공연예술교육프로그램을 통한 관객개발 연구

이은미 한남대학교 사회문화대학원 2008 국내석사

This research analyzed the status and problems of existing performance art education programs and pursued the solution methods. Also, this research has the purpose to present the methods to activate performance art education program through case study, etc. Thus, this research adopted the literature research method with focus on performance related domestic books, policy task report, research literatures and precedent researches. Through such study method, the research examined the concept of performance art and necessity of education programs, analyzed domestic cases and overseas cases on performance art education program and proposed the activation methods. As a result, first off, identity should be established through performance art education. To that end, the characteristics of performance need to be utilized. The necessity of art education can be found not only in the standpoint of education the nation and the region demand. Art education may be demanded to raise high quality audience trusting and supporting the vision and identity of organization as a way of some kind of macroscopic audience development that broadens the class of audience through mid-long term. Second, diverse marketing strategies should be followed up. There need should be audience marketings to acquire performance programs that utilize outdoor stages and outdoor space and reach out toward the daily life and secure specific and practical audience database. In the center of cultural art organization, there stand the citizens as customers are existed. Therefore, development of more customers and improvement of customer satisfaction through organized efforts to understand and meet the customer needs are prerequisites for survival of cultural art organization. Third, cultural arts education, which is very important for long term audience development, requires installation of periodic cultural arts education programs, cultural arts education programs and various experience programs that reach out to help the locals understand cultural art, performance appreciation camp administration, and the last but not least effective volunteer workforce utilization in the standpoint of development of high fidelity audience. Audience development pursues that people may relish sustainable cultural arts by helping them naturally contact and appreciate art works so that may affect future arts activities. To meet such objectives, it may be necessary to increase the range of potential audience through programs friendly to general public, raise accessibility by audience to various arts forms and art works through programs that correspond to the demand of audience class and prepare arts education programs to acquire high fidelity audience through positive programs that deepens the participation by audience.

가칭) 대전 예술의 전당의 효율적인 운영방안 연구

김대환 한남대학교 지역개발대학원 2003 국내석사

공연장이란 예술성 깊은 문화의 창조와 발전, 보급 그리고 시민들의 문화적 욕구를 충족시켜 주는 문화향수의 장이며 시민들의 생활휴식처로서 활용되는 복합적 공간이다. 그러므로 본 연구에서는 설립중인 가칭) 대전 예술의 전당의 효율적 운영방안을 모색하고 대안을 제시하였다. 이와 관련한 논의의 전개로서 먼저 2장에서는 대전 예술의 전당의 기능성 확보에 따른 배경으로 극장의 교육적 기능과 설문지를 통한 시민들의 예술적 향유와 문화예술 의식수준을 조사하였고, 3장에서는 예술의 전당의 운영체제로 우리나라의 주요 극장들의 운영방식을 분석하고 대안을 제시해 보았다. 마지막 4장에서는 효율적 경영체제로 예술경영의 필요성과 다른시 극장(문화회관)의 재정 그리고 공연프로그램을 분석하여 효율적인 대안을 제시하였다. 가칭) 대전 예술의 전당의 효율적 운영방안에 관해 본고에서 제안해본 사항은 다음과 같다. 첫째, 극장의 교육적 기능으로 어린이와 청소년들을 위한 교육 프로그램을 운영하고, 지역 예술단체나 학생들이 연수목적으로 이용할 수 있는 연수프로그램을 개발하는 것과 공연예술관련 자료관을 운영하는 것이다. 왜냐하면 이런 교육프로그램을 운영함으로서 지역예술인을 양성하고 새로운 젊은 관객을 개발하는 것으로 그들에 의해 미래의 문화예술이 이루어 질 수 있는 터전을 열어주는 것이다. 둘째, 효율적 운영체제로는 우리나라의 대부분의 극장들처럼 시 직영으로 운영하여야 하며, 조직과 인력 구성안<표-5>으로 극장장을 중심으로 3개 국(공연예술국, 행정지원국, 무대예술국)을 두어야 한다. 특히 공연예술국과 무대예술국은 공연기획 전문공연장으로서 국제적 규모의 공연장을 지향하기 위해서는 공연프로그램의 기획과 홍보 마케팅 그리고 무대기술 관련 업무들은 철저히 전문 인력으로 구성하여 운영하여야 할 것이다. 또한 조직 운영상 필요한 일반 관리업무를 수행하는 행정지원국을 두어야 한다. 셋째, 극장운영의 재정과 공연프로그램을 들 수 있다. 재정은 적어도 총 공사비용의 10%인 100억원의 예산을 가지고 공연제작비에 30%이상을 투자하여 대관공연 중심에서 벗어나 기획공연 중심의 공연 프로그램을 운영하여야 한다. 이러한 대안의 결과로 극장의 기능과 운영면에서 커다란 두 가지 중심축을 얻을 수 있다. 먼저, 극장이 자신의 역할과 기능에 대해 사회적, 역사적, 경제적 관점에서 확고한 자리매김을 해야 한다는 것이고, 다음으로는 이러한 역할을 다하기 위해 보다 효율적으로 극장을 운영하여야 한다는 것이다. 앞으로는 국민의 문화적 위상을 높이는 것이 결국 국가의 경쟁력을 높이는 것이며, 문화국가로서 세계를 주도할 수 있는 힘을 갖는 일이 된다. A performance center is a field of cultural nostalgia that creates, develops and spreads artistic culture and meets citizens' cultural needs, and it is also a complex space that can be utilized as a citizens' rest place in living. Therefore, this study tried to find the effective operation plan of Daejeon Arts Center(tentative name) and suggest the alternatives. As a progress of discussion about this, this study examined first the arts center's educational function as a background of securing the function of Daejeon Arts Center and the citizens' artistic enjoyment and their cultural and artistic consciousness level in Chapter 2. And then it analyzed the operations of our major arts centers as for the system of arts center and suggested the alternatives in Chapter 3. Finally in Chapter 4, it analyzed the necessity of artistic management as an effective management system, the finances of other cities' arts centers(cultural hall) and performance programs, and then suggested the effective alternatives. The suggestions for the effective operation plan of Daejeon Arts Center(tentative name) are as follows; First, we may need to operate the education programs for children and juveniles as an arts center's educational function, develop the training programs that can be used for regional arts organizations or students, and operate the data office related to performance arts. Because we can cultivate regional artists and develop new and young audience by operating this kind of education programs, and build the ground for future arts & culture. Second, We may have to operate the arts center in the way of city's direct management like most of other arts centers in our country, and organize 3 offices(office of performance arts, office of administrative support, office of stage art) centered on the chief of arts center, as shown in the Table 5 (the plan of making up the organization). Especially as for the office of performance arts and office of stage arts, if they orient toward an international scale performance center as a specialized performance center, they should be operated by professional staffs for the works related to planning of performance programs, PR marketing and stage techniques. In addition, it should have the office of administrative support that conducts general administration works necessary for operating the organization. Third, we may consider the finance of arts center and performance programs. As for the finance, we should invest at least over 30% in performance production with 10 billion won of the budget, which is 10% of total construction cost, and thereby operate performance programs centered on planned performances, escaping from the lease-centered performances. As a result of this kind of alternatives, we can get two central shifts in the aspects of arts center's function and operation. First, the art center should have confident place for its own role and function from the social, historical and economic viewpoints, and next, in order to fulfill this role well, the arts center should be operated more effectively. In the future, enhancing nationals' cultural status is eventually enhancing national competitive power, and thereby we can get the strength to lead the world as a cultural country.

공연장 관객개발 수단에 관한 연구 : 관객관계 발전단계별 고찰

김세현 한남대학교 사회문화대학원 2008 국내석사

본 논문은 공연장과 관객과의 관계를 발전단계별로 신규관객 유치단계, 관객관계의 유지, 강화단계, 참여형 관객관계로 구분, 실무적으로 활용되는 관객개발 수단을 관계마케팅 이론의 관점에서 연구하였다

국·공립 공연장 무대의 효율적 운영방안 연구

박세용 한남대학교 사회문화대학원 2008 국내석사

본 연구는 무대에 대한 역사적 의미를 알고, 국.공립 공연장 무대의 현황을 조사하고 이를 통해 지자체 산하 국.공립 공연장무대의 효율적인 운영에 대해 제시하려 한다. 21세기는 ‘창조도시(creative city)’라는 표현처럼 ‘도시의 세기’라 하여 국가가 아닌 각 도시만의 브랜드를 가지고 도시 명 앞에 지향하는 도시의 이미지를 붙이고 있다. 도시가 자체적으로 정치, 경제, 문화를 운용하는 상황 속에서 필수적으로 문화예술이 논의되고 있는데 이는 '창조도시'의 창조성 발전에 중요한 것이라 할 수 있다. 이런 문화예술을 이끌어 가는데 중요한 역할을 하는 것이 바로 공연장 무대라 할 수 있다. 하지만 이렇게 공연장 무대가 지역의 문화예술을 주도하고 있으나 운영적인 면에서나 재정적면에서 아직 미흡한 점들이 많아 창조도시의 발전에 저해가 되고 있다. 그렇기에 본고에서는 효율적인 공연장 무대의 운영을 위해 다음과 같은 형태로 연구를 해나갔다. 먼저 공연장 무대의 역사 및 기능을 살펴보고 전반적 운영 현황을 알아보며 운영형태의 유형을 살펴본다. 다음으로 각 공연장 무대의 조직과 기능을 살펴보고 지역 문화공간으로서 공연장 무대의 현 운영방안을 살펴본다. 이때 참고자료는 각 기관의 홈페이지나 내부 자료의 운영보고서, 문화예술에 관련된 기관에서 발행한 보고서와 논문을 중심으로 분석한다. 마지막으로는 무대운영 형태에 대한 연구를 바탕으로 앞으로 지자체의 각 공연장들의 효율적인 운영방안을 제언해 본다. 제언은 크게 네 가지를 들 수 있는데 무대 전문 인력의 충당, 공연장 내자체 기획공연을 증가시키는 것, 미래 문화예술 발전을 위한 공연장의 직접적인 예술 교육에 대한 투자, 각 공연장 내 무대의 전문화가 있다. 이를 통해 국.공립 공연장 무대의 실태를 파악하고 제기된 제언을 참고하여 문제점 개선 및 효율적 운영을 할 수 있을 것이다. 사람들이 좀 더 다가가기 쉽고 지역의 문화예술 발달에 큰 기여를 할 수 있는 공연장 무대의 형성과 나아가 창조도시의 발전에 도움이 되리라 생각한다. This study wants to first know the historical meaning of stage and research some areas and their national/public performance theaters. Through this, it would like to present an efficient management of public performance theaters under the umbrella of local governments. In the 21st century, it would rather be called as 'the century of city' like the expression of 'creative city'. As it says, a city wants to have and an ideal image that it aims with its own brand rather than the whole nation. A city itself manages politics, economy, and culture and cultural art has been essentially issued. Cultural art should be very important to develop creativity of Creative City. Performance stages can play an important role to lead cultural art. Even though performance stages lead local cultural art, however, there are some points not good enough in the way of management or finance, so they harm the development of the city. Therefore, I in this paper have researched as presented below in order to operate performance stages efficiently. First, the paper studies the history and functions of performance stage, and finds out the overall operation condition and types of operation. Next, it studies the organization and function of each stage and takes a look at the present operating scheme of performance stage as local cultural space. As data, it takes homepage of each organization, operating reports and papers published by organizations related to cultural art and analyzes them. Finally, it suggests an efficient operating scheme for the theaters run by local government with the study of stage operating types. The suggestion is about four categories; supply of stage experts, increase of its own planned performances, investment in art education of theater directly for development of the future cultural art, and stage-specialization of each theater. I hope that my study will help each organization enable to grasp the actual condition of public performance theaters under the umbrella of local government, improve the problems, and manage efficiently. It can also help people to approach to local cultural art more easily and build a performance theater which could make a contribution to local cultural art development, and furthermore, it can be great help to develop Creative City.

공립예술단체 운영 개선방안 연구 : 서울 및 6대 광역시립예술단체를 중심으로

김순영 한남대학교 지역개발대학원 2003 국내석사

지방자치가 시작되고 사설단체를 포함해 직·간접으로 운영되는 크고 작은 예술단체가 설립되었다. 국·공립예술단체가 그 중의 하나이다. 정부가 예술단체를 지원하므로 안정되고 지속적인 공연활동이 가능하게 되었지만 지역 문화적 기반이나 정책 방안도 없이 설립된 지방자치 예술단체의 운영은 자치단체의 예산에 어려움을 가중시키고 있다. 뿐만 아니라, 시대적 흐름을 과감히 수용하지 못하는 예술경영과 행정의 비전문화로 예술단체의 본래 목적을 달성하기에는 역부족이고, 따라서 시대여건에 걸맞는 예술단체의 효율적인 운영과 자생력 함양에 초점이 모아지고 있다. 이러한 문화예술계의 흐름에 따라 국내에는 이미 국·공립에서 비영리 재단법인으로 문제점을 개선하기 위하여 운영방식을 바꾼 예술단체도 있다. 이 연구는 일련의 현안 문제점과 시대적 요구를 수용해 서울 및 공립예술단체 운영체제를 검토하고 예술 활동의 활성화 방안을 제시하는 데 목적을 두고 있다. 이를 위하여 본론 Ⅱ장에서는 공립예술단체의 운영현황과 문제점을 운영기관, 예술단체, 공연활동, 재정현황에 대하여 살펴본 후 개선할 현 상황을 분석하였다. Ⅲ장에서는 국내·외 공립예술단체 운영개선 사례로 먼저 법적형태가 국립으로 2000년 1월에 재단법인화한 국립발레단의 경우와 공립예술단체 중 1999년 7월에 재단법인화한 세종문화회관의 경우를 국내의 운영개선 사례로 들었다. 이 두 단체는 각각 다른 형태로 법인화를 시행하고 있다. 국립발레단은 독립채산제로 재단법인화 된 경우이고, 세종문화회관은 회관이 법인화되면서 예술단체는 세종문화회관의 전속단체의 형태로 운영되고 있다. 이 두가지 운영형태의 장·단점을 파악하여 효율적인 개선방안 제시의 토대로 삼고자 한다. 해외사례로는 독일의 만하임 국립극장과 프랑스의 문화의 집, 일본의 문화예술단체 운영형태를 참고로 하여 국내 공립예술단체 재단법인화에 도입할 수 있는 점과 국내 공립예술단체 운영형태와의 다른 점을 알아보았다. Ⅳ장에서는 궁극적으로 공립예술단체의 운영 개선에 대안을 제시하였다. 운영기관과 예술단체, 공연기획과 예술경영, 장르별 전용공연장화를 중심으로 재단법인 운영의 타당성과 방법을 제시하였고, 반면 국내에서 재단법인으로 정착하기에 미흡한 부분과 보완하여야 할 사항들에 대하여 언급하였다. 전국 공립예술단체 설립은 주로 1960년대부터 1980년대에 집중적으로 이루어졌다. 가깝게는 약 22년간 일반 행정체제에 의하여 변화 없이 운영되어온 공립예술단체의 운영의 활성화를 위하여 운영개선의 시점에 이르렀다. 결론적으로 제시한 공립예술단체의 운영의 활성화를 위한 대안은 다음과 같다. 행정인력 전문화로 예술경영의 의식을 구축하는 한편, 재정운용의 자율화와 장르별 전용공연장화로 공연장의 운영을 극대화시킨다. 예술 활동의 활성화와 단원기량 향상으로 예술작품의 고품질화가 이루어진다면 서울 및 6대 광역시는 국내는 물론 국제적인 공연예술의 도시로 변 모될 것이다. A number of arts organizations small and large including private arts performance groups have been established since municipal governance started. There are national and public arts groups among them. These arts group are able to do steady and continual performances supported by the national government. However, they have been created without the cultural basis of the region as well as without shaping a policy towards them. The operation of these municipal arts groups becomes now a great burden to municipalities budgetary appropriation. Besides, the arts management and administration of municipal arts groups are not up to scratch and they seldom keep pace with the times. Accordingly, it is difficult to achieve the original goals of these arts groups. In this regard, the focus is on enhancing efficient management and self-sustenance of the arts groups. To meet the challenges of the times, and to solve the problems some national and public arts groups have changed their management to non-profit corporations. This study aims to examine management system of municipal arts groups in Seoul and then to present effective strategies for promoting arts activities. For this, the public arts groups are investigated in Chapter II regarding their managerial status and problems through their operational organization, arts groups, arts performances and finance. In Chapter III, two examples of Korean arts groups that show their operative improvements are presented. Firstly, Korea National Ballet that has achieved its status as a corporation since January 2000 is introduced, and then, Sejong Center for the Performing Arts that has been a corporation since July 1999 is presented. Korea National Ballet is operated as an independent corporate foundation. In case of Sejong Center, it was changed to a corporation, and its performing arts groups belong exclusively to the center. These two cases can be exemplary to show effective improvement in the management of arts groups. Several operational management examples from overseas countries including Mannheimer Nationaltheater in Germany, Maison de la culture in France, and Japanese cultural and arts groups are reviewed about their good points in managing the groups and characteristics different from the domestic arts groups, which can be introduced to the public arts groups in Korea. In Chapter V, alternative proposals for improving management of the public arts groups are presented. Operational agencies and arts groups including performance planning, arts management, and genre exclusive performing theaters are examined. The managerial adequacy and strategy in turning public arts groups into corporate foundations are suggested. Also, some inadequate conditions and situations are mentioned, which should be supplemented when corporate foundations are settled in the domestic circumstances. Most of the national and public arts groups were created over the country between 1960s and 1980s. It is time to reform management of the public arts groups, which have been operated without any improvements nearly for 22 years by the general administrative management system. Consequently, alternatives for improving management of the public arts groups presented here are as follows: Administrative personnel in arts management should be specialized and the finance of the arts group should be run autonomously. Establishing exclusive genre performing centers also helps contribute to the betterment of managing the performing groups. Activating arts performances and developing performers and artists can greatly improve the quality of arts. As a result, the elevated high quality of arts and performances will change Seoul and 6 metropolitan cities to the international arts cities renowned home and abroad.

회원제 운영을 통한 공연관객개발 방안연구 : 국·공립 공연장을 중심으로

곽은정 한남대학교 사회문화대학원 2008 국내석사

This paper examined the status of performance audience development through operation of regular membership system in performance art field and the activation methods. Regular membership system, a desirable system to pursue arts development, not only brings economic stability to performance centers and performance organizations but also stable number of audience, helping the art organizations with long term plan of performances. The key to regular membership system is that it will meet social demand for art culture by inducing more audience and proliferate art culture throughout the society rather than simply create profit. Therefore, domestic environment calls for activation of membership systems through more active marketing. This system which is widely utilized as model method of profit creation in performance field and audience development is currently adopted by most of domestic organizations, and recently variant forms of series tickets, package tickets, membership class systems and discount benefits, etc are in applications, however they turned out to come with limitation in the improvement of audience quality. The followings are the methods of activation of domestic and overseas performance field membership system operations through analysis of general status in this paper. First, to raise audience absorption, operations of differentiated membership system suitable for audience to enjoy cultural arts are needed by offering customized service as is provided in Carnegie Hall of the U.S. Second, in case of free membership, audience remain as potential audience indefinitely, so that becomes as limitation of audience development. Therefore, strategies need to be set up, for instance, to expand the opportunities to visit performance field by offering free tickets at events utilizing homepage. Third, to maintain sustainable relationships with existing audience, it is necessary to develop strategies that can attract audience to performance field through audience development programs suitable to various classes along with public relations activities for membership system. Sustainable communication with audience to for better understanding of audience class and gain high fidelity customers and arts education for audience demand class are ways of cherishing public nature of arts and culture space by ramification of audience classes. And as audience inwardly desire to personally experience rather than simply see the performance, the frequencies of audience visit performance fields visiting performance center will grow when they are given more opportunities to participate. Fourth, currently with the membership systems of domestic performance fields, now there are not much mutual communications with audience. Therefore, for improvement of sustainable relationship with audience, it is necessary to install fields where mutual exchange of culture art information can be exchanged among audience as well as expansion of mutual communication with audience through web club community where audience can participate real time anywhere directly. Fifth, it is necessary to offer one-on-one customized service for audience by raising utilization of marketing dedicated department. One unified membership system may not make individual cultural desires and amicable relationship sustainable. Therefore, it is demanded on the side to enhance the fidelity of audience by activating one-on-one teller of marketing department even for the sake of management of priority customers as well as potential customers.

소설과 텔레비전 드라마의 공생적 관계연구

박종연 중앙대학교 예술대학원 2011 국내석사

문학과 영상은 오래전부터 상호교류를 진행해왔다. 이는 두 매체가 공통적으로 가지고 있는 ‘이야기를 가지고 있다’라는 속성 때문에 가능한 것이다. 두 매체의 결합은 우려를 낳기도 했지만, 그 걱정을 잠식시킬 만큼 원작소설의 영상화가 가져다준 성과는 크다. TV드라마는 소설의 영상화를 통해 질적 향상을 해왔고, 저속한 문화의 상징처럼 인식되어 왔던 TV드라마와 문학이 결합해 작품성과 예술성을 확보 했다. 더불어 소외되어있던 문학에게 대중의 관심을 끌어다 주기도 했다. 이렇듯 오늘날 문학의 생산과 소비는 영상매체를 통해 더 활발히 이루어지고 있으며, 문학은 다양한 매체의 결합을 통해 거듭나고 있다. 본 논문은 소설과 TV드라마의 장점을 합해 두 매체가 공생하는 방법을 모색하는 데 목적이 있다. 방송은 국민의 정서 고양을 위해 완성도 높은 드라마를 선보일 의무와 책임이 있으며, TV드라마의 질적 향상을 위해 원작소설의 각색은 필수적인 것이라 생각된다. 본고에서는 그 부분을 논의하기 위해 소설과 TV드라마 각각의 특성을 파악하고, 두 매체의 결합이 낳는 긍정적 효과와 올바른 각색이란 무엇인지에 대해 알아보았다. 또한 소설이 TV드라마화 되는 과정을 살펴보기 위해 예술성을 검증받은 <신TV문학관>의 <누구에게나 마음속의 강물은 흐른다>와 새로운 시도로 <TV문학관>의 영역을 확장한 <HDTV문학관> <누가 커트코베인을 죽였는가>를 기본 텍스트로 삼았다. 연구과정은 다음과 같이 진행되었다. Ⅱ장에서는 문자매체와 영상매체의 특성과 차이를 설명한다. 보다 효과적인 설명을 위해 문자매체를 소설로, 영상매체를 TV드라마로 제한시켜 각각의 특성과 차이점을 보여주고자 했다. 이어서 소설의 TV드라마로의 매체전환과정을 살펴보며, 소설이 TV드라마로 전환될 수 있는 이유와 두 매체가 공통적으로 가지고 있는 성질이 무엇인가에 대해 알아보았다. Ⅲ장에서는 각색에 대해 심도 있게 알아보고자 각색의 개념과 방법을 비롯해 각색의 원칙과 올바른 각색의 기준에 대해 언급했다. Ⅳ장에서는 올바른 각색 드라마의 표본이라고 생각되는 <TV문학관>에서 두 작품을 선정해 원작과 각색된 텍스트를 비교&#8228;대조한 결과, 소설이 영상화 될 때 스토리의 변경과 인물의 첨가, 다양한 영상기법을 통해 보다 대중적인 작품으로 재탄생된다는 사실을 알게 되었고, 무엇보다 올바른 각색이란 원작의 본질을 흐리지 않는 것이라는 점을 인지했다. 마지막으로 살펴본 것은 소설의 TV드라마화가 낳은 성과인데, 이를 문학의 대중화라는 가치 확산, 문학성과 오락성의 융합효과, 두 매체 간의 제재 확산이라고 정리 할 수 있겠다. 본 연구를 통해 소설과 TV드라마가 시대가 지날수록 더욱 밀접한 관련을 맺고 있으며, 각 매체가 당면한 위기와 단점들을 각각의 요소를 도입함으로 발전했음을 확인했다. 앞으로도 더욱 활발해질 TV드라마와 소설의 ‘공생’과 결합을 주목해야하는 이유가 여기에 있다. Literature and video have carried out exchanges for a long time. It is possible because these two media have a common attribute of 'having a story'. Although it sometimes makes people concern, the combination of these two media has brought the visualization of novel of which achievement can get rid of the concern. Via the visualization of novel, TV drama has achieved its improvement of quality. Although it was recognized as a symbol of vulgar culture in the past, TV drama now secures literary value and artistry by means of its combination with literature. It in turn attracts people's attention to the alienated literature. Like this, the production and consumption of literature of today are more actively carried out via visual media and literature is reborn by means of combining with various media. The purpose of this study was to examine a strategy of symbiosis of novel and TV drama by combining both media's advantage points together. Broadcasting has obligation and responsibility to present highly completed drama in order to enhance people's emotion. In this vein, it seems to be inevitable for broadcasting to dramatize novel to improve the quality of TV drama. This study examined the characteristics of novel and TV drama and looked into the positive effect of the combination of the two media, together with correct dramatization. In addition, in order to examine the course of novel's TV dramatization, the investigator used such basic texts as <New TV Literature>'s <Everyone Has His River in the Heart> of which artistry was verified and <Who Killed Kurt Cobain> of <HDTV Literature> which expanded the sphere of <TV Literature> with a new attempt. Study processes are as follows. In the second chapter, the characteristic and difference of letter media and visual media were examined. In order to explain it more effectively, the investigator limited letter media to novel and visual media to TV drama. And then, the process of novel's conversion into TV drama was looked into, together with the possible reason of novel's conversion into TV drama and the common characteristic of the two media. In the third chapter, in order to examine dramatization intensively, the conception and method of dramatization were examined, together with the principle of dramatization and the standard of correct dramatization. In the fourth chapter, from <TV Literature>, the investigator selected two dramas which were believed to be the model of correctly dramatized drama and then comparatively examined original novel and dramatized text. Study findings show that when a novel is visualized, it is reborn as a more popular form of work via the change of story, the addition of figures and the use of various visual techniques. And correct dramatization refers to not clouding the essence of original work. The achievement of novel's TV dramatization can be classified into the diffusion of literary value, namely popularization, the convergence effect of literary value and entertainment value, and the thematic diffusion between the two media. In this study, the investigator found out the fact that as time went by, the relationship between novel and TV drama became close and the crisis and shortage of each medium were improved with the introduction of the other's advantage points. On account of this, we must pay attention to the active symbiosis and combination of TV drama and novel in the future.

지역 축제 공연 프로그램 개발 가능성 연구 : 금산인삼축제를 중심으로

김은형 한남대학교 지역개발대학원 2001 국내석사

지역축제는 지역의 문화정체성 형성에 중요한 역할을 하는 것으로 지방자치시대 이후 활성화되기 시작하였다. 본 연구에서 사례로 삼은 금산의 인삼 축제도 금산지역의 특산물인 인삼의 이미지를 특성화하여 20여 년간 시행되어 오고 있는 지역축제의 한 유형이라 할 수 있다. 지역축제의 분류유형과 관련해 볼 때, 금산의 인삼 축제는 ‘산업형 문화관광 축제’로 분류될 수 있는데, 축제의 참여주체가 누구인지는 명확하지 않으며 내부인으로서의 지역민보다는 외부인 중심의 지역축제로서의 측면이 강하다고 할 수 있다. 본 연구에서는 그 동안 지역축제에서 오히려 참여주체로서의 그 위치를 확인 받지 못했던 내부자(지역민) 측면에 주목하고자 한다. 이를 위해 금산에서 행해지는 가장 큰 문화행사인 금산인삼축제를 구성하는 다양한 문화프로그램을 그 분석의 대상으로 삼아 다른 지역들과는 차별화 된 금산의 전통과 문화에 기초한 축제 문화행사 프로그램의 대안을 제시해 보고자 하였다. 이와 관련한 논의의 전개로서 먼저 2장에서는 지역축제를 개관함으로써 논의의 기초를 마련하였고, 3장에서는 사례연구로 2000년 금산인삼축제의 현황을 중심으로 지역축제의 특성 및 문제점등을 분석해 보았다. 이러한 연구는 문헌자료와 수 차례의 답사 및 인터뷰, 그리고 VTR 및 인터넷 자료까지 병행하는 방법으로 진행되었다. 마지막 4장에서는 금산인삼축제를 대상으로 지역축제에서의 공연 개발 가능성을 제시해보았다. 여기에서는 무대 공연과 민속 공연, 그리고 전시 및 부대 행사로 나누어 앞으로의 개선 방향에 대하여 공간적 측면과 내용적 측면, 그리고 기술, 재정적 측면을 구체적으로 살펴보고 대표적인 모델을 선택하여 공연 프로그램 개발을 시도 하였다. 프로그램의 개발에서 또한 중요시되어야 할 것은 지역의 고유한 전통과 지리적 특성 및 문화적 요소를 통일된 이미지로 특화하여 축제의 구심점 형성과 차별성을 부각시켜야한다는 점이라고 생각된다. 그리고 이를 지역의 상품화 및 수익사업으로 연결하여 지역경제의 활성화에 기여토록 하고 무대 공연화 함으로써 많은 사람들이 지역의 축제에 공감할 수 있는 프로그램을 구성하는 것이 중요하다. 지역축제에 관해 본고에서 제안해본(금산인삼제를 중심으로) 사항은 다음과 같다. 첫째. 마당극과 전통민속 공연물의 개발을 들 수 있는데, 금산의 경우 ‘강처사 설화 마당극’ 같은 경우 개발의 여지가 아주 많은 작품이라고 보여진다. 강처사 설화에 금산의 구전 전설이나 설화 등의 요소를 더욱 첨가하여 보다 큰 스케일의 뮤지컬(창극)로 발전시키는 방안을 생각해 보았다. 다음으로 농바우 끄시기인데, 이는 전통민속공연으로서 상당히 드라마적인 요소가 많다. 민속놀이로서 그것이 가지고 있는 전설부터가 하나의 드라마이고 또한 그 형식이 퍼포먼스로의 개발 여지를 충분히 가지고 있다 둘째, 그 동안 지역축제의 획일성을 말해주는 대표적인 단서의 하나가 되었던 미인대회를 금산인삼축제의 이미지(일례로 인삼과 관련한 건강이미지)를 차별적으로 부각시킬 수 있는 기준과 쇼의 진행등, 차별화된 전략을 통해 진행하게 되면 금산 인삼아가씨 선발 또한 춘향제와 다름없이 금산인삼축제만의 볼거리와 대표성을 띠게 되리라고 생각한다. 다음으로 대중매체를 통한 축제 및 지역이미지의 지속적인 홍보를 통해 참가자들의 다양성을 유도할 필요가 있다. 더불어 실제 축제 공연프로그램의 수행도 보다 젊은 층(주로 학생층)을 중심으로 운영해 나간다면, 지역역사, 문화와의 밀접한 관련성을 생각할 때 긍정적 효과가 창출되리라 생각된다. 넷째는 축제의 공간, 장소에 관한 중요성의 인식이다. 즉, 공간적으로 특화된 공연물의 개발이 시급하다고 할 수 있는데, 주무대(main stage)뿐만 아니라 다른 공간에서의 공연 이벤트 프로그램, 금산인삼축제 안에서 또 다른 차별화 된 프로그램을 개발하는 것이다. 일례로 ‘금산 보석사에서의 야외 음악회’라는 프로그램 개발의 예를 제시해 보았다. 마지막으로 전통과 현대의 접목으로서의 가치 창조를 들 수 있다. 일례로 전통민속공연인 탑제의 개발 가능성을 들어보았다. 요즘 공연예술계에선 총체극, 또는 종합예술이라는 말들을 많이 사용한다. 왜냐하면 무대공연 작품이 만들어지려면 문학적 요소와 음악, 미술, 무대기술 등의 요소들이 총체적으로 동원되기 때문이다. 탑제는 그것이 시연되는 장소, 참여자, 시간대, 촛불행진, 탑돌이 음악 등 종합적인 축제의 장이 될 가능성을 가지고 있다. 지역축제는 지역민들에게 자신들이 살고 있는 지역에 대한 자부심과 정체성을 갖게 하고, 자신들의 삶의 터전 위에 발전되어 온 문화의 공유를 가능하게 하는 場이기도 하다. 그렇기에 참여자들에게 내면적 감동을 주기 위한 지역만의 차별화 된 프로그램이 있어야 하고, 그것은 지역의 전통, 문화 등의 역사적 측면과 지리 환경적 측면이 함께 고려되어야 할 필요성을 제기하는 것이다. After the implementing of local autonomy system, each local government has performed his own regional cultural festival. Recent researches, mostly, focused on the economic, political effects of regional festivals. So, they have some limitations in examining the implications of regional festivals as a means of the regional identity, cultural politics, etc. In other words, such studies tended to ignore the viewpoint of insiders as an important participants, focusing on the visitors and government officials. But these situations should not be taken for granted like naturalized things. Through this study, I tried to find the relationships between the insiders and regional festivals, not losing the practical effects(economic, political, communicative…) of them. So, firstly, I outlined the general characteristics of the current regional festivals. Then, I interpreted the concrete problems of regional festivals, especially focusing on Geumsan Ginseng Festival 2000 as a case. Through examining the history and present situation of Geumsan Ginseng Festival 2000 and the comparative analysis with other regional festivals, I could identify that it has lots of similarities to other regional festivals: program contents, performance style, the subject of festival. etc. After that, I would like to propose some concrete performing programs related to the indigenous regional history and cultures, and insiders's consciousness. The possible programs I'd like to propose are following, First, I'd like to propose the reconstruction of the indigenous narratives and yard performances related to the regional tradition and culture, focusing on the current flow and consciousness of participants. Second, almost all of regional festivals have their beauty-contest, but their concrete standard for being a festival beauty are not differentiated. So, I think that the meta(general, western) standard in selecting a beauty for representing regional images must be changed, adopting the theme of each festival. Third, through the national-wide and endurable marketing by mass media, we have to supply insiders and visitors with many spectacles and affectionate performances related to regional characteristics. Fourth, we have to recognize the importance of stages and performing places. In other words, regional festivals tend to have their differentiated programs related to special space and place: field, yard, mountains, streams and artificial stages. etc. Festival agents must try to represent the concrete and practical situations through the festival provisions and stage makings. For these purposes and especially the continuous improvements of regional festivals, we need more professional agents than the current preparatory committee. Such professional, I expect, could be able to cut lots of festival costs. Finally, we need to take some qualitative sides of regional festivals into considerations. For that time, many researchers and agents have focused on the quantitative effects of them, for examples economic spreading effects, cultural political strategies. etc. Regional festivals play important roles for constructing self-identification, place(regional)-identity, and reformulating regional traditions and indigenous values. So regional festivals have to find their own traditional (differentiated) values, then reflect their positive heritages on the programs of regional festivals. For such tries could be able to reinforce the regional characteristics and cope with the changing of external worlds(globalization).

음악공연 기획의 경제가치 창출 방안

김철우 한남대학교 사회문화과학대학원 2003 국내석사

Historically, performance art has been developed mainly by a support system. Sponsors observed the performance art which they supported, and felt mental satisfaction. The performance was maintained via their constant help. The type of support includes not only the type of a personal or group but also an individual who bought a ticket. Lovers gain their cultural satisfaction with economic cost, and it means a performance art has the value of goods. The lovers will continue to support it in order to keep up since they think they experience culture more that their economic cost. In other words, A performance provided economic value to performance artists, and it gave audiences cultural satisfaction. This paper observed what producing strategy should be demanded for production of value added with music performance. On economic value and publicity of performance art which was not concerned in traditional economics of the past, a new try of performance planning can be dealt with in the aspect of cultural economics as a new study. Through the recent theory of cultural economics, this paper is about what economic value a performance art has , what 'production-distribution-consumption' structure it contains, and how economic situation influences performance art. It also includes what plan is supposed to be required in order to maximize the value of goods and publicity. The plans in order to increase economic value in music performance via such a research are as follows: First, a bureau of musical circles should acquire professional art managers. The well-organized management and planning of musical circles can be all done by a professional art manager. Wonderful management and planning can not make it under the structure of music organization which an artist and an art manager can not be separated, and it ends up with low quality of performance and music organization which the audience turns away. Secondly, a professional marketing is demanded. The marketing is not to seek for mere profits but to produce value of same products. The marketing faces controversy because of an infringement of the publicity of public art institution and unfair competition with civilian art institution, however the term of marketing should be understood and accepted well in the sense of recent public music organization with the lack of an audience-oriented mind. Thirdly, external programs related to performance should be developed. This is to set up the infra ( So far, only production infra has been considered) for music consumers. The external program might lead to development of audience and the passage to a concert hall, and it will be a program which manages the audience as well. Fourth, a variety of performance forms should be done. The variety of performance forms mean the expansion of performance choice to lovers with many different age. It should go for all people with multi-purpose and get out of a purposeless performance form. Every concert or performance must distinguish the characteristics of performance, and make a main audience class.

뮤지컬에서의 안무가 역할에 관한 연구

정미례 韓南大學校 社會文化大學原 2005 국내석사

현대사회에서 대중을 위한 예술인 뮤지컬은 표현을 목적으로 둔 여러 장르의 예술들이 어우러져 하나의 극적주제를 가지고 각각 그 특성에 따라 미적 세계를 창조하면서 전개되어지는 종합예술이라고 할 수 있다. 이러한 종합예술에는 무용과 음악, 연기 그리고 무대 메카니즘이 포함된다. 그중에서도 무용은 독특한 표현성을 지닌 표현적 신체 언어로서 극 전달에 있어 뮤지컬의 어떤 요소보다도 강력한 전달 매체가 될 수 있으므로 뮤지컬에서 무용의 역할과 기능에 대한 인식은 매우 중요하다고 볼 수 있다. 그러므로 본 연구는 뮤지컬에서 뮤지컬 무용 예술영역의 중요성을 인식시키고 뮤지컬의 발달과정을 통해 안무가들을 연구 분석하여 현재와 미래에 있어서 훌륭한 안무가의 역할을 제시하는데 그 목적이 있다. 이러한 목적을 달성하기 위하여 뮤지컬의 대표적인 안무가 한야 홀롬(Hanya Holm), 제롬 로빈스(Jerome Robbins), 질리안 리(Gillian Lynne), 밥 포세(Bob Fosse)을 대상으로 그들의 안무 성향과 작품을 분석하여 다음과 같은 연구결과를 얻었다. 뮤지컬에 있어서 안무가의 역할은 무용의 극적 기능을 살려 언어의 한계를 극복하고 언어의 영역을 확장하는 일이며, 폭넓은 시야와 독창적인 창의력, 그리고 표현력의 다양성을 통하여 관객과 공감대를 형성할 수 있는 방법을 모색하는 것이라 할 수 있겠다. 따라서 안무가는 무용창작에 필요한 구성요소들을 효과적으로 사용하여 움직임 하나하나에 의미를 부여하여 내용전달에 중점을 두고 작품을 구성해야 한다는 것을 알 수 있다. 또한, 본 논문에서 분석한 안무가들의 대표적인 작품 「My Fair Lady」「West side story」「Cats」「Gambler」에서 안무 전개 방법을 분석한 결과 뮤지컬 안무가는 작품의 성격에 따른 다양한 춤을 만들어 내야하는 풍부한 무용의 이론적 지식과 폭넓은 실전 경험이 필요하다는 것을 알았다. 또한 안무가는 연출의 작품해석력, 음악에 대한 실질적이며 세련된 지식, 다채로운 심미감은 조명과 무대장치의 분위기를 한층 높여주면서 이들의 유기적 결합을 시도하고 의도적인 시각적 효과를 창출해 내야한다. 이렇듯 뮤지컬 안무가의 다양한 역할 수행으로, 뮤지컬에서 무용이 차지하는 작품에 대한 기여도는 매우 중요하며, 이는 현대인들의 다양한 예술적 욕구를 충족시킬 수 있는 독특한 형태로 뮤지컬이 존재해야 하는 결정적 이유가 된다. 이에 여러 예술장르들의 합성체인 뮤지컬이 새로운 양상으로 발전되어지는 과정에서 안무가들의 끊임없는 노력과 참신한 창의력은 종합예술로서의 뮤지컬의 위상을 확고히 하는데 중요한 역할을 하리라 기대해 본다. A musical, which is for the common public people in modern society can be regarded as combined-art. It is combined with various genres of art, those are dancing, acting, music, stage mechanism, etc. Among those, dancing could be very essential part in a musical , for it conveys strong messages not with the language but with the body. This research will emphasize on the importance of dancing in a musical, choreographers are also focused in this research, how they helped to develop the musical and what they are supposed to do for present and future to contribute the advancement of the musical . Hanya Holm, Jerome Robbins, Gillian Lynne, Bob Fosse, model choreographers were closely studied for this purpose, their works and styles. The result is as follows: The musical choreographers should understand the function of dance and try to express what is to be said with body. They need to help the audiences understand what messages the dance tries to express. Therefore, choreographers need to create musical dancing focusing on every movement of the body. The result of close studies on the works of those model choreographers, My Fair Lady, West side story, Cats, Gambler shows that choreographers need to create various dances and to be equipped with theoretical knowledge about dance and actual experiences on stage. They need to translate the works with their own languages, should have enough knowledge about music. Stage setting and illumination could be enhanced when the choreographers have good senses of beauty. It is clear that dances are very important in a musical owing to sincere efforts of the choreographers. The Musical should exist to satisfy various demands for arts of the modern public people. Now I expect choreographers with creativeness, enthusiasm and effort would open a new era to develop the musical.