메노티의 20세기 단막극 오페라《전》의 음악적 표현기법연구

김한나 전북대학교 일반대학원 2018 국내석사

Opera is a synthetic art based on music. Opera was inspired by Camerata of Firenze, Italy which was purposing of the reproduction of the tragedy of ancient Greece. In the early days of the opera, it was only for the exclusive property of the privileged class, such as the nobility and royalty. Due to the appearance of mass media such as TV and movie in the 20th century, the position of the art genre, which is a purely artistic genre, has narrowed. An opera has become a performing arts for a minority of people, not the cultural art that many enjoy. Gian Carlo Menotti’s The telephone is in contrast to traditional operas, a few characters are featured in a small number of characters, shorter performance periods, and comic books. Also more characters of The telephone is that it plays on stage with other same-length productions because of the short performance, requires not a lot of people so it performs at small cost in small theaters. Instead of audiences enjoy the long playing time of traditional opera, they can enjoy short-time opera without burdens. So they called it as one-act opera and it contributed greatly to the popularization of opera. In this study, we intend to study Menotti’s The telephone in the following ways. Firstly, we will look at the definition of opera and the history of change. And then, look at the genre of European and American opera and its representative works of artists. Also, we will look at the life and works of Menotti, the composer of The Telephone. Learn through the realistic representations of characters that appear through the musical technique of The Telephone which is the actual representation of the characters and the lyrics, each major aria, focus on the musical features. This study will also use the sound of the phone to describe the tone of the characters who use the phone to sort out the emotions between the characters.

이승선의 오페라《태형》에 관한 연구

임효승 계명대학교 일반대학원 2012 국내석사

이승선의 오페라 ⟪태형⟫은 작가 김동인의 실제 경험을 바탕으로 쓰인 소설을 챔버오페라의 형태로 작품화한 것이다. 소설“태형”은 외부 세계와 단절된 인간의 생존본능을 근거로 해서 인간의 욕망과 좌절, 이기심을 원색적으로 조명한 작품이다. 챔버오페라는 1940년대 벤자민 브리튼에 의해 챔버오페라라고 불리어 지게 되었고, 이후 20세기 오페라장르의 한 패러다임이 되었다. 본 작품 ⟪태형⟫을 분석한 결과 챔버오페라의 성격에 맞게 짧은 아리오소와 압축된 아리아와 같은 성격으로써 간결함을 추구하고 있다. 그리고 소규모 관현악의 실내악적 편성이지만 타악기의 다양한 형태와 특징적 사용으로 음악적 효과를 극대화시키고 있다. 또한 소극장에서 공연되어지기 때문에 가까운 거리에서 관객들과 더불어 음악과 연극적 드라마의 요소가 어우러져 소통하고 있다. 본 작품에서 쓰인 음악적 기법으로는 다양한 음계의 재료(전음계, 선법, 8음 음계, 부분적 12음열)들이 사용되었고, 이것은 오페라 ⟪태형⟫의 내용을 극대화 하는데 적절히 사용하고 있다. 선율적으로 처리한 레치타티보는 어색함 없이 극의 내용을 부드럽게 음악적으로 나타나며 목관앙상블의 사용은 챔버오페라에 맞게 대화체형식과 반주의 형태 등으로 다양하게 사용되었다. 마지막으로 벤자민 브리튼의 장면전환과 같은 타악기의 사용으로 극의 내용을 최고조 시키고 있다. 이상과 같이 소규모 오페라 특징을 잘 담은 이승선의 챔버오페라 ⟪태형⟫은 시대의 요구에 부흥하는 좋은 작품의 예라 할 수 있다. Seungsun Lee's chamber opera, ⟪Tae Hyung⟫ is a work which is based on artist Donjin Kim’s non-fictional novel founded on real-world experience in the form of the chamber opera. The novel, “Tae Hyung” crudely shows human desire, frustration, and self-interest on the basis of human survival instinct isolated from the outer world. The term “chamber opera” was first used by Benjamin Britten in the 1940s, and became a paradigm of the opera genre in the 20th century. The chamber opera, ⟪Tae Hyung⟫ also follows the same nature of the little opera theater, ‘Arioso,’ which is compressed. In spite of the small form in orchestration, it maximizes the musical effect by employing various characterized percussions. Furthermore, during the opera, the performer can communicate with audiences in a short distance mingled with the elements of music and theatrical drama because the opera is played in a little theater. For the maximizing the story of the opera, the composer uses such diverse pitch materials as the whole-tone scale, church modes, octatonic scale, and part dodecaphony. The melodious recitative of the opera is employed for making smooth musical flow without any awkwardness, and the ensemble of woodwind appear in various forms in the little chamber hall-forms which contrast-motion accompaniment. Also employing various percussion instruments, like Benjamin Britten's cutaway, makes the content maximized. In conclusion, Seungsun Lee's chamber opera, ⟪Tae Hyung⟫ is one of the best examples of characteristic little theater opera genre ever.

효율적인 오페라 감상수업을 위한 지도방안 연구

황지은 충남대학교 교육대학원 2007 국내석사

The revised 7th Music education course in 2001 emphasize that every domain of Music and relations of life are important rather than just concentrating on particular area. So, this report has the purpose that the opera which is related with other subjects, such as literature, arts, performance, etc. and also familiar with life has revealed in textbooks and research how the “Le nozze Figaro" by Mozart could be used at Music classes. The result of analysis which is themes of music in 8 sorts of high school textbooks showed that it introduces variety of music from mid-age to modern times but is placing too much emphasis on classical and romantic music comparing with present age’s one. And As a result of reviewing music for appreciation by genre in text books, opera was found to show a difference in the ratio of collection by textbooks published by different companies; however, even though opera-information data were contained in a total of eight types of textbook, which might indicate that the opera class is regarded as important, the data were only contents and sources of opera in the textbooks and there was no explanation, details of the whole plot, or background information about the composer and musical piece. Also, the opera pieces were limited to the Romanticism period. Mozart’s opera, the “Le nozze Figaro" , which this paper selected for an appreciation teaching and learning plan, is critical about society by contrasting noble society with the lower classes using the subject of complicated and entangled love. It is contained in the textbooks of Segwang textbook , Daesung textbook, and Kyohak textbook. SeKwang’s textbook gives simple explanation of a musical piece and an opus about “Le nozze Figaro” and is able to teach Italian. TaeSung try to insure substantiality through giving information of an overall story and explaining sorts of songs used in operas (ex. Solo, aria, duet, chorus, etc.). KyoHakSa deal with the “prelude” of “Le nozze Figaro” unlikely the others. The study composed an appreciation teaching and learning plan with two different period using three types of textbook containing Mozart’s opera. In the first period, the study focused on an understanding of conceptual theory to teaching and musical appreciation; and in the second period, the study attempted an integrated class, which is the strength of an opera class, through role playing or physical expression of the main scenes of the opera along with the contents in the textbooks. The opera appreciation class through such appreciation teaching will be helpful for students to develop their musical potential and creativity while gaining an interest in opera, enhancing their life quality, and ultimately understanding easily and enjoying listening to opera. At the same time, teachers should have affection for an opera class and try to make an effective and using DVDs(Digital Video Disk) as well as multimedia, PPT(Power Point) etc. Through those efforts, Korean Music education will be enhanced.

韓國 創作 opera의 發展過程에 대한 硏究

박석순 연세대학교 교육대학원 2000 국내석사

오페라는 16세기말에 이탈리아 피렌체의 카메라타(Camerata)그룹에 의해 시작된 이후 400여 년 동안 종합예술의 자리를 고수(固守)하여 왔다. 옛날부터 인간은 극 속에 음악을 넣어 상연하고자 하는 극적인 본능을 가지고 있었는데, 이것이 종교의식이나 제례의식을 통하여 표출되었고, 이러한 기원적인 모습들이 오페라의 탄생을 촉진시켰던 것이다. 역사적으로 한국에 서양 음악이 유입된 것은 1885년의 일로서, 그후 63년이 지난 1948년에 본격적인 오페라가 공연되었다. 이는 고(故)이인선을 주축으로 하는 국제오페라사의 「춘희(La traviata)」공연이었고, 한국의 창작오페라는 1950년 현제명의 「춘향전」을 시작으로 첫 발을 내딛게 되었다. 이 시기는 서양의 오페라가 낭만주의의 전성기를 거쳐서 20세기에 시도한 다양하고도 복잡한 현대적인 음악기법 즉, 고전적 낭만적 경향을 포함하여 재즈적인 기법, 영화음악적인 기법, 전자음악의 사용, 무조음악의 12음기법 등을 나타낸 시기로 서양 오페라의 성숙기에 해당한다고 하겠다. 이처럼 한국의 창작오페라는 서양 오페라의 성숙기에 시작이 되었다고 할 수 있는데, 한국 최초의 창작오페라는 초기 이탈리아 오페라의 형태로 시작하고 있다. 즉 현제명의 창작오페라 「춘향전」에서 멜로디 위주의 초기적 형태를 잘 나타내고 있다. 이렇게 시작된 한국의 창작오페라는 50년의 짧은 역사 속에서도 35편의 작품을 (1950∼1997)탄생시켰고, 주로 국립오페라단과 김자경오페라단에 의해 주도된 창작오페라는 음악기법적인 면에서도 서양 오페라의 발전과정들을 자연스럽게 수용하고 있다. 또한 한국의 창작오페라는 국악적인 요소들을 오페라에 접목시킴으로써 국민오페라의 실현을 시도하였다. 특히 윤이상은 뮌헨올림픽 위촉작품으로 오페라 「심청」을 작곡함으로써 한국적 소재의 오페라가 세계시장에 진출할 수 있는 가능성을 제시하였고, 1987년에 초연된 이영조의 창작오페라 「처용」은 한국적인 소리의 바탕 위에 현대 음악의 화성과 선율진행을 민속적인 춤과 연극적 요소 등의 토속적인 감각을 통하여 작곡하였고, 바그너에 의하여 확립된 라이트모티브를 보다 세분화하고 치밀한 관계의 조직과 발전을 통하여 사용함으로써 후기 낭만적 경향과 20세기의 현대적 작곡기법을 폭넓게 수용한 한국 창작오페라사의 매우 중요한 작품이라고 할 수 있다. 그러나 이러한 발전에도 불구하고 한국 창작오페라의 현실은 많은 작품들이 초연공연으로 그치는 경우가 많았으며, 공연에 따르는 여러 가지의 문제점 등을 가지게 되었다. 한국의 오페라는 성악인들의 열정과 헌신적인 노력으로 오늘에 이르는 것이 사실이지만, 오페라 공연에 따르는 연출과 기획 등의 모든 일들이 성악인들에 의하여 주도됨으로써 전체적으로는 종합예술적인 특성을 지닌 오페라가 아닌 성악위주의 오페라가 되어 왔으며, 창작오페라 역시 이러한 상황 속에서 예외일 수는 없었다. 본 논문은 한국 창작오페라의 발전과정을 중심으로 연구함으로써 한국 창작오페라를 반성해 보고 한국 창작오페라의 발전적 방향을 제시하고자 한다. Since the late 16th century when Opera was started by Camerata group in Firenze, Italy, it has continued to be positioned as general art for 4 centuries. Since ancient times, mankind has had an instinct to insert music into the drama and such an instinct has been vented out through religious ceremonies or other rituals, which gave birth to opera. It was in 1885 that the Western music was introduced to Korea, and 63 years later, a full-scale opera started in 1948. The first opera "La Traviata" was performed by Kukje Opera Sa under the direction of the Late Lee, In Sun. Meanwhile, the first creative local opera was "Chunhyangjon" Composed by Hyun, Jae Myong in 1950. During this period around 1950, the Western opera had already passed its culmination of Romanticism and attempted to incorporate such diverse and complicated modern techniques beyond Classicism and Romanticism as Jazz, movie, electronic music, twelve-tone technique of Atonal music. The Western opera may have been mature during this period. As discussed above, our creative opera started when the Western opera had been mature enough. The first creative opera of Korea was based on the early Italian opera form. Namely, Hyun, Jae Myong's creative opera "Chunhyangjon" reflected some characteristics of the melody-centered early Italian opera. Although Korea creative opera has such a short history, as many as 35 opera works have been appeared for half a century (1950 ∼ 1997). The creative operas which have been initiated mainly by The National Opera Company of Korea and Kim Cha Kyung Opera Foundation seem to have accommodated the Western opera techniques evolved in a natural way even in terms of their musical techniques. Furthermore, those pioneers attempted to create a national opera genre by emplanted our national music elements onto the Western opera. In particular, Yun, Yi Sang suggested the possibility of introducing Korea operas to the world by composing "Simchong" for Munchen Olympics, and Lee, Young Jo's "Cheoyong" which was performed first in 1987 employed the harmonies and melodies of modern music based on the national sounds and added the elements of folklore dances and dramas. This opera work also applied in a more detailed and intricate way of organization and development the "Leitmotive(leading motive)" established by Wagner, and therefore, may well be duly appreciated as important Korean creative opera accommodating the late Romantic music and 20th century modern composing techniques widely. Despite such developments, many of our creative operas were performed just once, which suggests various potential problems impeding the development of our creative operas. Although Korea operas have grown owing to some musicians's devotion and sacrifices, they have been planned and produced all by vocal musicians, and thereby, our operas have become vocal operas. Creative operas may not be the exceptions. With such a background in mind, this study was aimed at reviewing the development of our creative operas and reflecting on them to suggest some progressive reform measures for the development of our creative operas.

W. A. Mozart Opera 《Cosi Fan Tutte》(K.V.588)의 분석 연구 : 2중창을 중심으로

최정석 檀國大學校 大學院 1991 국내석사

W. A. Mozart의 Opera 《Cosi Fan Tutte》는 Lorenzo·Da Ponte의 대본에 의한 것으로 1789년 작곡하기 시작하여 이듬해에 완성 되었으며, 그해 1월 26일 비엔나에서 초연 되었다. Mozart는 이 Opera에서 전통적인 대위법적 다성음악에 서정적이며 유려한 선율을 가진 낭만적민 양식을 첨가하여 한층 높은 예술의 세계를 보여주고 있다. 또한, 시대의 관습을 다루었을 뿐 아니라 연인들의 사랑을 해학적으로 풍자하는 내용을 복합해서 다루고 있다. 이를 위하여 Buffa적인 면은 물론 Seria적인 면을 함께 도입 하였고, 등장 인물의 성격도 예리하게 표출 시키고 있는데 그 안에서 서로 대조되는 심리격 변화와 내면적인 욕망을 밖으로 끌어내어서 누구나 가질 수 있는 인간의 참 모습을 보여주고 있다. 이러한 목적으로 젊은 두쌍의 연인을 중심으로 Opera를 전개 시킨다. 본 논문은 이 Opera의 2중창을 중심으로 다음과 같은 내용을 연구 하였다. Ⅰ.장에서는 연구의의와 목적 연구의 내용 및 범위 Mozart의 성장 과정 작곡 경위와 배경 작품 성격 등을 다루었으며 Ⅱ. 장에서는 등장 인물및 줄거리를 요약 하였고, 이 Opera에 나오는 2중창을 중심으로 가사, 형식, 리듬, 화성, 선율등의 음악적 양식을 분석하였다. W.A.Mozart opera<Cosi fan Tutte> is based upon a libretto by Lorenzo, da ponte. Mozart began to compose<Cosi fan Tutte>in 1789 and completed next year. On Jan 26, at 1790, <Cosi fan Tutte> was performed for the first time. In this opera, Mozart expressed prestigeous art showing more elegant melody. harmony and rhythm based on traditional idiom. He handled story of that opera from custom of conservative period to satrical social phenomenon humorously. For this opera, traits of buffa and opera seria are used, and Character's personalities are expressed sharply. As presenting contrasted psyclogical changes and inner desires human's true hearts that everyone could symphathize were shown in that story. On the purpose of expressing above theme, this opera was open letting two young couple to be appealed. This study is researched focussing on Duet. Chapter One, Purpose and method of the thesis Contend and range Growing background of Mozart Composing process and background Composing trend Chapter two, Characters and plot Words of a song, style, rhythm, harmony and melody, the musical forms were analized. As analyzing each part of duet, psychological conditions through personalities of two persons and traits shown in music were researched.

Opera史에 큰 影響을 끼친 Gluck의 Opera "Orfeo ed Euridice"에 대한 硏究

이형림 檀國大學校 大學院 1986 국내석사

300 餘年 동안 Italy를 中心으로 이어져 내려오던 興味中心的이고 歌手의 技巧른 最高로 發揮할 수 있었던 OPERA가 Austria의 著名한 作曲家 Christoph Willibald Gluck(1714∼1787)에 의해 改革되었다. 現代的 意味에서 OPERA는 Greece 古代 文化의 復興를 志向하는 Renaissance의 一環으로저 劇과 音樂을 結合한 새로운 音樂運動의 하나였다. 이에 Gluck은 그의 OPERA에 “單純牲”이라는 고전적인 理想을 다시 表現하여 簡潔과 眞實을 Motto로 해서 虛飾을 버리고, 劇 그 自體에 充實한 作曲을 함으로써, 劇과 音樂과의 造化펀 均衡을 찾는 것이 그의 改革의 意義라 하겠다. Gluck의 作品 中 〈 Orfeo ed Euridice 〉는 그의 새로운 出發을 意味하며, 近代 OPERA의 第一步를 내디딘 作品이다. 이 〈 Orfeo ed Euridice 〉의 詩(臺本)에는 그 時代의 因習과 情緖를 벗어나려는 傾向이 극히 明瞭히 나타나있으므로 Gluck을 OPERA의 改革者로 보는 理由가 改革宣言과 함께 이러한 作品을 썼기 때문이다. 本 論者는 Gluck이 OPERA를 改革하게 된 面貌와 全般的인 音樂의 特性 및 音樂的 貢獻을 敍述하고, 作品 〈 Orfeo ed Euridice 〉를 통하여 作品에 內包된 文學的 思想과 이 作品의 音樂的 特性을 考察하여 臺本에 따른 和聲分析을 하고자 한다. 이 OPERA 作品의 旋律은 華麗함을 나타내기 위하여 裝飾音(Auxiliary tone)과 非和聲音(Un-Essential Note)등을 使用하며, 劇的 雰圍氣를 表出해 내기 위해 당시로서는 劃期的이라 할 修飾的인 變化和音(Al-tered Chord)을 使用하였다는 것과 單純한 旋律의 素材에 따른 平易한 和聲을 使用하였음을 把握할 수 있었다. The opera, in which the interest-emphasized singers' technique had been displayed to the full extent over 300 years with Italy as center of the opera, was reformed by the noted composer Christoph Willibald Gluck, 1714-1787. In a modern sense, the opera was one of the new music movement of the drama and music combination as a part of the rehabilitation-oriented Renaissance of the Greek ancient literature. In this respect, we may take it very significant in his reform that Gluck tried to get harmonious balance between the drama and the music by making unaffected compositions only substantial to the drama itself through his re-expression of the classical ideal, the "Simplicity", in his opera with a motto of conciseness and truthfulness. Of the Gluck's works, the "Orfeo ed Euridice" indicating his new start is a work of his initial trial towards the modern opera. In the poet (libretto) of the "Orfeo ed Euridice", we can clearly see che tendency for Gluck to get away from the conventionalities and sentiments of the days, and he can be taken as an opera reformer as he wrote such work with his decralation of the reform. This study is intended to discuss on the profile that lead Gluck to initiate the reform of the opera, his overall musical characteristics and his contribution to the music, and also to make analysis and full understanding in relation to the libretto by reviewing the literal thought and musical characteristics involved in his work through the "Orfeo ed Euridice". The rhythmical movements of the Opera work makes us fully understand and fell that Gluck used the auxiliary not and unessential note to show magnificence and also used the modified altered note, a great epoch of the tiems, to present dramatic atmosphere and the plain harmony in accord with the theme of simple rhythm.

오페라로서의 문학 : 뿌슈낀과 차이꼽스끼의 '예브게니 오네긴'

이현정 연세대학교 대학원 2008 국내석사

The process of successive process of a work of literature being transposed into opera, and the opera being performed on stage, is a new interpretation and criticism on the original text. In particular, when a work of literature is being transferred to opera, because the principles involved in creating a libretto through selective adaptation of the original work show clearly the essential aesthetics of the composer, they are useful in understanding the basis for the reinterpretation. Tchaikovsky’s opera 'Eugene Onegin'is one of the best examples of this category because Tchaikovsky specifically chose scenes from Pushkin’s Eugene Onegin that clearly revealed the emotions of the characters in creating the libretto and endowing it with music.For Tchaikovsky, opera was an art form that could directly deliver to the audience the inner aspects of not only himself but also the characters in the story. In chapter two, the successive process through which Tchaikovsky, who had deeply sympathized with the various emotions and fates of the characters, tried to communicate those emotions to the audience. The composer excluded from the opera libretto what is the most important characteristic of the original work, the narrator’s digressions, as well as descriptions of nature, fantasy segments, and backgrounds of the characters. At the same time, the characters were made to sing directly of their love, pain, despair, and fervent desires by themselves. By restructuring the original work in which many layers of the story come together harmoniously into a story that progresses by following the emotions of the characters that become clearly revealed, the composer bestowed a psychological tension to the entire opera. This creation principle remains the same in Tchaikovsky’s other operas.In chapter three, this paper examines how Pushkin’s characters become formalized in the opera and what extreme meanings and images they reflect. Tchaikovsky captured the moments when the emotions of the characters were revealed most intensely and described those feelings directly as dialogue, and at the same time, expressed them also through the musical narrative such as the melody of the vocal music or the harmony of the orchestral music. The characters could thus reveal their deep inner selves as Tchaikovsky wished, but they could no longer possess the suggestive and symbolic significances that were in the original work. In this way the composer revealed the emotions of the characters he sympathized with by deepening the emotions with linguistic and musical expressions, and boldly excluding the elements that obstructed that emotional sympathy. As a result, although the characters of Tchaikovsky’s ‘Eugene Onegin’ were critiqued as simplistic, it could become an opera that was lyricaland psychological, in which the emotional changes of the characters led the flow of the plot and created conflict.Chapter four focuses on the dramatic aspect of the opera. The actual performance of the opera ‘Eugene Onegin’ is a new interpretation of Tchaikovsky’s principles and the significance of Pushkin’s original work. Tchaikovsky had planned his opera realistically and plainly in order to differentiate it with the grand, sumptuous, and sentimental operas of his time, and thought that if an audience that could sympathize with the emotions of the characters were to be put together with actors who were not tainted with the conventions of their age, the performance could be successful without artificial and dramatic effects. To be sure, from its first performance on to recent years, the producers of ‘Eugene Onegin’ have objectively interpreted the composer’s creation and ceaselessly looked into the original work in order to discover their directorial point. The results were reproduced on the stage in terms of customs, lighting, and actor’s images.In spite of the criticism that it had defiled Pushkin’s original work, Tchaikovsky’s ‘Eugene Onegin’enjoyed great success as opera. This was likely because the opera’s libretto and music which stayed faithful to the composer’s aesthetics ultimately produced a new meaning that was different from the original work. In other words, it can be said that ‘Eugene Onegin,’ with its libretto and music that followed a new theme that the composer discovered anew in the original work, interpreted it from a new perspective rather than damaging it. Moreover, by endlessly creating other interpretations in the performance of the opera, it plays a pivotal role in leading the conversation between the different art forms, the original work, the opera, and stage performance. 문학작품이 오페라로 전환되고, 오페라가 무대에서 상연되는 일련의 과정은 이전 텍스트에 대한 새로운 해석이며 비평이다. 특히 문학작품을 오페라로 옮길 때, 원작을 선택적으로 각색하는 대본의 창작 원리는 작곡가 고유의 미학을 잘 보여주기 때문에 재해석의 기저를 파악하기에 용이하다. 차이꼽스끼의 오페라 <예브게니 오네긴>은 이 범주의 가장 좋은 예이다. 차이꼽스끼는 뿌슈낀의 『예브게니 오네긴』에서 특히 인물들의 감정이 잘 드러나는 장면들을 선택하여 대본을 구성하고 음악을 부여하였기 때문이다.차이꼽스끼에게 오페라란 자신의 내면 뿐 아니라 등장인물의 내면을 청중에게 직접적으로 전달 할 수 있는 예술형식이었다. 2장에서는 인물들의 여러 감정과 운명에 깊이 공감한 차이꼽스끼가 그 감정들을 청중에게 전달하려 노력한 일련의 과정을 살펴본다. 작곡가는 원작의 가장 중요한 특징인 서술자의 일탈은 물론, 자연의 묘사, 환상적인 부분, 인물의 배경 등을 오페라 대본에서 제외시켰다. 동시에 인물 스스로가 자신의 사랑, 고통, 좌절, 열망 등에 대해 직접 노래하게 했다. 여러 층위의 이야기가 조화를 이루는 원작으로부터 명백히 드러나는 인물의 감정에 따라 이야기를 이어가는 ‘서정적 장면들’로 재구성함으로써, 작곡가는 오페라 전체에 심리적인 긴장감을 부여하였던 것이다. 이는 차이꼽스끼의 다른 오페라들의 창작원리와도 동일하다.3장에서는 뿌슈낀의 인물들이 오페라에서 어떻게 형상화되었는지, 어떤 극적 의미와 이미지를 반영하게 되었는지 살펴본다. 차이꼽스끼는 인물의 감정이 가장 강렬하게 드러나는 순간을 포착하여 그 때의 느낌을 직접적인 대사로 묘사하는 동시에, 성악의 선율이나 관현악의 화성 등과 같은 음악적 내러티브를 통해서도 표현하였다. 그리하여 인물들은 차이꼽스끼의 바람대로 자신들의 깊은 내면을 드러낼 수 있었지만, 원작에서의 함축적이고 상징적인 의미는 더 이상 가질 수 없었다. 이렇게 작곡가는 자신이 공감하였던 인물들의 감정을 언어 표현과 음악적 표현으로 심화시켜 나타내었고, 감정의 공감을 해치는 요소들은 과감하게 생략하였다. 그 결과 오페라의 인물들이 단선적이라는 평에도 불구하고 차이꼽스끼의 <예브게니 오네긴>은 인물의 감정 변화가 극의 흐름을 주도하고 갈등을 만들어내는 서정적이고 심리적인 오페라가 될 수 있었다.4장은 오페라의 연극적 측면을 중심으로 한다. 오페라 <예브게니 오네긴>의 실제 공연은 차이꼽스끼의 원칙과 뿌슈낀의 원작의 의미를 변주한 새로운 해석이다. 차이꼽스끼는 자신의 <예브게니 오네긴>을 웅장하고 화려하고 감상적인 당대의 오페라들과 차별화하기 위해 사실적이고 소박한 규모의 오페라로 기획하였고, 인물들의 감정에 공감할 수 있는 관객과 당대의 관습에 물들지 않은 배우가 함께 한다면 인위적이고 극적인 효과 없이도 성공적인 공연이 될 수 있다고 생각하였다. 초연은 물론 최근 몇 년 사이 공연된 <예브게니 오네긴>의 연출가들은 작곡가의 창작물을 객관적으로 해석하고 원작을 끊임없이 의식하여 연출의 포인트를 찾았다. 그것은 무대 위에서 의상, 조명, 배우의 이미지 등으로 재현되었다.뿌슈낀의 원작을 모독했다는 비판에도 불구하고 차이꼽스끼의 <예브게니 오네긴>은 오페라로서 큰 성공을 거두었다. 이는 작곡가의 미학에 충실한 오페라의 대본과 음악이 결과적으로 원작과는 다른 새로운 의미를 창출하였기 때문일 것이다. 즉, <예브게니 오네긴>은 작곡가가 원작에서 새로이 찾아낸 주제에 이어지는 대본과 음악으로서 원작을 훼손했다기보다는 원작을 새로운 관점에서 해석했다고 할 수 있다. 또한 오페라 연출이라는 또 다른 해석을 끊임없이 창조하며 원작과 오페라, 그리고 무대연출이라는 서로 다른 예술형식 사이의 대화를 이끄는 중추적 역할을 하고 있다.

민간 오페라단의 경영 성과 비교연구

김윤규 서울시립대학교 2009 국내석사

국문 초록 민간 오페라단의 경영 성과 비교 연구 1948년 이인선(李寅善)이 조직한 조선오페라협회 주최로 베르디의 오페라 '춘희'가 국내에서 최초로 공연된 이후 60년 동안 국내의 오페라단은 수도권에 약40여개 오페라단이 활동하고 있고, 지방에도 약 60여개의 오페라단이 활동을 하고 있다. 이렇게 많은 오페라단이 연간 한편의 오페라를 무대에 올린다면 약 100여회가 넘는 오페라가 공연되는 것이다. 실제 '문예연감' 의 조사에 따르면 1998년 연 105회 이던 오페라 공연 횟수가 매년 꾸준한 증가 속에 2006년에는 연 154회의 오페라 공연을 기록한 것으로 파악이 되었다. 이러한 오페라의 꾸준한 발전 속에서 많은 민간 오페라단들이 각자의 목소리로 오페라의 발전 방향을 제시하고 있으며, 2008년에는 민간차원의 오페라단 연합회가 출범하여 민간 오페라단들의 자체 자립 능력을 키워 나가고 있다. 그러나 일부 일각에서는 신생 오페라단의 난립과 그로인한 오페라 공연의 질적 저하를 걱정하고, 공연 레퍼토리의 중복, 제작의 영세화, 미비한 자립도, 예술성과 흥행성 사이에서 오는 갈등과 부조화를 극복하기 위한 민간 오페라단의 대책을 요구 하며, 민간 오페라단의 진정한 발전을 바라고 있다. 민간 오페라단이 발전하기 위해서는 예술적 철학과 함께 제작환경을 각각의 오페라단 실정에 맞도록 조정 하여야 하며 예술적 가치의 경영성과와 경제적 가치의 경영성과를 이루어내야 한다. 민간오페라단이 가지고 있는 자율성은 창조적 예술작품 탄생의 초석이며, 올바른 예산편성과 집행은 경제적 성공을 가져 올 수 있다. 민간오페라단은 직접 경험(경영상의 적자)을 통한 제작 환경의 변화 보다는 자료 수집이 가능한 오페라단의 오페라 제작 예. 결산 자료를 바탕으로 올바른 예산편성과 집행이 이루어져야 할 것이다. 오페라단의 직접 경험이라면 오페라 제작 후 얻어지는 여러 가지 경험치를 말한다. 직접 경험에는 많은 위험 요소가 존재한다. 오페라 제작에 필요한 예술적 경영 성과와 경제적 경영성과의 경험치를 본 연구가 제공하여 민간오페라단의 오페라 제작에 필요한 예술적 가치의 성공과 함께 경영성의 향상을 기대해본다. 본 연구는 기존의 선행 연구를 바탕으로 오페라단의 발전 방안을 제시하고자 하였으나 선행연구의 부재로 최적의 대안을 찾는데 어려움이 있었다. 오페라단의 예. 결산 자료는 민간오페라단의 경영에 관련된 내부 자료로서 연구 자료로 활용 동의를 얻는 과정에 어려움이 있었다. 수집 가능한 정량자료를 바탕으로 인터뷰와 설문조사의 정성자료로 연구의 신뢰도를 높였다. 본 연구는 민간오페라단이 오페라단의 경영 성과 향상을 위해서 답습하고 복사하는 형태로 사용되는 연구가 아닌, 민간오페라단 경영 성과 향상을 위한 참고적인 자료로써 활용 되는 연구로 창출 하고자 한다. 민간오페라단의 경영성과 연구는 앞으로도 예. 결산 비교연구 이외에도 오페라의 성공적 공연과 민간오페라단의 발전을 위한 다양한 관점에서의 연구가 계속 되길 기대한다. ABSTRACT Comparative Financial Study of Private Opera Companies Since the Cho-Sun Opera Association organized by In Sun Lee performed the first opera in Korea, "La Traviata" by G. Verdi, in 1948, nearly 40 opera companies has been active in Metropolitan area and about 60 opera companies in other area. If each company presents an opera a year, there will be 100 performances a year. According to the survey 'literature year book', the number of performance has increasingly raised from 105 times in 1998 to 154 times in 2006. From this constant growth of opera production, many private opera companies suggest their own ways how to develop the opera. Additionally, the private opera association has been founded in 2008 and are making effort for their independent ability. On the other side, there have been concerns about a lot of new opera companies and their qualitative decline. Therefore, the private companies require the strategy for a success in order to solve the problems of the duplication of repertoire, a small scale of production, a defect of independence, and the conflict between art and business. For the expansion of private opera companies, the producing circumstances have to be adjusted based on their own situations, and artistic and economic value should be achieved for the better management result. The functional autonomy of the private opera companies lead a creative work of art, and the proper compilation of the budget and its execution bring out an economic success. The proper compilation of a budget based on collected information from other companies rather than direct experience is more useful. Opera company's direct experience means the value of experience after the production, which may involve many possibility of danger. By offering the research of the artistic result and the management experience of the opera production, the success of artistic value as well as the improvement of financial management for the opera production are expected. This study had difficulty finding the most suitable plan for lack of the previous study of opera company's development program. The collection of draft budget & settle accounts from other companies were also difficult to acquire. Based on the quantitative data, the qualitative data from the interviews and the inquiries help the reliability of this study. This study will be utilized as a reference to improve the management of the private opera companies. The further study with the different point of view should be engaged with the comparative study of draft budget & settle accounts for the successful production and the development of the private opera companies.

한국 오페라공연의 발달사와 향후 발전방향에 관한 고찰

원희정 경희대학교 교육대학원 1994 국내석사

「Realism」이 「Verismo Opera」에 끼친 영향에 대하여 : G. Puccini 의 Opera 「La Boheme」을 통해서

조은나 세종대학교 공연예술대학원 2012 국내석사

8. Abtract In the middle of the 19th century, realism was on the rise as the trend of art against romanticism which indulged in excessive idealistic mood and skepticism. As positivism began to be asserted due to the increase in material interest and scientific breakthrough, reality started to be expressed as it was. The essence of the society and human life was highlighted through the complete and earnest reenactments of reality or lively interrelationship between the society and the inside of human beings. The influence of realism was a milestone which enabled Italy to hand down the best masterpieces of opera these days. In particular, Giacomo Puccini’s Opera <La Boheme> has an obvious theme and basically, perfect plots and the art of versification strongly supports the opera. Based on the original work, H.Murger’s <Scene da 'La vie de Boheme'>, the president of record company, Giovanni Ricordi’s keen eye for a big hit, the script by the playwrights, Giuseppe Giacosa and Luigi Illica, the musicality of Giacomo Puccini were mixed with the golden ratio. Overall play proceeds as the fragmentary thoughts about love and friendship among the friends of those days run into the targeted point about death. The them of ‘love, death and friendship,’ drama and characters of distinct individuality gave a great inspiration for unique use of music. Rhythms leading the structures repeatedly reenacted by the theme express episodes, emotions and actual events, and especially they create realism that is connected with the past, the present, and the simultaneous future. Lines, music and repeated themes are not only just repeated but also recreated. Themes seem repeated, but they are moved to an overtone or played by different musical instruments. This is because drama is put on different situations and the events of the character are not static but unfolded, even if the theme is about the same character, Themes in drama shows conflicting balance between realism and symbolism. In other words, there is an antagonistic relationship in which hope protests against the terrifying reality like death. the structure of the play consists of the experience of Rodolfo and Mimi in such a conflicting relationship, the thoughts about the existence out of human beings through memories, the sense of guilty and the pang of conscience, awakening about their youth as unstable and vain status, death of Mimi, and each character’s way to deal with her death. In this structure, the flow of the music ends differently compared with established operas according to the ending about death. In Act 3 and 4, which run to the ending of drama, expands multiple meanings themselves. Musical expression by Puccini make concentrated expansion possible to the end. It cannot be insisted that only full-out presence of death in stage is the trend of realism. In particular, the reason that the trend of realism itself could markedly leave the trend of Verismo Opera in Italian opera was because of literary development, philosophical thoughts about the lowest bottom of human beings, and social structures between classes at that times. People made everything around themselves living the present the source of creating the art, not a distant illusion or nature. In this perspective, Opera La Boheme by Puccini fully revealed the reality on the stage. The attitudes of main characters that leave things to their fate not freeing themselves from restraints despite the love as fate, death and tragedy and the way of people at that time to deal with death are preceeded with a clear theme. The audience feel that the play and music become united as one when what is seen and heard makes harmony, and they can appreciate the opera of three-dimensional effect, which is different from other established operas.