세기전환기 독일어권 문학 속의 새로운 인간상 "호모 나투라"

이재황 ( Jae Hwang Lee ) 서울대학교 독일어문화권연구소(구 서울대학교 독일학연구소) 2009 독일어문화권연구 Vol.18 No.-

Die Jahrhundertwende um 1900 kann als Ausgangspunkt der Moderne in der Literatur angesehen werden. Die Entstehung der `literarischen Moderne` resultiert aus einer epochalen Veranderung der Menschenanschauung, die auf die neuen Entdeckungen und Einsichten in der Biologie(Darwins Evolutionslehre, Zytologie u. a.) und die Willensphilosphie von Schopenhauer und Nietzsche zuruckzufuhren ist. In diesem Kontext wird also hier verucht, eine anthropologische Annahrung an die Literatur in der Jahrhundertwende zu machen. Das biologische und willensphilosophische Verstandnis fur die Menschen lasst die naturgegebene Basis der Menschen fokussieren: Korper, Sinne, Triebnatur und Sexualitat u. a. In der deutschsprachigen Literatur begann eine Menge von Werken, die diese menschliche Natur thematisierten, vor dem Huntergrund der Jahrhundertwende aufzutreten. Davon sollen hier drei bedeutende Werke analysiert werden. Wenn bei <Lulu> der Dramatiker Wedekind mittels der Hauptfigur die ursprungliche Naturlichkeit des Menschen und das weibliche Prinzip als Alternative zur von mannlichen Werten geherrschten Gesellschaft thematisieren, dann wird in <Reigen> von Schnitzler die Thematik vom sexuellen Wesen des Menschen behandelt. Beide Werke verursachten die starke Abneigung der konservativen Schicht und entbloßten damit die Realitat der konventionellen Moralvorstellung. Und im <Ketzer von Soana> gestaltet dagegen der Romancier Hauptmann uber die Geschichte von der erotischen Liebe der beiden Hauptfiguren zueinander eine Vereinigung von Menschen und Natur durch Eros und die monistische Weltanschauung mit dem Grundprinzip `Liebe`. Alle die literarischen Figuren sind die Naturmenschen `Homo Natura`, hervorgegangen aus der Jahrhundertwende. Im ersten und zweiten Werk handelt es sich um die `Natur im Menschen`, die immer von der Zivilisation und Moral verdrangt und tabuisiert wurde; im letzten Werk um den `Menschen in der Natur`, der nach der Vereinigung der Natur und des Ichs verlangt. Hiermit wird die von `Homo Natura` gesuchte Natur in zwei Arten eingeteilt: die innere und die außere Natur. Die erstere ist der Leib des Menschen, der von Begierden und Trieben geherrscht wird; die letztere ist der Leib der Welt, auf den der Mensch seine Ideale projiziert. Die beiden sind ineinander angeschlossen, in der Ebene vom `Willen`.

세기 전환기 ‘여성성’에 관한 고찰 – 루 살로메의 「여성으로서의 인간」을 통해 살펴본 여성의 섹슈얼리티

송희영 한국독어독문학교육학회 2021 獨語敎育 Vol.82 No.82

Im Zentrum dieser Arbeit steht die Untersuchung der ‘Weiblichkeit’ der Jahrhundertwende. Der Schwerpunkt wird auf das weibliche Geschlecht in dem Aufsatz Der Mensch als Weib von Lou Andreas-Salomé gelegt. Um die Jahrhundertwende war die Debatte über “Weiblichkeit” besonders virulent. Die gesellschaftlichen und kulturellen Veränderungen stellten zunehmend die Frage nach der bestehenden Geschlechterordnung. Lou Andreas-Salomés Aufsatz Der Mensch als Weib wurde 1899 in der Zeitschrift Neue Deutsche Rundschau publiziert. In diesem Aufsatz stellte Lou Andreas-Salomé ihr interessantes Bild von “Weiblichkeit” dar: Sie versuchte mit Hilfe biologistischer Prinzipien, das “Ganzheitliche” in der Frau aufzuzeigen. Nach Andreas-Salomé lassen sich die elementaren weiblichen Wesensmerkmale der Frau anhand ihrer Ganzheitlichkeit (Undifferenziertheit) und ihrer Mutterschaft vorführen. Das idealisierte Bild der Mutter soll durch die Erfahrung des “Mutter-Werdens” eine humanitäre Tat aufzeigen. In diesem Zusammenhang stellte Lou Andreas-Salomé das Weibliche über das Männliche. Interessant ist hier, dass der Begriff “Mensch” bei Lou Andreas-Salomé nicht männlich, sondern weiblich konnotiert wurde. Lou Andreas-Salomés Annahmen erfuhren jedoch im Zusammenhang mit der ersten Frauenbewegung schlichte Kritik. Frauenrechtlerinnen deuteten Lou Andreas-Salomés Theorien als veraltet. Sie kritisierten, dass Lou Andreas-Salomé die Bestimmung der Frau allein in der Mutterrolle sah, und damit den progressiven Vorstellungen der Frauenbewegung entgegenstand. 본 연구 “세기 전환기 ‘여성성’에 관한 고찰 – 루 살로메의 「여성으로서의 인간」을 통해 살펴본 여성의 섹슈얼리티”에서는 세기 전환기에 전개된 ‘여성성’의 논의와 루 살로메의 여성관을 살펴보기로 한다. 특히 그녀의 논문 「여성으로서의 인간」을 분석함으로써 여성의 섹슈얼리티 및 당대 여성의 위상과 역할에 관한 루 살로메의 입장을 살펴볼 것이다. 「여성으로서의 인간」은 루 살로메의 여성관을 보여주는 중요한 자료임에도 불구하고, 아직까지 한국에서 주목받지 못하고 있다. 따라서 본 연구에서는 1900년 전후 ‘여성’에 관한 논의들이 어떠한지 고찰하고, 특히 세기 전환기에 독립적인 여성의 삶을 보여준 루 살로메와 그녀의 논문 「여성으로서의 인간」이 함의하는 바가 무엇인지 살펴보기로 한다.

『특성 없는 남자』의 제1장을 통해 본 서사의 해체로서의 서사의 구축

신지영 ( Ji Young Shin ) 韓國獨語獨文學會 2009 獨逸文學 Vol.110 No.-

로베르트 무질의 소설 『특성 없는 남자』는 세기전환기의 문학으로 보다는 고전적 현대의 작품으로 분류된다. 그러나 서사의 포기, 과도한 에세이로 집약되는 소설의 형식은 실증적인 과학으로의 패러다임 전환 등 세기전환기의 맥락과 밀접한 연관성을 가진다. 본 논문은 서사의 해체로서의 서사의 구축이라는 관점에서 소설의 제1장을 분석하여 세기전환기 문학에서 중요했던 여러 시대적 맥락들이 소설의 형식과 직접적인 연관성을 가짐을 증명하고자 한다. 그럼 여기서 분석의 대상으로 삼고자 하는 소설의 제1장이 전체 소설에서 차지하는 위상과 기능은 무엇인가? 서사보다는 에세이에 우선권을 두는 소설의 형식상의 특성은 무질에게 에세이를 미학적인 형식으로 용해시키는 작가적 역량을 요구했을 뿐 아니라 작품수용상의 걸림돌로 여겨졌다. 이에 무질은 독자에게 직접 서사와 사고의 관계, 서사의 불가능성 등을 전달하고자 하였으며 이는 "서문"이나 "후기" 등과 같은 전통적인 소설 장르상의 변칙을 작품 속에 끌어들이는 구상으로 이어진다. 그러나 무질은 그 대신에 소설의 제1장의 구성을 통하여 독자에게 호소하는 우회로를 선택한다. "이 장에서는 특이하게도 아무것도 드러나지 않는다"라는 특이한 제목을 단 소설의 제1장은 전통적으로 서사구축에 필요한 모든 요소들, 즉 시간, 장소, 인물과 사건을 도입한다. 문제는 이것이 도입되는 방식이다. 시간과 장소의 경우 두드러지는 것이 이질적인 요소들의 병렬과 그 효과이다. "1913년 8월의 어느 아름다운 날이었다"라는 서사구축적인 대목은 그에 앞서 있는 긴 자연과학적 서술과 대립한다. 전자가 개인적인 것, 특별함을 지시한다면 후자는 객관성, 법칙성, 반복성을 지시하고 이렇게 이질적인 요소의 대립은 서로의 가치를 상대화하고 결국 서사구축적인 서술의 의미가 축소되는 효과를 낸다. 장소서술의 경우에도 개인적이고 역사적인 장소의 특수성과 대도시라는 일반성이 병렬됨으로써 전자의 가치가 상대화된다. 등장인물의 경우 그 정체성을 다루는 유희적인 방식은 서사구축에 중요한 개인의 존재를 의문시한다. 마지막으로 앞으로의 이야기전개에 실마리가 될 수도 있는 사건이 도입되는데 실제로 사건은 인물에게 감정적 동요를 불러오고 그 개인적인 의미부여의 가능성 또한 암시된다. 그러나 이런 단초는 곧 통계학, 기계공학 등 자연과학적 설명과 병렬되고 나아가 후자가 전자를 침해함으로써 사건은 구축되는 동시에 해체된다. 제1장은 이렇게 서술자의 아이러니한 태도, 즉 서사적 몸짓과, 이질적인 요소의 병렬을 통한 그것의 철회라는 특징을 가지며 이는 제1장의 제목 자체가 수행하고 있는 바이기도 하다. 무질이 소설의 제1장을 통해 실천하고 있는 것은 아도르노가 말하는 "서술자의 역설", 즉 "소설이라는 형식은 이야기를 요구하지만 더 이상 아무것도 이야기할 수 없다"는 역설에 다름 아니다. 그리고 이 서사의 위기는 세기전환기의 징후들과 연관성을 가진다. 지식의 시대, 대도시, 전형적 인간들, 반복적 사건들이 세기전환기의 징후들이라면 서사는, 무질에 따르면, "보편적이지 않고 개인적이며 우연적인 것"을 요구하기 때문이다. 그래서 "이야기를 지어내지 않는 것"이 소설의 프로그램이 된다. 나아가 무질이 자신의 소설이 "서사 양식을 포기"한다고 말할 때 염두에 두고 있는 것은 서사에 대한 비판이다. 일차원적이고 연대기적인 서사는 사건에 질서와 완결성을 부여하고 결국 의미를 구현해내기 때문이다. 무질의 소설은 연속성의 원리라는 서사의 전통적인 모델을 포기하고 서사적 단초는 끊임없이 에세이적인 것에 의해 중단된다. 무질의 이런 처리방식은 삶의 모든 틈과 심연이 형상화되어야지 구성을 통해서 은폐되어서는 안 된다는 루카치의 소설의 정의에 상응한다. 나아가 `특성 없는` 남자, 즉 전형성을 거부하는 울리히는 루카치적인 의미에서 삶의 의미를 찾는 자이다. 이렇게 소설의 제1장은 소설의 제목과 더불어 독자의 작품수용을 조종한다는 의미에서 주네의 파라텍스트로 기능한다.

Literarische Frauenemanzipation um die Jahrhundertwende : Anhand der "Literarischen Manifeste um die Jahrhundertwende"

Chang, Joung-Ja 충남대학교 인문과학연구소 1976 인문학연구 Vol.3 No.2

本 論文에서 文學과 女性解放을 연관시켜 관찰하는 것은 獨逸女性解放運動의 特異性에 기인한다. 다른 나라에서 특히 英國에서는 Suffragette들이 거리데모 斷食데모를 통해 政治參與權을 爭取하고자 한데 反해 독일여성들은 붓대를 들고 나다. 女性問題를 經濟的 次元에서 관찰, 여성을 勞動者, 프로레타리아와 同一視하던 Marx나 社會主義者들에 의해 추진되었고, 80年代에는 당시 독일문단을 주도하딘 Naturalismus가 이에 동조, 커다란 지주가 되었으니 現實의 일면을, 특히 社會的 問題性을 赤裸裸하게 보임으로서 현실비판 내지 Weltverfesserung, Gerechtigheit를 지향하고자하는 이들 프로그램과 부합되었던 때문이다. 自然主義作家들은 그들 作品에 여성문제를 사회적문제로 提示함으로써 文學속에 새로운 여인상을 부여한다. 한편, 자연주의 이래로 글을 쓰는 여성들이 폭발적으로 늘어나 一群의 “女性文學”을 형성했다. 당시 "近代獨逸詩選"에 실린 작가의 1/5 女流作家였다. 이같이 19세기 후반에 表面化하기 시작한 여성운동은 實質上 일련의 여성처우개선을 가져왔다. 그러나 이 짧은 80∼90年代를 지나 세기 말에 이르러 「Marx에서 Nietzschc로」라는 슬로건下에 모든 가치의 顚倒를 들고 나선 Nietzsche의 Iudividualismus를 신봉했던 새로운 문학적경향은 社會參與나 사회문제해결을 위한 노력을 문학에서 挑際하고 客觀性이나 大衆性을 벗어나 자신을 사회로 부터 孤立시켜 관찰하기 시작한다. (Ich-Bezogenheit) 따라서 自然主義는 이 새로운 문학경향에 의해 배척 되었으니 자연주의와 함께 그 全盛期를 맞았던 여성 해방은 時代의 추세에 따라 그 형태를 달리하게 된다. 폭발적 여류작가 誕生期를 지나 文學的으로 중요한 위치를 차지한 소수의 여류작가들 중에는 계속 자연주의적 경향을 固守하거나(물론 이런 文學은 당시 脚光을 받지 못했다.) 또는 여성해방운동에 대한 懷疑를 표현하기도 한다. 한편 문학상으로 나타난 여성상에서도 변화를 가져왔으니 모든 現實的인 것 社會的인 것에서 외면하고자 했던 세기말의 문학경향에 따라 여성문제를 humane Qualit?t에서 관찰하고 있지 않다. m?rchenhaft, 혹은 d?monisch한 여성상이 등장하고, 또는 Schnitzler에서와 같이 여성의 여성적인 면이 지나치게 강조되어 終局的으로는 오히려 여성의 품위를 格下시킨 결과를 초래하기도 한다. 세기말에는 이전에 보이던 一元的이고 적극적인 여성운동을 위한 투쟁에서 후퇴, 多角的이고 末梢的인 운동으로 分散되어 나타난다.

세기 전환기의 클라이스트 컬트 - 표현주의 아방가르드의 클라이스트 수용과정을 중심으로

김재상 ( Jae Sang Kim ) 한국독일언어문학회 2012 독일언어문학 Vol.0 No.57

Im Jahr 1911 erreichte die Kleistverehrung um die Jahrhundertwende anlasslich der einhundertsten Wiederkehr seines Todestags ihren Hohepunkt. Der massenhaft entfachte Kleist-Kult reichte von der deutschnationalen, burgerlichen Kleistdeutung, die seit 1870 an Boden gewann, uber Kreise etablierter Literaten bis zur Avantgarde. In der vorliegenden Arbeit wird anhand der expressionistischen Gedichte uber Kleist versucht, die Kleistrezeption der sich um 1910 formierenden expressionistischen Avantgarde vor der Folie dieses zeitgenossischen Kleist-Kults zu untersuchen und zugleich deren Abgrenzungsversuch gegen das konservative Lager des Burgertums sowie gegen das herrschende Dichtungsverstandnis des Asthetizismus um die Jahrhundertwende zu erklaren. In den expressionistischen Dichter-Hommagen an Kleist wird dieser mehr als eine grobartige menschliche Gestalt bedichtet denn als ein Dichter, der eine hervorragende asthetische Errungenschaft erbracht hat. Mit der Forderung nach dem "wunderwarme[n] Herzblut", das Kleist im Gedicht von Paul Zech attestiert wird, stellen die Expressionisten die sozial-ethische Qualitat als die Bedingung des Dichtertums dar und schreiben ihr die entscheidende Bedeutung fur das dichterische Selbstverstandnis zu. Dadurch wird der Dichter Kleist bewusst aus allen Zusammenhangen des traditionellen Dichterkanons herausgenommen und burgt zugleich fur ein neues Dichterbild, welches von Dichtern fordert, dass Kunst ausschlieblich als Ausdruck der Personlichkeit ihres Schopfers gesehen werden soll und der wahre Dichter erst aus intensiver Zuwendung zum Leben entstehen kann. Mit auberordentlicher Sensibilitat und vertrauensvoller Zuwendung zur Welt und zu den Mitmenschen ware Kleist dann eine Gegenfigur zum kalten, burgerlichen Asthetizismus. Mit der Orientierung an Personlichkeit und Lebensschicksal, die somit einen der wesentlichen Zuge in der expressionistischen Vorbildrezeption darstellt, versuchen die jungen Dichter des Expressionismus, sich von der herrschenden dichterischen Tradition abzusetzen.

20세기 전환기 독일 학교소설 -문화사회학적 관점에서 살펴본 "학교소설" 장르의 이해

신혜선 ( Hye Seon Shin ) 韓國世界文學比較學會 2013 世界文學比較硏究 Vol.42 No.-

Um 1900 avanciert ``Schule`` zu einem zentralen Schauplatz der literarischen Produktion in Deutschland. Die Geschichte der Jugendlichen, sowohl ihr Leiden als auch ihre Konflikte in der Institution ``Schule’, rucken in den Vordergrund vieler zeitgenossischer Dramen und Prosawerke, unter denen einige heute zu den kanonisierten Texten der klassischen Moderne gehoren. Dass die Fruh- oder Erstlingswerke vieler bedeutender Autoren der Zeit zum Typus der Schulgeschichte gehoren, ist kein unbedeutendes Phanomen. Nach der Reichsgrundung andern sich durch die rapide Veranderung der Gesellschaft auch die Bildungs- und Erziehungsideale, und demgemaß wird die Frage nach der Krise der Erziehung, [der] Krise der jungen Menschen“ von den bildungskritischen Literaten in ihren Schulgeschichten oder Schulromanen gestellt, welche meist von dem harmonischen Schluss des Bildungsroman- Schemas abweichen. In Anbetracht verwasserter neuhumanistischer Bildungsideale erhob sich die Frage, ob die Bildungsromane unzeitgemaß oder gar realitatsfern wirken“, und ob die erzahlerische Darstellung des Wegs einer zentralen Figur durch Irrtumer und Krisen zur Selbstfindung“ und tatigen Integration in die Gesellschaft〈〈schließlich〉〉auf einen Ausgleich mit der Welt “ ziele. Doch wird die von Wilhelm Dilthey in Goethes Wilhelm Meister als traditionsbildendes Muster dargestellte menschliche Ausbildung in verschiedenen Stufen, Gestalten, Lebensepochen“ nur als ein vereinfachtes Schema - sozialen Aufstieg, privates Gluck und hochstens noch okonomischen Erfolg“ begrenzt- in den nachfolgend verfassten erfolgreichen Epigonenromanen angewandt. DieEntelechie, das Spezifikum des Bildungsromans, gibt es in solchen Epigonenromanen nicht mehr. Die bildungskritischen oder zumindest der zeitgenossischen ``Bildung’ gegenuber skeptischen Autoren proklamieren in ihren ``Schulgeschichten’ den Verfall des klassischen Bildungsideals und somit die Absage an die Hoffnung des Bildungsromans. Die Schulgeschichte, die den Helden durch Krisen und Konflikte nicht auf einen Ausgleich mit der Welt wie im Bildungsroman, sondern eher auf das Scheitern hinfuhrt, kann sich demnach auch als ``Desillusionsroman’ bezeichnen. Die meisten jugendlichen Helden der Schulgeschichten stehen im Spannungsverhaltnis zwischen Ich und Welt. Ihnen gelingt keine Integration in die Gesellschaft, sondern sie verbleiben im Zwiespalt zwischen dem sich selbst suchenden Subjekt und der sich widersetzenden Umwelt. Unter diesem Aspekt erweist sich die Bildungskritik als großer Teilaspekt der Gesellschaftskritik. Die Schulgeschichte um die Jahrhundertwende hat nicht nur auf literarischem Feld, sondern auch unter kulturellen Aspekten ihren Wert. Die literarische Thematisierung der Jugendproblematik veranlasst die Zeitgenossen, ihre Aufmerksamkeit auf die Wahrnehmung der Schul- und Bildungswirklichkeit sowie auf die Jugendfrage zu richten. In diesem Sinne ist das Genre ``Schulgeschichte’ um die Jahrhundertwende nicht nur kunstlerisch als eine gewichtige Literaturstromung der Epoche anzusehen, die die Problematik von jungen Menschen eindringlich zur Darstellung bringt, sondern sie ist auch fur die reflexiven Prozesse der Korrelation zwischen Literatur und Wirklichkeit von Belang. Die bisher mehrfach gestellte Frage nach der Reichweite und prophetischen Kraft dieser Romane ist noch immer offen. Gleichgultig, ob diese Wahrnehmung zutreffend ist oder nicht - wir sehen im Professor Unrat den Diktator, der uns an ``Hitler’ erinnert; in Musils Figuren des Reiting und des Beineberg erblicken widie Unmenschlichkeit des Dritten Reichs. Und, wie der Literaturkritiker Marcel Reich-Ranicki feststellt, die Geschichte von Hans Giebenrath in Unterm Rad macht uns ein erstaunlichstarke[s] Identifikationsangebot“ - auch wenn wir an der Schule nicht besonders gelitten haben und von den grausamen Lehrern nie geplagt wurden. Dementsprechend enden die literarische Faszination und thematische Aktualitat bis heute nicht.

자아의 분열인가, 통일성에 대한 욕망인가? - 패러다임 변환기의 문화 현상으로서 도플갱어 연구(2)

황승환 ( Seung Hwan Hwang ) 한국독어독문학회 2014 獨逸文學 Vol.129 No.-

In der kulturhistorischen Entwicklung gibt es große Ahnlichkeit zwischen amEnde des 18. Jahrhunderts und des 19. Jahrhunderts. Wenn am Ende des 18. Jahrhunderts die die Irrationalitat und die Absolutheit der Einbildungskraft betonteRomantik entstand, erscheinen im ausgehenden 19. Jahrhundert die geistigen undasthetischen Stromungen, die die Subjektivitat hervorheben. Es ist der Unterschied,dass sich Ich-Spaltung umfangreich und tief entfaltet. In einem Wort wird dieKultur der Jahrhundertwende fur die Hinwendung zum Inneren gehalten. Dementsprechend erscheint das Doppelgangermotiv der Jahrhundertwende vielmannigfaltiger und neuformiger im Vergleich zu dem der Romantik. Wie die Aufklarung im 18. Jahrhundert, die Rationalitat und Vernunfthervorgehoben hat, hat das 19. Jahrhundert die Ideologie des militaristischenAutoritarismus, des Nationalismus, des empirischen Positivismus und derTechnologie beherrscht. In dieser Atmosphare hat die kollektive Koharenz gestarkt,aber die individuellen Naturtriebe mussten zum Vorteil und zur Stabilitat der Gruppenunterdruckt werden. Dies ware ein Grund fur die Ruckkehr des Doppelgangersmit dem neuen Eintritt der Subjektivitat an der Wende des Jahrhunderts. Freudhat Doppelganger als die Ruckkehr des Unterdruckten im Laufe der zivilisatorischenEntwicklung angesehen. Krakauer hat Doppelganger im Weimarer Film als die Externalisierung desphilistrosen Inneres von der Mittelklasse betrachtet. Er hat Doppelganger-Film vordem Ersten Weltkrieg nur die Vorahnung des 20er Doppelganger-Films gesehen. Nach den neuen Forschungen seien aber vor dem Ersten Weltkrieg schon vieleDoppelganger-Filme vorhanden. Infolgedessen ist Doppelgangermotiv fur diekulturelle Gestalt zu halten, die nicht nur der Zeitgeist der Weimarer Republik,sondern fur die des breiteren Spektrums, d.h. einer ganzen Jahrhundertwendereprasentativ. Der literarische Doppelganger ist in Analogie zu der multiplenPersonlichkeitsstorung im Bereich der Psychopathologie. PathologischeForschungen zeigen, dass im Wandel der Zeit die Zahl der Personlichkeiten imPhanomen der multiplen Personlichkeiten standig zugenommen haben. DiesesErgebnis scheint in Korrelation zu dem Phanomen, in denen neuartige DoppelgangerFormen in den Literaturen und Filmen erschienen, zu stehen. Die Kunst ist einProdukt des Zeitgeistes, wie Krakauer ahnlich gesagt hat. Doppelgangermotive sind in den Filmen der Jahrhundertwende aufgebluht. Undnoch ein Grund dafur ist das, was Filmmedien einige Merkmale mit demDoppelganger teilen. D.h. wie Doppelganger haben Filmmedien auch die Charaktereder Unheimlichkeit, der Ich-Verdopplung, der Ich-Verteilung und derIch-Vertauschung.

세기 전환기 독일 중산 시민계층의 미적 취향

임병희 한국독어독문학교육학회 2022 獨語敎育 Vol.84 No.84

Die Jahrhundertwende war die wirtschaftliche kulturelle Blütezeit, die durch den industriellen Strukturwandel entstand. Damals tauchte der neue Mittelstand auf, und sein ästhetischer Geschmack und seine Konsumkultur verursachten den neuen Stil in der Kunstgeschichte. Anders als in England und Frankreich wurde in Deutschland und Österreich eine Diskrepanz zwischen dem sprunghaften Wịrtschaftswachstum und der politisch konservativen Neigung des Bürgers ausgebracht. Diese gespannte Lage wurde durch die Verstärkung der imperialistischen Ideologie und die vom Staat geleitete Wirtschaftspolitik überdeckt. Aufgrund des materiellen Wohlstandes und der Freizeit wollten der neu Mittelstand seine kulturellen Bedụ̈rf- nisse befriedigen. Unter diesen Umständen tauchte er als ein neuer Kunstverbraucher auf und sein Habitus und sein Geschmack spielten auf dem Kunstmarkt eine große Rolle. Zu jener Zeit entwickelte sich Art Nouveau, die im ästhetischen und philosophischen Standpunkt dem Eklektizismus und dem Kitsch widerstand, aber auf der Ebene der stilistischen Verwirklichung entlehnte sie die Eigenschaften des Kitschs. Dieser neue Kunststil brachte eine neue Paradigma in der Produktion und der Konsumtion hervor, trug zur Ästhetisierung des Lebens bei und legte den Grundstein für die Grenzüberschreitung zwischen der hohen und der niederen Kunst. 단토 Arthur Danto는 마르셀 뒤샹의 <샘>(1917)과 앤디 워홀의 <브릴로 상자>(1964)를 통해 ‘예술시대의 예술’에 종말을 선언하고 전통적 예술개념을 해체하는 ‘개념예술’의 탄생을 알리며, ‘무엇이든 예술이 될 수 있는’ 시대로의 진입에 이론적 틀을 마련해 주었다. 그러므로 오늘날 ‘무엇이 예술이고, 무엇이 예술이 아닌가 그리고 그 경계는 무엇을 기준으로 하는가?’라는 질문은 매우 진부한 것으로 보인다. BTS와 같은 대중가수들은 스스로를 아티스트라 칭하고, 미술 경매장에서 그림을 파쇄하거나 오브제로 전시한 바나나를 먹어 치우는 것도 예술 행위의 범주에서 용인되기 때문이다. 본고는 이러한 예술 개념의 확대 및 예술장의 변화가 초래된 이유를 예술가들의 자의식이나 비평가들의 배제 혹은 승인의 원칙에서라기보다 예술 소비자와 그들의 취향 및 소비양식에서 찾으려 한다. 셰익스피어의 문학이 영국 문학의 흐름을 바꾸어 놓았던 것은 셰익스피어라는 천재적 예술가의 독창성 때문이라기보다는 연극에 대해 비판적 안목을 가지고 있던 당대 청중의 수준과 요구에 부응한 결과였으며, 엘리자베트 시대에 런던 인구는 약 20만 명에 달했고 그중 20%는 정기적으로 극장을 찾는 고객이었다. 이들은 연극에 대한 소양을 갖추고 있었고, 작가는 경제적 이유로 인해 그들의 취향에 부응하지 않을 수 없었다(Weiß 1979, 49-69). 이러한 현상은 괴테의 파우스트 의 ‘무대 위에서의 서연’에서 극작가가 관객의 취향을 염두에 두고 그들의 주문에 응하면서 작품을 쓸 수밖에 없음을 토로하는 장면에서도 확인할 수 있다. 이러한 맥락에서 본고는 20세기 전환기에 새로운 예술 소비자 계층이 등장할 수 있었던 역사-사회적 배경과 이 계층의 독특한 취향 및 삶에 대한 태도가 예술의 양식적 변화에는 어떤 영향을 끼쳤는지, 즉 예술과 예술장을 변화시키는 동력은 천재적 예술가가 아니라 새로운 예술 소비자 계층의 등장과 취향의 변화가 가져온 새로운 소비 형태에 있으며, 이는 결국 고급예술과 저급예술의 탈경계화에 기여하게 되었음을 고찰하고자 한다.

세기 전환기의 데카당스 극복 -초기 벤에게서 나타난 게오르게와 의고주의적 심미주의 수용과정

김재상 ( Jae Sang ) 한국독일언어문학회 2012 독일언어문학 Vol.0 No.55

Wie viele der Expressionisten hat sich der fruhe Gottfried Benn nicht von Anfang an gegen den Asthetizismus der klassischen Moderne, die um die Jahrhundertwende als die literarische Norm galt, gewandt, sondern zunachst ihre Themen und Ausdrucksformen ubernommen. Vor allem die Einflusse von Stefan George, der als Uberwinder der Dekadenz anerkannt und von vielen Expressionisten verehrt wurde, sind in seinen ersten Gedichten deutlich erkennbar. Erst die Abkehr von dem einstigen Vorbild George ermoglichte ihm den Durchbruch zum Stil der Morgue, die seine expressionistische Phase einleitet. Sein Gedicht Man und Frau gehn durch die Krebsbaracke, das bekannteste aus dem Zyklus, zeigt anschaulich, wie er uber die intensive Auseinandersetzung mit George zu einer eigenen Poetik und Sprache findet. Im Gegensatz zum Gedicht Herbst, das die beginnende Distanzierung vom einstigen Vorbild in einer sehr verborgenen Weise zum Ausdruck bringt, ist die Krebsbaracke eine brutale Demolierung von dessen asthetischen sowie weltanschaulichen Konzept. Das Gedicht, das als eine parodistische Nachbildung im Sinne einer allgemeinen Imitation von Motivik, Metaphorik, Vokabular und Prosodik von Georges Herbstgedicht anzusehen ist, zeugt von einem ausdrucklich destruktiven Antrieb, mit dem Benn aus der Ubergangsschonheit im Referenztext einen Verfall macht. Benn stellt den abstrakten asthetischen Werten aus Farben Korperliches entgegen, das unter der Perspektive des physischen Verfalls prasentiert wird. Dieses poetische Verfahren, das kurz als die Technik von Hasslichkeit, Brutalitat und eben Korperlichkeit zusammenzufassen ist, entwickelt sich im Lauf des Gedichts zu einem expressionistischen Stil, der sich besonders in harten Fugungen in den letzten drei Strophen sichtbar macht. Gegen den willkurlichen Akt der Ausgrenzung Georges, der aus seinem poetischen Bild alles ausklammert, was ihm nicht der Asthetisierung wurdig scheint, wird in Benns Krebsbaracke eine Pose als Uberwinder der Decadence im Sinne Nietzsches sichtbar, namlich dass man sich dem Leben stellen soll, obwohl es grausam ist, da es nur um das materielle Gesetz des Kreislaufs geht. Dieses neue Lebenspathos ist zugleich die Umdefinition des Dichtungsverstandnisses, dass die Kunst nur aus dem entschiedenen Lebenspathos zu gewinnen sei.

세기전환기 심미주의의 자기 상대화 경향 -빈 모더니즘의 예를 중심으로

김재상 ( Jae Sang Kim ) 한국독일어문학회 2013 독일어문학 Vol.62 No.-

Der Asthetizismus ist ein Begriff, der gemeinsame Tendenzen der gegennaturalistischen literarischen StrOmungen um die Jahrhundertwende markiert. Dazu gehOren vor allem das symbolistische Programm Georges und das impressionistisch geprAgte des Jung Wien, die sich in den 1890er Jahren in Deutschland sowie Osterreich zu formieren begannen. Beiden ist eine Asthetische Weltanschauung gemeinsam, nAmlich dass nur unter dem Aspekt des Asthetischen das Leben noch einen Sinn machen soll. Das Spezifikum des Wiener Asthetizismus ist eine deutliche Reserviertheit gegenUber einem kunstvermittelten Leben, in das man einerseits verliebt ist, das man aber andererseits als hypertrophes Surrogat eines unvermittelten Lebens verpOnt. Dadurch unterscheidet sich das Asthetische Programm der jungen Wiener von der strengen Lebensverneinung und reinen Kunst Georges. Der programmatische Zentralgedanken der Wiener Moderne kommt in den Dramen von Schnitzler und Hofmannsthal deutlich zum Ausdruck, indem sie das Dilemma des Asthetizismus variieren und konzentrieren, ihn als Lebensform gleichermaßen prAsentieren wie kritisieren. Deren Protagonisten wie Anatol oder Claudio wissen, dass sie ihr Leben “wie ein Buch” erleben, aber zugleich auch, dass diese Stilisierung des Lebens nur eine erborgte Illusion ist. Diese Astheten spielen nur die amoralischen Abenteurer, wAhrend sie unter der selbst induzierten Distanz vom Leben leiden. Sie kOnnen die banale Wirklichkeit der Gegenwart nur ertragen, indem sie diese mit ihrer Phantasie und Erinnerung projektiv Uberformen, doch dekuvrieren sie in ihrer analytischen Begabung, ihrem ≫bOsen Blick nach innen≪, die selbstgeschaffene, kUnstliche Stimmung als Illusion. An dieser Ambivalenz lAsst sich deutlich feststellen, dass das Asthetische Programm der Wiener Moderne kein naiver Asthetizismus ist, sondern ein reflektierter, der sich selbst in Frage stellt. So darf man auch die Opposition der beiden Bereiche, Kunst und Leben, um die sich die Dramen Hofmannsthals und Schnitzlers zu drehen scheinen, interpretatorisch nicht Uberzeichnen, indem die Figurenreden und Bekenntnisse fUr bare MUnze genommen und die Protagonisten dieser Dramen zum ReprAsentanten eines amoralischen Asthetentypus gemacht werden. Die beiden Bereiche bedingen sich vielmehr wechselseitig. Der reflektierte Asthetizismus der Jung-Wiener hAlt qua definitionem dauernd Gerichtstag mit sich selbst und ‘relativiert’ sich selbst. Doch deutet sich im Tod des Astheten vielleicht eine Uberwindung dieser Haltung im Bild des Sozialen, in der Bindung als weiterfUhrendes Programm an.