크라우스와 같은 비평가들에게로 이어져 현대미술의 이론적 토대 가운데 하나가 되었다. 바타이유의 비정형 이론은 완전한 범주, 폐쇄된 경계로서 신체 이미지를 부정한다. 곧 그것은 훼손되고 왜곡된 신체 이미지를 요청한다. 야만적인 상태로의 복귀를 주장했던 장 뒤뷔페Jean Dubuffet의 파편적인 신체 이미지는 비정형 이론이 시각적으로 구현된 대표적인 사례다. 그러나 바타이유에게서 비정형을 시각화한다는 것은 본래 신체의 부분적인 보전마저도 전면 부인하는 가운데 원래의 대상으로부터 완전한 변질을 기도하는 것이어야 한다. 바로 이 점에서 아직 현실의 물질세계에 머물러 있는 뒤뷔페의 작업은 ‘비정형’을 시각적으로 구현하는 데 일정 부분 한계를 드러낸다. 본 논문은 이 한계를 극복할 가능성을 근래 새로운 매체의 등장과 더불어 전면화되고 있는 디지털 세계에서 찾고자 했다. 새로운 디지털 매체는 폐쇄되고 완결된 이미지의 논리를 유동적이고 가변적인 이미지 논리로 대체했다. 이 유동적이고 가변적인 논리를 대표하는 용어가 바로‘형상전이trans-figuration’다. 이러한 형상전이 개념은 오늘날 비정형의 가능성을 새로운 디지털 매체에서 찾는 일군의 작업을 지칭하는데 특히 적절한 개념이다. 이들의 새로운 회화 작업에서 종래의 완결된 신체 이미지는 언제든지 깨질 수 있으며, 또 언제든 다른 것으로 변할 수 있는 것으로 대체된다. 즉 디지털 매체시대의 도래와 함께 원본 없는 이미지와 형상의 복제, 그리고 변형의 문제는 현대회화의 새로운 과제로 대두되고 있다. 본 논문은 원본성originality을 밝힐 수 없는 이미지의 출현이 이미지의 변형trans formation, 즉 형상전이transfiguration로 파생된다는 관점에서 이에 대한 의미 분석과 그 대표적인 작가들을 선별해 작품 분석을 수행했다. 일찍이 매체 작업으로 형상을 변형시켜 주목받아온 독일 신표현주의 작가 지그마르 폴케Signar Polke와 데이비드 살르David Salle, 그리고 미디어 작가인 제프리 쇼Jeffrey Shaw의 작품이 주요한 연구 분석 대상으로 선택된 텍스트들이다. 본 논문은 포스트모더니즘회화의 이론적 토대가 된 해체론에 관한 이해를 전제 삼아 이와 같은 논의 결과를 토대로 비정형이론과 형상전이의 측면에서 연구 작품에 대한 분석을 시도했다. 특히 자크 데리다Jacques Derrida를 중심으로 전개된 해체론의 성과 위에서 장 마리 플로슈Jean Marie Floch의 조형기호학, 그리고 베르나르 꼬뀔라Bernard Cocula와 끌로드 페이루테Claude Pey routet의 의미분석망을 활용하는 방법으로 작품 분석을 진행하였다. 요컨대 비정형회화, 그리고 그 연장으로서 형상전이 회화는 일체의 고정된 틀 및 조작된 틀에 이의를 제기하는 예술형식이자 이념이다. 이러한 비정형회화와 형상전이회화의 공통된 이념적 기반 하에 본 논문은 연구목적을 통해 제기한 과제, 즉 현대 회화에서 빈번히 등장하는“안이 밖으로 뒤집혀진, 훼손되고 왜곡된 신체 이미지”의 원천과 그것이 갖는 논리, 그리고 의의를 규명코자 한 것이다. 비정형과 형상전이가 새로운 매체의 활용가능성과 적극적으로 결합될 때, 이전에 결코 도달할 수 없었던 예술적 지반에 이를 수 있다는 것은 분명한 사실이다. 이에 근거하여 본 연구자는 급변하는 매체 환경에 적극적으로 개입함으로써 표현의 폭을 넓혀가는 작업을 수행해왔다. 이를 통해 비정형이론의 올바른 이해와 새로운 매체의 가능성을 시각예술 속에서 가시화할 수 있었다. 그 성과를 객관적인 분석 틀을 통해 해석해냄으로써 그 같은 작업이 현대회화가 당면한 새로운 과제의 하나라는 것을 확인하고자 한다.

초현실주의의 데페이즈망(Dépaysement)과 이중구조에 관한 연구

최예진 인천가톨릭대학교 대학원 2013 국내석사

불확실한 세계의 현실과 소외의 극복을 예술 운동으로 실천하였던 초현실주의 선언과 운동에 대한 관심으로부터 시작한 초현실주의에 대한 접근은 데페이즈망과 이중구조를 본 논문에서 연구하는 계기가 되었다. 무엇을 그려야 한다는 것에 대한 표현의 제한으로부터 자유로워진 것은 르네상스(Renaissance)부터라 할 수 있다. 르네상스는 예술과 문화의 영역에서 그리스 로마식의 균형과 조화라는 인간미의 가치구현과 인간성의 표현으로써 종교적 세계관의 중세를 벗어나는 계기를 마련하였다. 그러나 원근과 비례, 명암 등의 고전적 회화 가치에 입각한 재현과, 현실을 바라보는 창으로써의 르네상스 회화의 형식적 틀을 벗기까지는 그로부터 400여년의 시간이 필요하였다. 세잔(Paul Cézanne)에 의한 르네상스 회화관에 대한 최초의 변화 시도를 경험한 후, 20세기 초에 이르자 다양한 미술사조가 봇물처럼 나타난다. 다양한 미술경향과 초현실주의가 비교되는 점은 여러 사조들이 예술 표현 양식상의 관점 변화에 주력한 반면 초현실주의는 그것에 더해서 서구의 이원론적 세계관에 회의를 품고 부조리한 세계에 대한 변화를 모색하였다는 점이다. 마그리트는 파리에 머물며 초현실주의에 열광하던 짧은 시기와 나치(Nazi)점령기의 인상주의와 야수파 경향의 예외적인 회화 기간을 제외한 긴 시간동안 데페이즈망(Dépaysement)을 통하여 세계의 이중적 모습과 시간과 공간의 사유를 통한 세계의 불명확성을 반영한 회화 작품을 발표하였다. 마그리트의 회화는 다다이즘(Dadaism)과 함께 20세기 중반 이후에 등장하는 팝 아트(Pop art)에 지대한 영향을 끼쳤으며 현재도 많은 문화 영역에서 그의 회화가 응용되고 있어 대중에 친숙한 예술가로서 인식되고 있다. 이러한 관점에서 본인은 초현실주의가 표방하는 서구의 이원론적 세계관에 대한 회의적이고 비판적인 견해에 동의한다. 그러나 예술이 세계의 변혁이라는 초현실주의의 목적을 위한 수단으로만 인식되는 일부의 주장에 대하여는 비판적이지 않을 수 없다. 이원론에 기초한 서구의 세계관에 대한 문제적 모습을 표현한 일부 초현실주의 회화의 상반되거나 모순적인 모습을 한 화면에 병치시키는 소극적 표현방식의 대안으로써 본인은 부조리한 상황이 극복된 화해의 지평, 조화로운 소통의 세계를 회화에 표현하고자 노력하였다. 화해와 조화로운 세계에 대한 희망은 실루엣이라는 모티프를 발견하는 계기가 되었다. 실루엣이 동화 속의 동물들, 꽃, 들풀, 나무, 아이 그리고 천사의 모습으로 일상을 살아가는 조화로운 세계는 불확실하지만 희망을 이야기 할 수 있는 세계인 것이다. 불확실한 세계 안에서 동화속의 이야기처럼 일상을 영위하고 소통하는 사람들이 있기에 우리는 조화로운 세계를 기대할 수 있다. 표현양식에 있어서는 마그리트 후기 회화의 의도성(意圖性)과 신비감이 순화된 느슨한 데페이즈망(Dépaysement)을 본인의 회화양식에 도입하였다. 의외성(意外性)과 신비감이 완화된 데페이즈망은 소외와 단절이라는 내용의 구성에서 절망을 극복하고 소통과 화해의 형식을 스스로 찾아가는 창작의 활력 요소로써 작용하였다. 시간에 있어서 과거와 현재라는 구분과 경계를 허물고 과거가 현재로 이어지는 일련의 연속적 시간이라는 예술 창조자의 관점을 우선적으로 회화에 반영하려 노력하였다. 공간의 사유에 있어서는 화면과 대상이 겹치거나 병치되는 이중구조 현상을 넘어서 화면과 대상이 하나란 주체와 객체의 융화, 이곳과 저곳이란 공간의 구분과 경계로부터 자유로운 조화의 조형 세계를 표현하고자 노력하였다.

현대회화에서 이미지를 통한 시뮬라크르 표현연구 : 연구자의 <가공된 풍경> 연작을 중심으로

남상운 홍익대학교 대학원 2018 국내박사

The present study examined how the representations of simulacre images in modern painting have appeared in various media and the transformation and development of related artistic techniques. In modern art, boundaries have blurred and genres have converged due to technological advances, creating new schools of painting. These developments have created new types of images through the emergence of a consumer society. This new type of image has created new meanings based on the postmodern destruction and convergence of genres, growing as a progressive art. As such, an analysis must be conducted in which the concept of simulacre, the notion that, “an imaginary image is more realistic than the reality,” which is derived from the consumer society, is connected with images in which reality has been replaced by imagination. To make this connection, I first examined the dépaysement and aleatory techniques which break away from the irrational surrealist ideas that led to the emergence of imaginary illusions in modern painting. This emergence occurred because surrealism had a great deal of influence on the break from the method in which objects are imitated and reproduced as they are in reality and brought about the liberal construction of space on the screen. In examining the diversity of visual images that appear in modern painting, I analyzed the illusions and signs of the consumer society and studied the concepts of similarity and parallelism in images that were reproduced based on Jean Baudrillard’s simulacre theory. Hyperrealism is recreated mostly through photographs, so the final products are not original copies but rather are copies of copies and recreations of reproductions. However, the reproduced recreations are recreations of independent existences that are different than the originals. The final products are artificial recreations that become originals themselves. I made the connection to hyperrealist artists to analyze the simulacre concept. I chose R. Magritte and Gregory Crewdson as examples of simulacre artists. I analyzed the illusionary mystery of the dépaysement technique and found that R. Magritte’s dépaysement technique breaks the boundaries of rational thinking and arranges coincidental encounters of unfamiliar objects, signifying that the paintings had broken from rationality. I also confirmed that the appearances of reproduced images that are infinitely proliferated are synonymous with the simulacre of similarity. Crewdson produced photographs of mysterious and illusionary scenes by using the cinematic technique. Photography is a tool of truth that records decisive moments. However, Crewdson reinterpreted the concept of photography at the border of fact and fiction by actively intervening as the photographer as a director intervenes in the creation of a film. These directed scenes were photographed as illusionary images with employed actors, proving that they were the simulacre of manufactured images. These two artists are related to simulacre and so I used them as points of comparison against my artwork. Of the modern illusionary visual media, film is perceived as being the most sensational and has the strongest appeal. Films’ spaces are founded upon their visual backgrounds. The sites where movies are filmed are the substantive backgrounds that progress the story. These backgrounds can be places that exist in reality or virtual spaces made of computer graphics. These virtual spaces that are more realistic than reality are the subject of my painting works A Manufactured Landscape: Utopia. It is about a filming site that existed in reality but was dissolved after filming ended and thus was not in reality, so the film was an independent image of an original that had been lost. This example showed that the filming site of a movie was connected to the simulacre of an imagination to which illusionary equipment has been added. As an image interpretation methodology, Magritte’s dépaysement technique has been used to construct illusions and hyperrealist illusionary factors are presented using hyperreal descriptive methods. This method is used to reproduce pictures related to simulacre, which are reproductions and unrealistic recreations. Filming site scenery using illusions as the subject matter are diverse and complex mixed media, influenced by the interactions between different media as an imagined pictorial space. These backgrounds can be infinitely reproduced with the advances of digital photography and the possibility of synthesis, modification, and fabrication, which can create new pictorial effects. This medium has been used as a tool to produce new images of imagination. I hope that the results of the present study not only help myself but also the future of modern art in experimenting with and accepting new media and to move forward in a progressive direction. 본 연구는 현대회화에 있어서 시뮬라크르(simulacre) 이미지가 다양한 매체와 기법의 변모와 확장을 통해 나타난 표상(表象)을 연구하는데 목적이 있다. 현대미술은 기술의 발달로 인하여 각 장르와 경계가 무너지고 서로 융합되면서 새로운 회화적 특징을 나타내고 있다. 그것은 ‘소비사회’의 출현으로 새로운 이미지를 만든다. 이러한 이미지는 포스트모더니즘의 장르 해체와 융합이라는 속성을 바탕으로 새로운 의미를 생산하고 진보한 예술로 성장하고 있다. 따라서 연구자는 소비사회에서 파생된 ‘가상의 이미지가 실제보다 더 실재’같은 시뮬라크르 개념과 현실이 가상으로 대체되어진 이미지를 연결하여 분석할 필요성이 제기된다. 이를 위해서 우선 현대 회화에서 가상적 환영을 출현시키게 된 초현실주의의 합리적 관념에서 탈피한 우연성의 기법과 데페이즈망(dépaysement) 기법을 고찰한다. 대상을 사실 그대로 모방하고 재현하는 방법에서 벗어나게 되고 화면에 자유로운 공간 구성이 나타나게 된 배경에는 초현실주의의 영향이 크다고 할 수 있기 때문이다. 또한 현대회화에 나타난 시각적 이미지의 다양성을 장 보드리야르(Jean Baudrillard)의 시뮬라크르 이론을 근거로 소비사회의 환영과 기호를 분석하고, 복제되고 반복되는 이미지의 유사(類似)와 상사(相似)의 개념을 고찰한다. 하이퍼리얼리즘은 대부분 사진을 통해 재현한다. 따라서 이것은 원본이 아닌 복제된 사본의 사본이며 복제의 재현이다. 그러나 복제 되어진 재현은 원본과 다른 독자적인 존재의 재현이다. 스스로 원본이 된 인위적인 재현물이다. 이러한 하이퍼리얼리즘의 작가들과 연계하여 시뮬라크르 개념을 분석한다 선행 작가는 마그리트(R. Magritte)와 그레고리 크루드슨(Gregory Crewdson)을 선정하였다. 그 중 ‘데페이즈망’기법의 환영적 ‘신비’를 분석하였고 그 결과 마그리트의 ‘데페이즈망’은 합리적이고 이성적인 사고의 틀을 깨고 낯선 사물들의 우연한 만남을 배치하여 회화의 상식에서 벗어남을 알 수 있다. 또한 무한히 증식되어 나타나는 복제된 이미지의 출현은 ‘상사적’ 시뮬라크르와 동의어임을 확인했다. 크루드슨은 ‘시네마틱’ 기법을 이용한 신비롭고 환영적인 장면을 연출하여 사진을 찍는다. 사진은 결정적인 순간을 기록하는 진실의 도구이다. 그러나 크루드슨은 사진가의 적극적인 개입, 즉 연출이라는 기법을 끌어들여 진실과 허구의 경계에서 사진의 개념을 재해석한다. 이렇게 연출된 장면은 고용한 배우들과 환영적 이미지를 만들고 촬영함으로서 가공된 이미지의 시뮬라크르임을 증명할 수 있었다. 따라서 두 명의 선행 작가는 시뮬라크르와 연관되며 연구자 작품의 분석대상으로서 비교하였다. 현대의 환영적 이미지 중 가장 감각적으로 지각되며 호소력이 강한 매체는 영화이다. 그중 영화의 공간은 회화적 배경에 그 근원을 두고 있다. 다시 말해 영화의 세트장은 스토리를 진행시키는 실체적 배경이다. 이 배경은 현존하는 장소, 또는 세트나 가상의 컴퓨터 그래픽의 공간일 수도 있다. 이러한 실제보다 더 실재 같은 가상의 공간이 연구자의 작품 <가공된 풍경-유토피아>의 소재로 나타난다. 실제로 존재하는 세트의 현장이지만 촬영 후 소멸되고 현실에서는 ‘부재(不在)’로 실재 원본은 사라졌지만 원본과는 다른 독자적인 또 하나의 다른 이미지로 나타난다. 따라서 영화의 세트장은 환영적 장치를 첨가한 가상의 시뮬라크르와 맞닿아 있음을 알 수 있었다. 결론에서 회화에 나타난 이미지 해석에 방법론으로 마그리트의 데페이즈망 기법을 적극적으로 활용하여 구축하였고, 극사실적 묘사방식을 사용하여 하이퍼리얼리즘의 환영적 요소를 보여 주었다. 그것은 사진을 재현하는 방식으로 복제와 비현실적 재현인 시뮬라크르와 연결점을 찾을 수 있다. 또한 영화적 환영성을 소재로 한 세트장 풍경은 시뮬라크르의 가상적 회화 공간으로서 다양하고 복합적인 혼합매체의 형태로 나타났다. 그것은 디지털 사진의 발달로 인해 무한정 복제를 할 수 있으며 합성과 변형, 조작이 가능하며 새로운 회화적 효과로 적용할 수 있었다. 이와 같이 적용된 매체는 가상의 새로운 이미지를 생성하는 도구로 사용되었다. 이러한 연구의 결과가 연구자뿐만 아니라 앞으로 전개될 현대 회화에서도 다양하고 새로운 매체의 실험과 수용으로 인해 외연이 확장되고 더욱 진보적인 방향으로 나아갈 수 있으리라 기대한다.

현대회화에서 빛의 투과 방법에 관한 연구 : 연구작품 <감성의 내외-섬> 시리즈를 중심으로

설휘 홍익대학교 대학원 2010 국내석사

The purpose of this work is that recognizes the essence and organizes the comprehension of penetration of light as keeping alive the naturalized emotional diversity of human being that the researcher tries to express through work into the memory both inside and out and an inquiry into the relationship between painting and light which appears on the researcher’s light art work. In the process of studying work, the penetration of light or making analysis of light is what it emphasized. The researcher’s work is displayed of having dual structure which the light from artificial light is penetrated the white fabric and shows both cut mixture and additional mixture simultaneously as taking advantage of penetrating effect of light. The illusion of color and tone of painting dealing with colors and other materials is displayed by a shift in a new viewpoint by light. For research, the researcher considers an inquiry into history of light art and the theoretical background of it by and large. Moreover, this research makes a two separate study of both using light and tool and a viewpoint of painting because the researcher’s work belongs to the field of light art. It focused both a shift of picture by light and as a source of illumination due to setting up the light in order to acquire variability through formally analyzing study of researcher’s work <both sides of susceptibility - Island> series. Here are the appearing situations in the researcher’s work by a combination of light and painting 1) reversal by light, 2) attention, 3) leaving out line, face and color and emphasis, 4) expansion of a feeling of space, 5) emphasis of blank space. In addition, the light was one of the ways that is organizing painting as a medium to appreciate painting in the usual way of others. However, it discussed possibility of conclusion of light that the researcher’s light is not only tool that adds expansion of painting but also becomes paintings itself, as well as color and light as a material are able to be discussed only in the field of time and space. The reason why form of island image in the researcher’s work selected is that both expression of a sense of loss and communication man to man. It examined that the changeable thing by penetrating light with picture is actually form, shape and color, space. The researcher has examined that Flavin’s works are having realistic, existing and dual features, including sculpture and painting in part through comparison and analysis of Dan Flavin’s works and researcher’s works <both sides of susceptibility - Island>series. However, Flavin’s works are installation through ready-made. On the contrary, the researcher’s works are having the feature of painting and deals with light and color from painting point of view. Besides, it mentioned that James Turrel’s works and researcher’s works have different aspect that the former is based on visibly conditional change and that the latter focuses on directly situational change of picture, the memory with time. The point of view that induces audience’s participation and having some feature of illusion like repeatedly existing and vanishing are things in common. The researcher’s work is the result of way that uses light of modern paintings. It is on an equal footing that many contemporary artists bring light over to their work enthusiastically in order to expand the range of their work. The researcher chose the way of penetration to make good use of light into the work actively, using penetrative method directly both quantity and quality of light in order to dissolve and modify image of form and shape under the category of painting. 본 연구는 연구자의 라이트 아트 작품에 등장하는 빛과 회화와의 관계를 고찰해 보고 연구자가 작품을 통해 표현하고자 하는 차연화 된 인간의 내 외면의 감정의 다양성을 기억 속에 존재시킴으로써, 본질을 인식하고 빛의 투과에 대한 이해를 정리하는데 그 목적이 있다. 작품을 연구하는 과정에서 빛에 대한 해석과 투과에 대해 주목하였다. 연구자의 작품은 인공조명에서 나오는 빛이 흰 천에 투과되는 이중적인 구조를 갖고 있으며, 빛의 투과 효과를 이용하여 한 화면에 감산혼합과 가산혼합을 동시에 보여주고 있다. 이는 물감과 기타재료를 다루는 평면 회화에서의 색과 톤이 보여주는 일루젼을 빛에 의한 새로운 각도로 변화 시켜 보여주고 있는 것이다. 연구를 위해서 기본적으로 라이트 아트의 미술사와 이론적 배경을 고찰 하여 보았으며, 연구자의 작품이 라이트 아트의 회화영역에 속하는 이유로 빛과 기구를 이용한 라이트 아트와 회화적 관점의 라이트 아트로 구분하여 연구하였다. 연구자의 연구작품 <감성의 내외-섬>시리즈의 형식분석 연구를 통하여 가변성의 획득을 위한 빛의 설정 이유로 빛을 광원으로서의 빛과 빛에 의한 화면의 변화에 대하여 주목하였으며, 빛과 회화와의 결합에 의하여 작품에 나타나는 현상으로 1)빛에 의한 반전, 2)주목성, 3)선과 면, 색의 생략과 강조, 4)공간감의 확장, 5)여백의 강조가 있음을 알아보았다. 또한, 빛이 회화를 보는 매개체로서 회화를 구성하는 방법의 하나였다면, 연구자 회화에서의 빛은 회화의 확장성을 더하는 도구이면서 그 자체가 회화가 된다는 Light「회화」의 성립 가능성에 대하여 논하여 보았다. 또한, 내용 분석을 통하여 물질로서 색과 빛은 시간과 공간이라는 테두리 안에서 논의됨을 언급하고 있다. 연구자 작품 속의 이미지인 섬의 형상을 선택한 이유는 사람과 사람의 소통과 상실감에 대한 표현이며, 화면에 빛이 투과 되어 변할 수 있는 것은 형태와 형상 그리고 색과 공간 등이 있음을 알아 보았다. 연구자는 단 플래빈(Dan Flavin)의 작품들과 연구자 작품<감성의 내외 -섬>시리즈와의 비교분석을 통하여 플래빈의 작품들이 즉물적이며 실재적이고, 이중적인 특징으로 조각과 회화의 영역을 일부 포함하고 있으나 기성품을 통한 설치미술이며, 연구자의 작품은 회화적 표현을 하고 있고 회화의 관점에서 빛과 색을 다루고 있음을 알아보았다. 또한, 제임스 터렐 (James Turrel)의 작품들과 연구자의 작품 <감성의 내외-섬>시리즈와의 비교분석을 통하여, 관점이 환경의 가시적인 조건 변화에 있는 터렐의 작품과, 직접적인 그림의 상황변화와 시간에 의한 기억에 중점을 두고 있는 연구자의 작품과는 차이점이 있으며, 관객의 참여 유도라는 관점과 존재하다가 또다시 사라지는 일루전의 성질을 갖고 있다는 점에서 그 공통점이 있음을 언급하였다. 연구자의 작품은 현대 회화의 빛을 이용하는 방법에 대한 결과물이다. 많은 동시대 작가들이 빛을 적극적으로 끌어들임으로써 작품에 확장성을 이루려 했던 전통에 서 있다. 연구자는 회화의 범주 속에 빛을 적극적으로 활용하는 방법으로 투과의 방법을 선택하였으며, 형태나 형상의 이미지를 변형, 해체시키고자 빛의 양과 질에 의한 투과 방식을 회화적인 범주 내에서 직접적으로 이용하고 있다.