연극<맥베스-고뇌, 욕망 그리고 거짓말> 제작연구 : 역할 분석과 성격 창조를 중심으로

임재근 중앙대학교 예술대학원 2017 국내석사

본 제작 연구는 중앙대학교 100주년기념관 소극장 축하공연으로 2016년 가을 공연 팀의 기획을 거쳐 2016년 11월 23일 제작 발표된 연극<맥베스-고뇌, 욕망 그리고 거짓말>의 제작연구이다. 본 공연에서 필자는 뱅코우, 해설1, 마녀1, 전의까지 총 4인의 다중배역의 배우로 참여 했다. 본 공연은 윌리엄 셰익스피어 극작한 4대 비극 중 하나인 <맥베스>를 현대적으로 해체하여 고전의 현대화를 이루고자 노력했다. 이번 공연에 배우로 참여한 필자는 연습과정을 거쳐 4인의 인물분석과 성격창조를 하는 것에 목표를 두고 분석단계, 움직임단계, 디테일단계, 마무리단계를 통해 역할을 만들었다. 한 공연에서 여러 명의 인물을 연기하는 것에는 많은 어려운 과정이 있었지만 필자는 모방을 통한 인물의 성격창조라는 통해 본 공연의 인물들을 만들어내기 위한 중요한 과제로 삼았다. 또한 단계별로 연습을 진행하며 드러난 문제점들의 해결방안을 제시하고자 한다. 첫 째로 연극<맥베스-고뇌, 욕망 그리고 거짓말>에 등장하는 인물인 뱅코우, 해설1, 마녀1, 전의의 역할을 모방을 통해 인물의 성격창조를 하는 것이다. 본 연구자는 평소에 매체를 통해 대중들에게 익숙한 유명한 배우들의 특징을 채용하여 필자만의 스타일로 바꾸어 연기 해보는 것에 큰 관심이 있다. 하지만 직접적으로 경험해보지 못한 시대의 고전극에 등장하는 인물을 어떠한 모방을 통해 인물에 채용할 것인지 고민할 요소가 되었고, 모방을 통해 인물을 창조하여 연기에 임할 때 필자 스스로가 어떤 정서를 갖게 되는지가 중요한 과제로 남았다. 두 번째로 본 공연의 연습 진행과정을 네 단계로 거치면서 인물의 성격창조가 되어가는 과정을 명확하게 제시하는 것이다. 본 공연은 원작<맥베스>에서 등장하는 인물을 최소화하여 멀티(다중배역)의 형태로 공연이 진행되기 때문에 빠른 인물변화와 정확하게 구별되는 캐릭터를 요구한다. 네 단계로 연습을 진행하며 각기 다른 인물을 정확하게 나누어 연기를 하는 것이 본 공연에 참여한 필자의 핵심과제로서 여겨진다. 본 제작연구는 2016년 11월 23일 오후 6시 30분 제작발표 된 연극<맥베스-고뇌, 욕망 그리고 거짓말>에서 배우로 참여한 필자의 인물분석과 역할창조에 관한 제작연구로 초기회의부터 연습, 리허설, 최종리허설을 거쳐 제작발표가 막을 내리기까지의 과정을 기술하고 있다. The purpose of this study is to analyse performing <Macbeth-Agony, desire and lies> is congratulatory ceremony for 100 years anniversary of Chung-Ang university in a concert hall on 23rd of November 2016. This research includes a result of performing multiple roles are Banquo, narrator 1, witch 1 and the doctor based on original character. This performance targeted to modernise <Macbeth> which is a tragedy by William Shakespeare. This project used 4 key steps to create and analyse main characters; evaluating characters, focusing on actions, co-ordination and finalisation. Although it needed more attention and understanding of each 4 character, this study focused on creation new character by imitating roles. Our overall approach was to address problems occurred during 4 steps of works and suggest solution for difficulties. First of all, <Macbeth-Agony, desire and lies> is mixed with imitated characters of Banquo, narrator 1, witch 1 and the doctor from ‘Tragedy of Macbeth’ of William Shakespeare. This research coordinated based on the interest of learning and imitating features of well-known actor/actress. By the way, character from classic and traditional play does not allow us to find clear idea and opportunity to understand each character in depth. Second, 4 key stage of work was subject to have distinctive character compared with originals from <Macbeth> of Shakespeare and we considered fast and clear flow of the performance required to show created multiple character. Again, to play multiple character is the key consideration of this performance and the 4 steps. This assessment included progress of directing (character analysis and creation new character), practice, pre/final rehearsal and performance on stage of <Macbeth-Agony, desire and lies> announced on 6.30pm, 23rd of November 2016.

오페라의 극적 효과를 위한 뮤지컬 연기테크닉 활용방안에 대한 연구 : 연기를 중심으로 분석한 나탈리 드세이의 광란의 아리아

조문경 중앙대학교 예술대학원 2018 국내석사

Korean classic music circles have made a variety of attempts to come up to the public according to the stream of present-day performing arts. The objective of this study was to examine one of the attempts, namely opera singer's use of performance techniques and music narrations in musicals, and then look into its application methods. Music performance has more constraints than verbal performance does. There are many requirements for a composer of performance music to bear in mind, such as the stream of music, given lyrics, theme symbols and so on. Therefore, he or she must interpret these requirements appropriately according to scripts and contexts and then apply it to performances. In the second chapter, the developmental backgrounds, vocalization characteristics, music characteristics and performance features of opera and musical were examined and then the difference between opera and musical that making the difference of expressive methods was looked into. A main focus is to accept their fundamental difference and then acknowledge the application of performance techniques must not harm opera's unique characteristics. In the third chapter, opera's needs of performance techniques and methods of its acceptance were looked into. Different from ordinary performers, opera singers must maintain and express bel canto vocalization. In this vein, they must use body parts appropriately in order to concentrate on the optimization of vocalization in performance. But they cannot easily accept this principle. Via interviews with opera directors, opera singer's worries and director's solutions were examined, and then opera singer's use methods of body parts were looked into in order for them to admit their current status and then apply new techniques to performance. Human emotions have effects on physical movements and changes. On the other hand, physical movements and muscle memories can evoke emotions as well. This study used this fact as a method of opera singer's application of musical performance techniques, namely music narrations. Since physical use must be applied precisely according to music streams, scenes and character's dispositions, singers must understand composer's intention of theme symbols correctly through analyzing music scores. In addition, they have to understand the main melody of music as well as the situation, atmosphere and expressive intention of orchestral instruments. Although there are some differences in the application of musical performance techniques according to the differences of characters and contents, this study presented expressive intentions within the scope of ordinary interpretation. In addition, in order to make singers understand expressive intentions as an art of narrations, this study examined the use method of pseudo language, a means of non-verbal communication. In the fourth chapter, Robert Plutchik's classification of human basic emotions was looked into, together with the change of physical response, the change of breathing, and behavioral modality, in relation to human basic emotions. And then the method of application of Scott McCloud's classification of six emotions and its facial expression changes to music was presented. These techniques were to train physical use diversely and express emotions appropriately, thus providing help to concentration on the manifestation of emotions and construction of characters. The application of performance techniques to opera was analyzed focusing on "mad scene" of Lucia di Lammermoor, performed by soprano Natalie Dessay. It is necessary to remind people of opera being a performance which delivers beautiful music as well as drama. In this regard, it is necessary to approach opera as a character. Since the public and opera circles already require performance ability from opera singers, opera singers must accept music performance positively and cultivate related skills. 우리나라 클래식 음악계에서는 현대 공연예술의 흐름에 맞추어 대중들에게 다가갈 수 있도록 여러 가지 시도를 하고 있다. 여러 가지 시도 중 오페라 가수가 할 수 있는 연기테크닉, 음악적 화술을 사용하는 방안을 뮤지컬에서 살펴보고 그것을 적용하는 방법에 대해 이야기 한다. 음악 안에서 연기를 하는 것은 대사로만 이루어진 연기를 할 때보다 자유롭지 못한 것이 사실이다. 음악의 흐름과 주어진 가사, 악상기호 등 지켜야 할 작곡가의 요구사항이 있는데 그것을 대본과 전후 상황에 맞추어 해석하고 연기로 적용할 수 있도록 하는 것이 목표이다. Ⅱ장에서는 오페라와 뮤지컬의 발달 배경과 발성의 특징, 음악적 특징, 연기적 특징에 대해 알아보고 어떠한 차이로 인해 표현방식이 달리 발전하였는지 알아본다. 근본적으로 차이가 있음을 인정하고 오페라의 고유한 특성을 해치지 않는 범위에서 연기테크닉을 적용할 수 있어야 한다는 것을 인지하는 것을 중점으로 두고 있다. Ⅲ장에서는 오페라에서 연기테크닉이 필요한 이유와 그것을 수용하는 방법을 제시한다. 오페라 가수는 일반적인 연기자와 다르게 벨칸토 발성을 유지하면서 표현해야 하는 어려움이 있다. 그렇기 때문에 신체의 운용을 발성에 최적화하도록 집중하는데 연기를 위해 자유롭게 신체를 사용한다는 것은 이들이 쉽게 받아들이기 어려운 부분이다. 오페라 연출가의 인터뷰를 통해 현실적으로 겪고 있는 오페라 가수들의 고민과 연출자의 해결방법에 대해 이야기해 보고 이것을 참고로 이러한 오페라 가수의 상황을 받아들이고 연기를 위한 신체의 사용법을 제시한다. 인간은 감정에 의해 신체가 움직이고 변화하지만 반대로 신체의 움직임과 근육 기억에 따라 감정을 불러일으킬 수도 있다. 이러한 점을 오페라 가수가 뮤지컬의 연기테크닉, 즉 음악적 화술을 적용하는 방법으로 사용했다. 이 신체의 사용은 음악의 흐름과 장면, 캐릭터의 성격에 따라 세밀하게 적용되어야 하므로 악보의 분석에서 작곡가가 기보해 놓은 악상기호들의 의도를 정확하게 파악 할 수 있어야 한다. 그리고 노래하는 주선율 뿐 아니라 오케스트라의 악기에서 나타낼 수 있는 상황이나 분위기, 표현 의도를 알아야 한다. 다양한 캐릭터와 작품의 내용에 따라 약간의 차이는 있지만 통상적으로 해석할 수 있는 범위에서 표현 의도를 제시한다. 그리고 그 표현 의도를 화술 적으로 이해할 수 있도록 비언어적 의사소통 중 유사언어의 활용방안에 대해 정리하였다. Ⅳ장에서는 로버트 플루칙(Robert Plutchik)이 분류한 인간의 기본 감정을 알아보고 그에 따른 신체 반응의 변화와 호흡 상태의 변화, 행동 양상을 알아본다. 그리고 스캇 맥클라우드(Scott McCloud)가 정리한 인간의 6가지 감정과 그에 의한 표정 변화를 음악 안에서 적용할 수 있는 방법을 제시한다. 감정을 표출할 수 있도록 신체의 사용을 다양하게 훈련시키고 그 뒤에 발현되는 감정에 집중하여 캐릭터 구축에 도움이 되도록 한다. 이러한 방법을 소프라노 나탈리 드세이가 출연한 오페라 람메르무어의 루치아 중 광란의 아리아를 참고로 오페라에서 연기테크닉을 어떻게 적용하였는지 분석한다. 오페라도 분명히 극을 전달하는 공연이라는 것을 상기시키고 아름다운 음악만을 전달하는 것이 아닌 캐릭터로서의 접근이 필요하다는 것을 받아들여야 한다. 이미 대중들과 오페라 관계자들은 오페라 가수의 연기력을 요구하고 있음을 알고 음악연기를 적극적으로 수용할 수 있도록 훈련해야 한다.

연극학과 방학기간 워크숍의 교육적 효용 연구 : 극동대학교 연극연기학과의 사례를 중심으로

한지철 극동대학교 2019 국내석사

국문초록 연극학과 방학기간 워크숍의 교육적 효용 연구 <극동대학교 연극연기학과의 사례를 중심으로> 한 지 철 극동대학교 일반대학원 공연영상학과 연기전공 한국 대부분의 연극 관련학과의 커리큘럼은 실기보다는 이론에 치중되어 구성되어 있으며 이러한 점은 개선되어야 할 것으로 인 식되고 있다. 극동대학교 연극연기학과는 실기 중심으로 운영되고 있는 학교 중 하나이다. 본 연구자는 극동대학교가 실기 중심 학 교로서 단기간에 발전하게 된 것은 방학 기간에 진행되는 워크숍 의 영향이 컸다고 판단하였다. 본 연구는 극동대학교 방학기간 워 크숍의 세부 운영 방법 및 교육효과에 대한 연구를 통하여 보다 좋은 시스템으로 발전시키기 위한 개선 방안을 제안하는 것에 그 목적이 있다. 이를 위하여 본 연구에서는 극동대학교 연극연기학과 방학 워크 숍에 대하여 참여 학생들과 미참여 학생들에게 설문조사(양적조사, 질적조사)를 진행하여 방학 워크숍의 실직적인 효과와 개선 방향 을 살펴봤다. 또한 오랜 시간 방학 워크숍을 진행한 교육자들과 심층 인터뷰를 진행함으로써 교육효과, 교육동기, 개선방향 및 발 전방향에 대해서도 살펴봤다. 객관적 분석을 위하여 국내의 31개 연극 관련학과와 국외 3학교 의 방학 기간 프로그램의 운영여부, 운영방법, 교육목표 등을 조사 하여 극동대학교 연극연기학과 방학 워크숍과 비교연구를 진행하 였다. 전술한 것처럼 교육자와 피교육자를 분리하여 진행한 대내적인 연구와 국내 및 국위 대학을 대상으로 한 대외적인 비교연구를 통 하여 극동대학교 연극연기학과 방학 워크숍의 발전을 위한 개선방 안을 도출 할 수 있었다. 첫째, 기예수업과 공연 제작의 연계성을 강화하는 것이 필요하다. 둘째, 개강 이후 정규 학사과정에 영향을 끼치지 않도록 공연 시 기의 조정이 필요하다. 셋째, 창작프로젝트의 전문화가 필요하다. 한국의 대학 입학 지원자 수가 지속적으로 감소하고 있지만 한 국영화와 드라마가 전 세계적으로 큰 인기를 끌고 있다는 점에서, 연극 관련학과 지원자가 큰 폭으로 줄어들지는 않을 것이며, 현장 에서도 더욱 잘 훈련 받은 졸업생을 필요로 하게 될 것이라고 본 다. 이러한 흐름 속에서 실기 중심으로 방학 프로그램을 진행할 경우 교육 목표를 설정하고 운영방식을 설계하며 예상되는 문제점 을 미리 파악하고자 하는 사람들에게 본 연구가 실무적인 기초자 료로서 역할을 하게 될 것이라고 본다. 또한 본 연구가 한국의 연 극학과가 내실을 기하고 발전하는 데에 도움이 되기를 바란다.

한국 전통연희 요소를 활용한 셰익스피어 극의 공연 사례 연구 : 극단 해보마의 <두드려라, 맥베스> 공연분석을 중심으로

이기복 극동대학교 일반대학원 2019 국내석사

국문 초록 한국 전통연희 요소를 활용한 셰익스피어 극의 공연 사례 연구 –극단 해보마의 <두드려라, 맥베스> 공연분석을 중심으로 이 기 복 극동대학교 일반대학원 공연영상학과 연기전공 본 논문은 연구자가 활동하고 있는 극단 해보마의 작품인 <두드려라, 맥베스>의 분석을 통한 셰익스피어 극의 전통연희 활용과 공연방식 연 구이며, 한국 전통을 통해 우리극 또는 한국적 공연을 찾기 위한 작업이 라고 볼 수 있다. 위 작품은 2012년 초연으로부터 현재까지 지속해서 공 연되고 있는 셰익스피어 극으로서 한국 전통연희를 적극적으로 활용하여 한국적 공연으로의 발전을 이룩하였다. 하지만 긴 기간 동안 한 작품을 공연하며 시대와 관객의 코드가 변화함에 따라 매 순간 충돌을 겪었으 며, 작품의 훼손 그리고 해체와 파기 등의 과정을 겪으며 위에서 제시한 문제점들의 중심에 들어가게 된다. 그럼에도 불구하고 <두드려라, 맥베 스>는 2019년에도 관객과 만나고 있으며 지속해서 재구성 작업을 진행 중이다. 본 논문에서는 <두드려라, 맥베스>의 공연분석과 변천 과정을 살펴보 며 셰익스피어 극의 작품 수용과 해체, 변형의 과정과 그것의 세부적인 방안으로 한국 전통연희를 어떻게 투입하였는지 살펴보았다. <두드려라, 맥베스>는 원작 <맥베스>의 중심 주제를 ‘욕망’으로 설정하여 그것을 다양한 한국 전통연희로 표현하여 한국철학과 정서를 투입한 퍼포먼스 극으로 구축했으며, 타악을 중심 주제와 연계하여 극의 중심 연행으로 활용했다. 원작 플롯을 완전히 해체하여 새로운 스타일로 탈구축한 이 극은 기존의 셰익스피어 극의 관습적 무대와는 다른 무대를 창출했으며, 원전을 동양화했다는 의미를 가진다. <두드려라, 맥베스>에서 활용된 한 국 전통연희, 노래와 춤은 정확하게 한국 전통의 특정 기술이거나 한국 적인 고유의 정서를 대표한다고 할 수는 없다. 하지만 한국 전통연희를 활용하여 표현한 장면 분석을 통해 첫 번째로 원작의 의미에 충실했다는 점을 알 수 있으며, 두 번째로 한국의 전통과 동시대성을 나름의 시각으 로 변용한 독자적인 결과물이라는 것이다. 극단 해보마의 작업은 결과적 으로 한국의 전통에 의존하고자 하지 않았으며, 동양적인 사유 안에서 연극을 이해하고, 한국의 대표 연출가들이 끊임없이 시도해 왔던, 서구 실험연극의 연극성을 찾고자 하는 흐름을 같이 했다고 할 수 있다. 전통은 연극을 포함한 다양한 문화계에서도 빠질 수 없는 중요한 논제 이다. 2012년부터 시작된 <두드려라, 맥베스> 공연이 현재까지 지속하여 올 수 있었던 실현 과정에서 전통의 재창조와 인식은 매 순간 변화하는 시대와 관객과의 교류를 통해 필수적이었다. 전통은 살아있는 생명체이 며, 끊임없이 변화하는 성격을 지녔다. <두드려라, 맥베스>를 분석하는 과정은 위와 같은 전통의 속성을 중심으로 이루어질 것이며, 그것은 단 순한 공연분석과 소개를 넘어 한국 전통과 한국적 공연에 대한 지향점에 대해서 의의를 가질 수 있다.

샌포드 마이즈너의 메소드를 활용한 인물구축 방법에 관한 연구 : 연극 '이 생을 다시 한 번'의 조은태역을 중심으로

봉다룬 중앙대학교 예술대학원 2020 국내석사

본 연구는 샌포드 마이즈너의 메소드를 활용하여 공연에 실제 적용하고, 응용하는 데에 그 목적을 둔다. 세계적으로 연기의 접근 방법이 연극을 비롯한 영상 매체에까지 사실적인 연기를 지향해 나가고 있다. 하지만 국내에 소개된 단행본과 논문 및 학술자료들을 살펴보면, 사실적인 연기 훈련법에 대한 소개나 자료들이 한정적이다. 배우들의 신체 조건과 외모, 성격이나 정서가 각각 다르기 때문에, 자신에게 맞는 연기술을 찾는 것도 다양한 방법으로 진행 되어야 한다. 연구자는 본 논고에서 연기술의 선택에 대한 다양성을 위하여 마이즈너 테크닉을 소개하고, 활용방법을 재고해 보면서 배우들이나 연기 지도자들에게 사실적인 연기를 접근하는 방법의 체계성을 제시하고자 하였다. Ⅰ장에서는 연구를 시작하게 된 이유와 목표가 기록되어 있다. 다양한 연기훈련법 중 마이즈너 테크닉을 선택한 계기를 구체적으로 설명하였다. Ⅱ장은 마이즈너 테크닉의 형성과정을 연구하고, 그 과정에서 만들어진 훈련 방법을 1년차와 2년차로 나누어 설명 하였다. 또한 이렇게 형성된 마이즈너 테크닉을 어떤 방법으로 연구할 것인지 제안해 보았다. Ⅲ장에서 본격적으로 마이즈너 테크닉을 활용하게 된다. 그의 훈련 방법을 실제 공연에 적용하게 될 작품의 소개와 분석이 이루어지고, ‘정서적 준비’를 활용하여 연구의 기반을 다진다. 그 다음으로 마이즈너 테크닉을 실제 적용하여 인물구축 과정이 진행되고, 훈련 방법을 응용하여, 배우와 배우간의 ‘교류’뿐만이 아니라 사물과 시각, 청각 등을 활용하여 ‘충동’의 범주를 확장 시켜 연구 하였다. 마지막으로 Ⅳ장에서는 연구 결과와 훈련 방법의 발전 방안에 대하여 재고해 보았다. 필자는 본 연구를 통해 국내에도 마이즈너 테크닉이 다양한 방법으로 연구되어지길 바라며, 연기를 가르치는 지도자들과 배우들에게 체계적인 훈련 방법의 중요성을 상기 시키고자 노력 하였다. 본 논고에서 다룬 한 번의 공연 결과로 마이즈너 테크닉의 우수성을 인지시키기 어렵지만 훈련 과정이 유쾌하였고, 기존의 필자가 진행해온 공연 중에 가장 체계적으로 연습이 진행되어 졌음을 재고할 수 있었다. 뿐만 아니라 연구자가 한국연극연출가협회에서 ‘우수 연기상’을 받게 되는 결과를 가져왔다. 또한 평론가와 관객들도 좋은 반응을 보여 주었다. 본 논고의 연구 과정과 결과는 마이즈너 테크닉의 실제 적용사례 중, 국내에서 처음으로 시도한 연극의 훈련 모형이다. 샌포드 마이즈너의 연기술은 국내에 보편적으로 소개되고, 연구 되어지는 훈련방법이 아니지만 본 논고를 계기로 마이즈너 테크닉을 활용한 연구가 다양하게 진행되어지길 희망한다. The objective of this study was to practically use and apply Sanford Meisner’s method to performances. The global trend of approach to play and visual media focuses on realistic acting. However, books, dissertations and academic materials introduced in Korea have not fully introduced the training techniques of realistic acting. Because performer’s physical conditions, looks, personalities and emotions are different, everyone has to seek out his or her appropriate acting techniques in various ways. In order to provide diverse options of selection of acting techniques to performers or acting trainers, the author introduced Meisner technique in this study and then examined its use methods, thus presenting a systematic approach method to realistic acting. In the first chapter, the reason and goal of this study were described. The cause of selection of Meisner technique among diverse training techniques of acting was explained in–detail. In the second chapter, the establishment process of Meisner technique was looked into and the training techniques of acting, worked out in the process of establishment of Meisner technique, were explained by classifying it into the first-year and the second-year. And then the method of study on Meisner technique was proposed. In the third chapter, Meisner technique was fully utilized. Works to which Meisner technique of training would be applied actually were introduced and analyzed, and by using ‘emotional preparation’ the base of this study was established. And then by practically applying Meisner technique, the process of character creation was carried out and by making the most of his training techniques of acting, namely exchanges among performers as well as the use of visual/auditory senses and things, the scope of ‘impulse’ was extended. And in the fourth chapter, study findings were reviewed and the developmental plan of training techniques was examined. In this study, the author wanted Meisner technique to be diversely researched domestically and tried to remind acting trainers and performers of the importance of systematic training methods. Although with only the result of one-time performance dealt in this study, it was difficult to make people recognize the excellence of Meisner technique, the course of training was pleasant, and the most systematical training among performances, carried out by the author. was achieved. As a result, the author received the Excellent Direction Award from the Korea Directors Association. In addition, the response of critics and audience was also good. The process and result of this study on the actual application of Meisner technique were the first domestic training model of play. Sanford Meisner’s method of acting is not a training method which has been fully introduced in Korea and researched frequently for the present, but the author hopes studies which make the most of Meisner technique will be conducted diversely in Korea based on this study’s findings.

영화연기에서 즉흥연기 활용의 유용성 연구 : 스타니슬랍스키의 에쮸드(Etude) 활용을 중심으로

양은혜 중앙대학교 예술대학원 2021 국내석사

본 연구는 배우가 영화연기에서 즉흥연기를 활용할 때 얻는 유용성에 관한 것이다. 배우의 연기에 대해 이 연구에서는 ‘단순히 대본을 재현하는 것’이 아닌 ‘예술로써 창조하는 것’임을 전제조건으로 한다. 영화 현장은 기술의 발달과 함께 현재도 계속해서 변화하고 있다. 배우가 영화연기를 하기 위해서는 동시대 영화의 매체적 특성을 이해하는 것은 필수 조건이며 이에 맞는 연기법을 찾는 것도 중요한 일이라고 할 수 있다. 본 연구는 영화연기의 메소드로 고전 연기 이론인 스타니슬랍스키의 에쮸드를 적용해 연기할 것을 제안한다. 현재의 상업 영화, TV 드라마 현장은 배우의 연기에 ‘즉흥성’을 요구한다. 경제적 논리에 의해 흘러가는 현장은 시간에 쫓기는 일이 많으며 언제나 변수가 많다. 사전에 정해졌던 일들이 촬영 당일 현장에서 바뀌는 일도 그만큼 흔하다. 그렇기에 영화배우는 사실상 언제나 즉흥연기를 할 준비가 되어있어야 하는 것이다. 배우가 사전에 여러 가지 에쮸드를 수행하며 촬영을 위한 연기를 준비한다면 현장에서 즉흥연기를 할 때도 그 효과를 기대할 수 있다. 에쮸드는 ‘잘 짜인 즉흥극’으로써 시나리오의 주어진 상황을 가지고 연기하되 연기의 순간에는 자유롭게 즉흥성을 가지고 연기할 수 있는 연기법이기 때문이다. 에쮸드는 일반적인 즉흥연기와는 달리 배우에게 철저한 사전 준비를 요구한다. 동시에 일단 극이 시작되면 즉발적인 반응으로 연기해야 한다. 배우의 지성과 감성을 모두 사용해서 연기하는 방법인 것이다. 배우가 영화연기에서 에쮸드를 활용했을 때 가지는 이점은 크게 여섯 가지로 정리해볼 수 있다. 먼저 불연속적 촬영에서 논리적 일관성을 가지고 연기할 수 있게 된다는 점이다. 둘째로 ‘주의 집중’을 통해 카메라에 대한 긴장을 최소화할 수 있는 점을 들 수 있다. 셋째로 현장의 특성상 리허설을 하지 못하는 경우에도 촬영에 빠른 몰입을 가능하게 한다는 점이다. 넷째로 전체 맥락을 벗어나지 않으면서도 효과적인 애드리브의 발생을 기대할 수 있다는 점이다. 다섯째로 감독의 디렉션에 빠르고 유연하게 반응할 수 있게 된다는 점을 꼽을 수 있다. 마지막으로 비언어 에쮸드 훈련을 통해 지문만 있는 대본을 연기할 때도 어려움 없이 연기하며 미장센을 구축할 수 있게 된다는 점이 있다. 배우는 다양한 스타일의 영화연기를 위해 끊임없이 공부하고 훈련하며 적용할 수 있어야 할 것이다. 본 연구가 현장에서 영화연기를 하는 배우에게 유용한 제안이 되기를 기대해본다. This study is about the usefulness of improvisation when an actor acts in films. The study presupposes that the actor does not simply reproduce the script but creates art out of it. The film production environment has been transforming as the production technology continuously evolved. To properly perform in this ever-changing environment, an actor needs to understand the characteristics of contemporary film production and find the most suitable acting methods. For this, the study recommends applying the classic theory of Stanislavski’s Etude as the primary film acting technique. Nowadays, improvisatory acting skill is highly demanded, especially when shooting commercial films or television series. At production sites, there is a daily pressure on completing scheduled shooting within budget and on time, and unexpected changes to the pre-set often arise on the day of filming. The actor should be prepared to show his/her improvisation skills to quickly respond to such variables and time pressures on set. Practicing various techniques from Etude before shooting can be effective because Etude takes a “well-organized improvisation” approach. It lets the actor perform freely under the given scenario. Unlike general improvisation, Etude requires a thorough preparation from the actor because he/she is expected to act and respond immediately by using both intelligence and sensibility as soon as the play begins. There are six advantages to applying Etude in film acting: 1. Etude enables an actor to act with logical consistency in the nonchronological filming process. 2. Etude helps him/her to focus and reduces the anxiety and tension of being surrounded by cameras. 3. Etude allows him/her to immerse fully and rapidly into filming even when rehearsals are not possible. 4. The actor can bring out effective ad-libs without being out of context. 5. The actor can respond quickly and effectively to the wide range of requests from the director. 6. The Silent Etude technique will help him/her perform well even when there are no lines but only continuity directions, supporting effective mise-en-scène making. Actors need to constantly study, train, and apply different acting techniques in diverse film and filming environments. This study will provide practical recommendations that would be useful for film actors.

아나운서를 위한 연기훈련 필요성에 관한 연구

염지혜 중앙대학교 예술대학원 2017 국내석사

This thesis is about a study on the necessity of acting training for announcers. As a result of media developments in the modern society, such as licensing of cable broadcasting, broadcast entry of comprehensive programming channels, emergence of multi-media and multi-channels including internet broadcasting, announcers are having to face demands for various role changes. Announcers not only hold roles as traditional anchors, but they are also demanded for various roles in various genres such as variety, culture and entertainment, but the reality is that there are lack of education and training for announcers that meet these changes in times. This study started from the awareness of the problem that new education and training programs for announcers in line with the changes in times are needed. Therefore this study discusses acting training as a method to foster the qualities as an announcer and seek the necessary qualities of an announcer who are fit for current times. With this in mind, this study grasps the current situation of training announcers and aspiring announcers, analyzes various acting training for actors and explains the training methods considered to be effective in the work of an announcer. Specifically, this study is consisted of five chapters. The contents of each chapter are as the following. The first chapter explains the purpose and methods of this study. In the second chapter, the definition, qualifications, functions, and roles of announcers are explained as well as the changes in the roles of an announcer in accordance with the changes in times. The third chapter intends to discuss the necessity of acting training for announcers. First, in order to research the current status of acting training for announcers, this study examines the training situations by categorizing the process into the preparation stage and post-acceptance stage, and points out what the problems are. The fourth stage explains the acting training needed for announcers. The explanation divides TV genre based on a three-way classification into new programs, educational programs, and entertainment programs and discusses how acting training is needed focused on an announcer’s qualities such as language expressions, emotional expressions, and improvising skills, etc. This chapter describes the effects of acting training on the breathing, sound, and language of an announcer, and allows the establishment of a creative state of mind that leads to the memory of the five senses and emotional memory, as well as imagination and concentration. Also, this chapter explains effective ways of relaxing the body, and presents ways to flexibly deal with unexpected incidents that may occur during a live program through improvising situations training and improvising speech practices.. And in the fifth chapter, the contents of application of this study's training of acting to announcers were organized and conclusion was drawn out. In addition, the achievement and limitation of this study were presented. The author conducted this study by analyzing preceding studies on the job of announcers, utilizing the author's firsthand experience of acting in plays, of playing the role of a performer and an announcer at university, and of training would-be performers and announcers, and hearing the appealing voice of difficulties in fields. The author expects this study's various training techniques of acting will provide help to would-be announcers in their preparation for the examination of open recruitment and adaptation to the broadcasting activities after passing the examination, and to announcers in their cultivation of needed qualifications which are required by the times. 본 논문은 아나운서를 위한 연기훈련의 필요성에 관한 연구이다. 케이블 방송의 인․허가, 종합편성채널의 방송 진입, 인터넷방송 등 다매체·다채널의 출현을 비롯한 현대사회의 미디어 발달로 아나운서들은 다양한 역할 변화를 요구하는 상황에 직면했다. 아나운서들은 전통적인 앵커 역할 뿐만 아니라 예능, 교양, 오락 등 다양한 장르에서 다양한 역할을 요구받고 있지만, 이러한 시대적 변화에 맞는 아나운서 교육이나 훈련법은 부족한 현실이다. 본 연구는 아나운서들에게 위와 같은 변화된 시대상에 맞는 새로운 교육법이나 훈련법이 절실하다는 문제의식에서 출발하였다. 따라서 본 연구에서는 아나운서의 자질을 함양하고 현시대에 맞는 아나운서의 자질을 모색하기 위한 한 방법으로 연기훈련법 적용을 논하였다. 그 전제로 먼저 아나운서와 그 지망생들의 훈련 실태를 파악하고 연기자들의 다양한 연기훈련법을 분석하였다. 이를 바탕으로 아나운서의 업무에 효과적이라고 판단되는 훈련법들을 설명하고 예상되는 효과에 대해 설명하였다. 구체적으로 본 논문은 크게 다섯 장으로 구성되어있다. 각 장의 구성은 아래와 같다. 1장에서는 본 연구의 목적과 방법 등에 대해 설명하였다. 2장에서는 아나운서의 정의와 자격, 기능, 역할에 대해 설명하고 시대의 변화에 따른 아나운서의 역할 변화에 대해 설명하였다. 3장에서는 아나운서의 연기훈련의 필요성에 대해 논하였다. 먼저 아나운서의 훈련 현황을 살펴보기 위해 아나운서 준비 단계와 시험 합격 후 두 단계로 구분하여 훈련 현황을 살펴보고 문제점은 무엇인지 짚어보았다. 4장에서는 아나운서에게 필요한 연기훈련을 설명하였다. 프로그램 삼분법을 기준으로 보도 프로그램, 교양 프로그램, 오락 프로그램으로 TV장르를 구분하여 설명하였고, 아나운서의 자질 중 언어표현력, 감정표현력, 즉흥력 등을 중심으로 연기훈련이 어떻게 필요한지 설명하였다. 아나운서의 호흡과 소리, 언어의 연기에 연기훈련이 어떤 영향을 미치는지 서술하고, 오감의 기억과 정서기억, 상상력과 집중력으로 이어지는 창조적인 심상의 구축을 가능하게 하였다. 또한 신체를 이완하는 효과적인 방법들을 설명하고 즉흥 상황 훈련과 즉흥 대사 연습을 통해 아나운서들이 생방송 프로그램을 진행할 때 생길 수 있는 돌발 상황에도 유연하게 대처 할 수 있는 방법들을 제시하였다. 이를 바탕으로, 5장에서는 본 논문에서 제시한 연기훈련법의 아나운서에 적용에 대한 내용들을 정리하여 결론을 내리고, 그 성과와 한계점을 밝혔다. 본 연구자는 연기훈련법과 아나운서 업무에 대한 선행 연구 자료들을 분석하고 연극과 학사시절, 배우와 아나운서로서의 현장경험, 배우지망생들과 아나운서 지망생들을 훈련시킨 지도자로서의 경험, 그리고 어려움을 호소하는 현장의 목소리를 토대로 연구를 진행하였다. 본 연구의 다양한 연기훈련법들이 실제 활용됨으로써 아나운서 지망생들에게는 공채시험 준비 및 방송활동 적응에 도움을 주고, 기존 아나운서들에게는 현 시대가 요구하는 아나운서로서의 자질을 함양하는데 기여하리라 기대해 본다.

현대 영상기술에 의한 무대 공간의 시공간 확장성 연구 : <K-live X>, <청춘, 그 빛나는 김광석>, <북극곰 댄>, <백야(白夜)> 공연 중심으로

강성휘 중앙대학교 예술대학원 2020 국내석사

드라마와 영화와는 다르게 연극이나 뮤지컬, 무용과 같은 공연예술에서는 러닝타임(running time)이라는 시간상의 제약과 제한된 무대(stage)라는 공간의 제약을 갖고 있다. 무대 위의 시공간을 표현하는 도구로써 영상기술의 활용은 단순한 시공간 표현을 넘어 시공간을 왜곡하고 파괴하는 확장 단계까지 도달하게 되었다. 그리고 컴퓨터 그래픽 기술의 발전은 영상을 활용하여 무한한 표현을 할 수 있게 만들어 주었다. 이로 인하여 기존에 상상으로만 가능했던 세계관을 다양한 방법으로 표현할 수 있게 되었고, 결과적으로 무대예술을 통해 가상과 현실 세계의 자유로운 이동이 가능해졌으며, 시간을 뛰어넘어 과거와 미래의 세계를 표현하는 것 또한 가능하게 되었다. 이에 공연예술에 적용한 영상기술들을 분석하고 국내에서의 공연사례를 분석하여 시공간의 확장 및 재구성의 관점을 볼 수 있었다. 그리고 미디어 매체에 적응된 관객들은 다양한 영상기술로 만들어진 공연을 거부감 없이 받아들이게 되었고 감각적으로 반응하게 되었다. 이러한 변화는 기존 공연예술과는 다르게 시각적 이미지들을 만들어냈으며, 공연을 표현하면서 새로운 커뮤니케이션 방법을 제시할 수 있게 되었다. 따라서 현대 영상기술에 의한 무대 공간의 시공간 확장성 연구에 대하여 국내 작품을 중심으로 사례분석을 하였고, 시공간의 확장 및 창출과 이로 인한 공연예술의 전망성과 한계성을 볼 수 있었다. 마지막으로 공연예술에 생산성(productivity)’, 경쟁성(competition)’, 혁신성(niche creation)’을 연구함으로써 독립적인 예술문화를 정착하여 지속적이고 꾸준한 성장을 할 수 있음을 볼 수 있었다. 본 연구가는 영상기술을 활용한 공연무대 미학에 대하여 논하는 데 있음에 비추어, 앞으로 더욱 기술적이고 창의적인 공연예술의 발전으로 관련학과 학생들과 관련 업계 사람들 또는 연구자들에게 다시 새롭게 인식하는 자료로 제공하는데, 그 목적을 두었다. 기존의 자료를 통해 이제 홀로그램과 프로젝션 맵핑의 기술력을 새로운 무대예술의 기술적 매체로 체험이 가능해졌다. 그리고 이와 관련된 법 제정과 기술적 발전 등을 살린다면 서로 시너지 효과를 낼 수 있을 것이다. 이는 관련학과 및 실수요를 통해 무대의 디자인 작업 과정에서 흥미와 다양한 창의성을 유발함으로써 관련 분야에 대한 활성화 또한 기대한다. Unlike drama & movie, performance art such as play, musical & dance is subject to restriction of time called running time and restriction of space called limited stage. As the tool expressing time & space on the stage, the utilization of image technology reaches the expansion step which perverts & destroys time & space transcending simple time & space expression. The development of computer graphic technology utilizes image and realizes unlimited expression. As a result, the view of the world which could be only imagined in the past can be expressed in diverse methods, thereby realizing free movement between imaginary & real world through stage art and expressing past & future world transcending time. Thus, the expansion of time & space and viewpoint of reconstitution could be seen by analyzing image technology applied to performance art and cases of domestic performance. Spectators adapted to media medium came to accept performance made with diverse image technologies without rejection and react sensorially. Unlike the existing performance art, such change produced visual images and became able to present new communication method, expressing performance. Thus, cases were analyzed mainly about domestic works concerning study on expansibility of time & space of stage by modern image technology. Accordingly, the expansion and creation of time & space and prospect & limit of its performance art could be seen. Finally, it was found that independent art culture could be settled to steadily and constantly grow by studying productivity, competition and niche creation of performance art. This researcher intends to provide students of related department & people or researchers of related business with newly recognized materials thanks to the development of more technical & creative performance art in discussing the expansibility of time & space of stage, utilizing modern image technology. Thanks to the existing materials, the technology of hologram & projection mapping can be experienced with technical medium of new performance art. If legal enactment & technical development related to them is enlivened, mutual synergy effect can be realized. Since it can cause interest and diverse creativity in design work process of stage through relevant department & actual demand, the activation of relevant area is also expected.

배우의 사실성(Actor’s Reality)과 매체 연기 : 아메리칸 액팅 메소드 대표 3인을 중심으로

서정욱 중앙대학교 예술대학원 2023 국내석사

본 연구는 ‘매체 연기’를 함에 있어 ‘배우의 사실성’을 아메리칸 액팅 메소드 대표 3인을 중심으로 추적 및 연구하는데 의의가 있다. 이를 위해 본고는 우선 매체 중에서도 영화를 중심으로 무성영화 시대부터 유성영화 시대까지의 매체의 진화와 사실주의 연기가 발달하게 된 계기를 살펴보았다. 또한 ‘매체 연기’의 기반이 되었던 아메리칸 래버러토리 씨어터, 그룹 씨어터, 액터스 스튜디오의 역사적 배경에 대해 살펴보았다. 그리고 ‘매체 연기’를 하는데 있어 ‘배우의 사실성’을 가지고 존재하고자 하는 것이 주된 목적인데 아메리칸 액팅 메소드의 대표 3인의 각각의 ‘메소드’와 ‘주요 훈련’에 대해 고찰하였다. 리 스트라스버그는 ‘배우의 사실성’은 ‘심리적’ 메소드인 이완과 집중을 통한 정서기억에 있다고 보았다. 이는 매체의 특성인 비순차적인 촬영과 인물의 정서를 진실하게 보여줄 수 있는 클로즈업 샷에 유용하다. 스텔라 애들러는 스타니슬라브스키의 후기이론의 영향을 받아 ‘사회학적’ 메소드인 주어진 상황과 배우의 상상력 그리고 신체 행동이 예술의 진실 즉 배우의 진실이라고 했다. 이는 셔레이드 샷을 통해 인물의 사상과 심상을 전달하여 인물 창조하는데 도움이 된다. 샌포드 마이즈너는 ‘배우의 사실성’을 ‘행동학적’ 메소드인 행위의 사실성을 바탕으로 한 상대방과의 교감에 있다고 보았다. 이는 상대방에게 진실하게 반응함으로써 리액션 샷에서 그 위력을 발휘할 수 있다. 카메라 샷에 아메리칸 액팅 메소드 대표 3인의 ‘메소드’가 유용함을 증명하기 위해 그들의 대표적인 제자들인 알 파치노, 말론 브란도, 로버트 듀발이 함께 출연한 영화 <대부 Ⅰ>를 통해 고찰하였다. 결론적으로 본고를 통해 아메리칸 액팅 메소드의 총체적인 이해를 도모하고자 했으며 아메리칸 액팅 메소드 대표 3인의 메소드를 융합·적용하여 ‘매체 연기’를 하는데 있어 인물로서 가상의 상황에 진실하게 존재하고자 하는 배우 지망생이나 현역 배우들에게 도움이 되고자 한다. This study is meaningful in tracking and researching the Actor's Reality in Media Acting focused on the three representatives of the American Acting Method. To this end, this paper first examined the evolution of media from the silent film era to the sound film era, focusing on movies, and the development of realism acting. It also looked at the historical background from the American Laboratory Theatre, Group Theatre, Actors Studio, which was the basis of the ‘Media Acting’. In addition, the main purpose is to exist with the ‘Actor's Reality’ in ‘Media Acting,’ and the respective ‘methods’ and major training of the three representatives of the American Acting Method were considered. Lee Strasberg saw that the ‘Actor's Reality’ lies in emotional memory through relaxation and concentration, which are 'Psychological Method'. This is useful for non-sequential shooting, which is a characteristic of the media, and for close-up shots that can truly show the emotions of the character. Stella Adler said that the given situation, the actor's imagination and physical action, which are ‘Social Method’ influenced by Stanislavski's later theory, are the truth of art, that is, the actor's truth. This helps create a character by conveying the thoughts and images of the character through a sherade shot. Sanford Meisner saw 'Actor's Reality' as a communication with the other person based on the reality of the behavior, which is a 'Behavioral Method'. This can exert its power in a reaction shot by reacting truthfully to the other person. In order to prove the usefulness of the ‘Methods’ of three repesentatives of the American Acting Method in camera shots, it was considered through the film <Godfather I>, starring their representative students Al Pacino, Malone Brando, and Robert Duvall. In conclusion, this paper aims to promote a comprehensive understanding of the American Acting Method and to help aspiring actors or active actors who want to truly exist in virtual situations as characters in 'Media Acting' by applying the methods of the three repesentatives of the American Acting Method.

포항시립연극단 35년사 연구 : 공연활동을 중심으로

윤주미 중앙대학교 예술대학원 2018 국내석사

English poet George Gordon Byron said: “The best of prophets of the future is the past.” His saying seems to mean that based on the experience in the past, one must further develop what he did well in the past but improve what he did wrong, thus being able to proceed to a better result in the future. However, if there is no record of the past, the prediction of the future is inevitably difficult. In more than 100 year history of Korean theatre, numerous theatre companies have come and gone. However, there have been some theatre companies which have endured unfavorable times and circumstances for culture and art and produced works endlessly. In this vein, studies on the history of theatre companies which are the main agent of the theatre and play the role of a central axis within the circles of theatrical art are an indispensable measure to predict the future of Korean theatre. In particular, the documentation of activities of regional theatre companies which function as a capillary vessel of Korean theatre can enrich the contents of Korean theatre history and comprehensively penetrate into contemporary theatre as well. In this regard, to document and examine the history of Pohang Municipal Theatre Company which has played the role of a representative of theatrical activities in Pohang for more than 35 years seems to be meaningful for the history of theatre. The Pohang Municipal Theatre Company was founded in 1983 in which even the era of full-fledged local autonomous government was still unrealized. And it has continued to carry out performing activities actively so far as a Pohang citizen’s theatre company. In the examination of 35 year history of Pohang Municipal Theatre Company, the author focused on the change of standing producers, thus dividing times. Based on this method of classification, there were (1) a jumping period during which the popularization of theatrical art was extensively pursued under the supervision of Kim Sam-Il standing producer; (2) a proliferation period during which the campaign of theatre expansion started, although there was no standing producer; (3) a stabilization period during which the Pohang Municipal Theatre Company carried out performing activities vigorously under the supervision of Kim Sam-Il standing producer, who was appointed again, thus seeking for its identity as a public theatre company; (4) a changing period during which a variety of theatrical experiments were attempted through a visiting producer; and (5) a re-jumping period during which the Pohang Municipal Theatre Company prepared for re-jumping under the supervision of Kim Ji-Yong artistic director. The Pohang Municipal Theatre Company exists for Pohang citizens. Therefore, its status can be established through the realization of public interest and its identity can be achieved with the security of regional interest. Due to the problem of production conditions, its works have been difficult to be performed, but it has introduced many works of which artistic value is very high and spared no efforts in approaching audience with public-friendly works. In addition, it operates a visiting theatre which visits culturally estranged classes and then provides them the opportunity of enjoying culture and art, together with children’s musical academy with which children can grow up through artistic experience, while communicating with peers, adolescents and performers, thus trying to make many people have cultural benefits, and improve their living quality. In addition, it has produced performance contents based on regional cultural resources, thus trying to inculcate self-esteem and sense of belonging into local residents as a main agent of local culture. By doing so, it has tried to offset the local image of steel city, increase local resident’s cultural pride, and achieve an educational effect of local figures and history. Therefore, the Pohang Municipal Theatre Company has tried to achieve such values as the public interest as a public theatre company, regional interest as a local theatre company, and artistry and publicity as an art group which exists for audience, and these efforts are still under progress. In order for the Pohang Municipal Theatre Company to be developed continuously in the future, the author proposes following measures: It is necessary (1) to establish the environment of creation of works in which an artistic director can realize his artistic visions; (2) to cooperate with outside experts routinely; (3) to grope after a stepwise growth, thus making the performance contents of local culture a local brand; (4) to introduce not a simple numerical assessment system, but a multilateral post-assessment system of performances; (5) to expand art experience programs and art education programs with which local residents can experience culture directly; and (6) to develop the method of active marketing through various media. The Pohang Municipal Theatre Company has experienced take-off, stability, crisis, stagnation and change diversely during the past 35 years, and overcome them, thus achieving its growth. The accumulation of the power of local culture can be functioned as the power of Korean culture. In this vein, when the capability of local theatre companies is reinforced, the foundation of Korean theatre will become solid. The author hopes the Pohang Municipal Theatre Company will provide the directivity of local theatre company to other companies for the future 35 years and more by carrying out novel and continuous attempts for it. 영국의 시인 바이런은 “미래에 대한 최선의 예언자는 과거이다”라고 했다. 과거의 경험을 토대로 잘한 점은 성장시키고 잘못은 개선함으로써 미래에 더욱 나은 지점으로 나아갈 수 있다는 의미이다. 그러나 과거에 대한 기록이 남아있지 않다면 미래에 대한 예측도 어려울 수밖에 없다. 한국 연극 100여 년의 흐름 동안 많은 극단이 태어나고 또 사라졌다. 하지만 문화와 예술에 친절하지 않았던 시대상황을 버텨오면서 끊임없이 새로운 작품을 생산해내고 있는 극단 또한 존재한다. 따라서 연극예술 안에서 연극 주체이자 중심축의 역할을 담당하고 있는 극단의 역사에 대한 연구는 한국 연극의 미래를 예측하기 위해 꼭 필요한 작업이라 할 수 있다. 특히 한국 연극의 모세혈관으로 기능하는 각 지역 극단 활동에 대한 기록화는 한국 연극사의 내용을 풍성하게 할 뿐 아니라 당대 연극에 대해 총체적 통찰을 가능하게 한다. 이런 의미에서 포항지역의 연극활동을 대표하여 35년의 시간을 거쳐 온 포항시립연극단의 역사를 기록하고 고찰하는 것은 연극사적으로 충분한 의의를 지닌다고 판단된다. 포항시립연극단은 지방자치시대가 본격적으로 열리기도 전인 1983년 창단하였으며 2018년 현재까지 꾸준히 포항시민의 극단으로서 공연활동을 펼치고 있다. 연구자는 포항시립연극단의 35년 역사를 고찰함에 있어 상임연출 체제의 변화에 주목하여 시기를 구분하였다. 이 구분에 맞춰 연혁을 살펴보면, 김삼일 상임연출 체제 하에서 연극예술의 대중화에 주력한 도약기, 상임연출의 공백에도 불구하고 연극확산운동을 벌인 확산기, 다시 부임한 김삼일 상임연출과 함께 왕성한 공연활동을 펼치면서 공립극단의 정체성을 찾고자 한 안정기, 객원연출 체제를 통해 다양한 연극적 실험을 시도한 변화기, 김지용 예술감독 체제로 준비하는 재도약기로 나뉜다. 포항시립연극단은 포항시민을 위해 존재하는 극단이다. 따라서 포항시립연극단의 위상은 공공성의 실현으로 확립되며 정체성은 지역성의 담보로 확보된다. 이에 제작여건의 문제로 쉽게 공연화되기는 어렵지만 예술성이 높은 작품들을 지역에 소개하여 왔으며 그와 함께 관객들에게 대중친화적인 작품으로 다가가려는 노력도 아끼지 않았다. 그뿐 아니라 문화 소외계층을 방문하여 문화예술 향유의 기회를 제공하는 찾아가는 연극, 어린이·청소년 배우들과 함께 소통하면서 아이들이 예술경험을 통해 성장할 수 있도록 한 어린이뮤지컬아카데미 등은 다수를 문화의 수혜자로 하여 삶의 질을 향상시키고자 한 노력의 일환이었다. 더불어 포항시립연극단은 지역민에게 지역문화 주체로서의 자긍심과 공동체적 소속감을 심어주고자 지역문화자원을 기반으로 한 공연콘텐츠를 제작해왔다. 이를 통해 철강도시로 알려진 지역 이미지를 상쇄하고 지역민들의 문화적 자부심을 높이면서 지역의 인물과 역사에 대한 교육의 효과를 함께 담아내고자 하였다. 이와 같이 포항시립연극단은 공립극단으로서 공공성과 지역 극단으로서 지역성, 그리고 관객을 위해 존재하는 예술집단으로서 예술성·대중성을 지향하는 노력을 지속적으로 펼치고 있으며 이는 현재진행형이다. 연구자는 포항시립연극단의 발전적 미래를 위해 예술감독이 예술적 비전을 실현할 수 있는 창작 환경의 조성, 상시적인 외부 전문가와의 협업, 지역문화 공연콘텐츠의 브랜드화를 위한 단계적 성장의 모색, 단순한 수치적 평가가 아닌 다각적인 공연 사후평가 시스템의 도입, 지역민들이 문화를 직접 체험할 수 있는 예술체험 프로그램과 예술교육 프로그램의 확충, 다양한 매체를 통한 적극적인 마케팅 방법의 개발을 과제로 제안하고자 한다. 포항시립연극단은 지난 35년의 공연활동을 거치면서 도약과 안정, 위기와 정체, 변화 등을 다양하게 겪어왔으며 굴곡의 지점을 극복하면서 성장하여 왔다. 지역문화의 역량이 모여 한국문화의 힘으로 작용한다. 그렇다면 지역 연극 즉 지역 극단들의 활동 역량이 강화될수록 한국 연극은 그 기반을 공고히 할 수 있을 것이다. 이제 포항시립연극단은 앞으로 35년 그 이상을 준비하면서 지역 공립극단으로서 타 지역 공립극단에 방향성을 제시하는 극단이 될 수 있어야 하며 이를 위해 지속적이고 새로운 시도를 멈추지 않아야 할 것이다.