20세기 전반기 미국여성 복식에 대한 연구 : 1910-1950년을 중심으로

손미숙 숙명여자대학교 교육대학원 1987 국내석사

복식은 우리 신체와 밀착된 문화의 일부분이라 할 수 있다. 문화가 그 시대의 정치적, 경제적, 사회적 제 요인과 밀접한 관련을 맺고 변화되어 가듯이 복식도 그러한 요인과 관련을 맺고 변화되어 가는 것이다. 그런데 세계사적인 시점에서 볼 때 1910년대부터 1950년 사이는 제 1,2차 세계 대전이라는 큰 정치적 사건이 일어나 변화가 극심했던 시기라 할 수 있다. 이 시기 동안에 여성 해방 운동이 활발히 전개되었으며 교통, 무역의 획기적인 발전과 아울러 기계 생산, 섬유의 가속적 혁신이 이루어졌다. 그로 인해 복식의 일반 사회화와 세계화가 행해져 복식 유행의 시기를 이루어 오게 된 것이다. 복식사에서 이 기간 동안에 일어난 가장 주목할 만한 일은 패션계를 수 세기 동안 점유해 오던 프랑스 하이 패션(high fashion)이 제1,2차 세계 대전을 계기로 사양화 현상을 나타냈으며, 이른바 미국이 패션의 중심지로 부상하게 된 현상이라 하겠다. 미국은 제1,2차 세계 대전을 계기로 세계적인 경제적 지위를 확립하게 되어 최대 강국으로 올라 서게 되었다. 이 당시 유럽 여러 나라들이 전쟁으로 고통받고 있을 때에 미국은 무기, 군수품, 원료, 식량 생산에 주력하여 부를 축척하게 된 것이다. 이 당시 미국 여성들은 정치적 참정권 획득으로 인하여 경제적으로 독립하는 여성이 많아지게 됨에 따라 그들의 생활 방식이 변화 되어 여성의 복장에 직접적인 영향을 미치게 되었다. 또, 영화 배우들이 미국 여성 복식에 큰 영향을 미쳤으며 미국의 의류업자들은 프랑스의 유명 디자이너(designer)들의 디자인을 사다가 그것을 단순화하여 대량 생산하는 기성복 산업을 성행시켰다. 미국의 젊은 세대들은 그들의 성 개방 풍조 및 자유사상, 재즈(Jazz)의 보급, 야외 스포츠 발달 등으로 스포츠 웨어(sports wear)와 캐쥬얼 웨어(casual wear)를 유행시키는데 큰 몫을 담당하기도하였다. 이러한 미국인의 개척 정신과 실용주의 사상을 배경으로 형성된 캐쥬얼 웨어는 현대 민주사회의 기본 개념인 자유, 평등, 사상을 근저로 하였기 때문에 오늘날, 여성복으로까지 계속 이어져 내려오게 된 것이다. 그러나 제1,2차 세계 대전을 계기로 일시적으로 패션의 중심지가 미국으로 옮겨지긴 하였으나 미국은 주로 기성복 패션과 그들의 민속 복식 및 캐쥬얼 웨어를 세계적으로 유행시키는데 큰 역할을 하였을 뿐이며 하이 패션을 주도하는 데에 있어서는 프랑스의 영향력을 무시할 수 없다고 하겠다. Generally speaking, 'the fashion' is a part of our culture which is adhere to our body. Just as the culture have been changed in the intimate relations with every political, economical and social all of factors, the fashion also have been changed in that relations. The period of 40 years (1910-1950) had been a time of great change, 'cause the breaking of the great historical events so called 'the 1st and the 2nd World wars. During this time the movement of the emancipation of women had been vigorously done. And the machine productions and fibers are innovated with increasing speed and long with the epochal development achievements in the traffic and trade. Cause by these, fashions generalization and internationalization had been accomplished and hence the times of fashion had established and arrived. In the history of fashion, the most noticeable facts in this period were France high fashion who had been occupied fashion world few centuries fell into the shade by reason of the 1st and 2nd World wars and America rose as a center of fashion world. Upon the opportunity of the 1st and 2nd World Wars, America established her economical position in the world and rose to the strongest country. So America stored the wealth due to concentrated her effects on production of arms, war supplies, materials and provisions when many countries of Europe suffered from war. At that times, American women who become economic independent with acquisition of political rights were increased. So their living form was changed and it influenced their dresses directly. Another greatest influence on American women's fashion was stage costumes of actor and actress. American traders concerned clothing had bought designs of French famous designers and made their ready-to-wear industry prevalent. The rising generation of America played on important part in fashion of sports wears and casual wears by reason of their tendency of free-sex, liberal ideas, propagation of jazz, growth of field sports and etc.... The casual wears which formed in background of the frontier spirit and idea of pragmatism have been existed up to this days fashion of women, for it had idea of liberty and equality which are the basic idea of democratic society as a foundation. It is true that the central place of fashion move into America for a time by the moment of the 1st and 2nd World war, but America only played great role in fashion spreading of ready-to-wear industry, folk costumes and casual wears internationally. So we could not ignore France's influencing power in leading 'high fashion'.

Rewriting Innocence : Innocence after the Acquisition of Knowledge in 1880-1920 American Novels

유이나 서울대학교 대학원 2021 국내박사

본 논문은 20세기 전환기에 쓰여진 미국소설들을 살펴봄으로써 무지와 정치적 이데올로기로 정의되어 온 순수 개념을 재구성하고자 한다. 지금까지 순수는 주로 순진함, 세상에 대한 지식의 결핍 또는 미국이 약자에 대해 자행한 범죄를 은폐하는 정치적 수단으로 규정되어 왔다. 미국의 건국부터 순수가 국가 정체성을 형성해온 것이 사실이라면, 이러한 순수의 의미에는 양자 모두 문제점이 있다. 무지로서의 순수는 지식의 획득과 함께 상실되기 때문에 지속될 수 없다. 지식이 생기면 사라지는 무지로서의 순수는 시간이 지날수록 축적되는 지식의 특성상 국가 정체성을 구성하는 역할을 이어가는 것이 불가능하다. 폭력과 범죄를 은폐하는 정치적 이데올로기와 동일시되는 순수는 타락 또는 부패의 부재를 의미하는 순수의 의미와는 모순되고 반대되는 개념이다. 따라서 현 시점에서 순수는 지식을 포함하고 순수의 본래 뜻에 상응하는 의미로 재구성되어야 한다. 미국의 역사 속에 시간이 흐르며 지식이 계속 축적되어가는 상황에서 순수가 국가 정체성을 구성하는 역할을 지속하기 위해서는 지식의 축적과 함께 형성되고 지식의 개념을 포함하는 개념으로 재정립되어야 할 것이다. 본고는 19세기 말과 20세기 초에 헨리 제임스(Henry James), 마크 트웨인(Mark Twain), 에디스 와튼(Edith Wharton)에 의해 출간된 소설들을 통해 순수의 의미를 재고한다. 19세기 말 무렵 미국은 국제사회에서 강대국으로 자리 잡아가기 시작하면서 국가 정체성을 재정립하기 위해서 순수 개념을 사용한다. 20세기 전환기에 가속화된 산업화, 도시화, 현대화의 영향과 더불어 미국의 국제사회로의 확장으로 인하여 새로운 지식들이 대규모로 급속하게 생성되고 축적된다. 새로운 국가 정체성을 구성하는 과업에 순수 개념을 차용한 이 시기의 핵심 쟁점은 순수와 지식이 결합하는 가능성과 방식이다. 20세기 전환기의 미국이 스스로에게 던진 중요한 질문은 세상과 악에 대한 새로운 지식이 계속 축적되어가는 상황에서 어떻게 순수가 보존되고 유지될 수 있는가이다. 제임스의 『여인의 초상』 (The Portrait of a Lady, 1881), 트웨인의 『허클베리핀의 모험』 (Adventures of Huckleberry Finn, 1884), 와튼의 『순수의 시대』 (The Age of Innocence, 1920)는 공통적으로 19세기 말과 20세기 초의 순수와 지식의 결합에 대한 관심을 반영한다. 제임스는 순수가 지식, 특히 악에 대한 지식과 맺는 관계를 탐구한 작가이다. 트웨인은 성장소설을 통하여 순수, 성장, 지식의 결합에 대해 고찰하였다. 와튼은 사회구조와 사회관계의 작동방식에 대한 지식이 획득되는 가운데 어떻게 순수가 유지될 수 있는지를 모색한다. 이 작가들의 작품에서 순수는 무지 또는 정치적 이데올로기가 아니라, 순수의 어원인 타자를 해하지 않는 의도를 가지는 것으로 나타난다. 순수란 타자에 대하여 범죄행위나 부패를 자행하지 않는 것을 의도하는 것을 의미한다. 이 세 작가들의 소설에서 순수는 다른 사람들의 이익이나 이들과의 조화로운 관계를 유지하기 위해 자신의 이익을 포기하는 방식으로 나타난다. 순수는 다른 타자와의 관계와 타자의 이익을 위하여 더 많은 시간, 노력, 헌신, 희생을 요구하기 때문에 그냥 얻어지는 것이 아니라 값을 치르고 나서야 얻을 수 있다. 그렇기 때문에 순수는 사람들이 쉽게 찾거나 이루어지지 않지만, 동시에 순수가 추구되고 성취될 때에는 그만한 가치가 있다. 제임스의 『여인의 초상』을 다루는 본론 1장에서는 순수와 지식 획득의 관계를 논의한다. 이사벨(Isabel)이 비참한 지식(miserable knowledge)을 획득하고 자신만의 방식으로 흡수하는 과정을 통하여 이 작품은 순수와 지식이 어떻게 결합하는지를 모색한다. 이사벨은 비참한 지식을 일종의 배움의 원천으로 인식하고, 자신에게 이 지식이 결핍되어 있다는 이사벨의 자의식은 그녀가 의도적으로 비참한 지식을 추구하도록 이끈다. 이러한 추구의 일환으로 오스몬드(Osmond)와의 결혼을 선택한 이사벨은 그녀가 순수하다고 믿었던 오스몬드와 멀(Merle)이 자신들의 이익을 위해 그녀를 이용하고 속였다는 비참한 지식을 얻게 된다. 이들에 대한 복수를 선택하는 대신, 이사벨은 악을 악으로 되갚지 않겠다고 결심한다. 이사벨은 오스몬드와 멀이 지은 죄의 산물인 팬지(Pansy), 그리고 자신을 배신한 오스몬드와의 관계를 유지한다. 이사벨의 선택은 자신에게 악행을 저지른 이들에 대한 복수는 더 많은 악을 생성하기에 이를 방지하려는 의도에 기인한다. 그녀를 의도적으로 비참하게 만든 사람들을 포용함으로써 이사벨은 악을 선으로 갚는 순수의 의미를 재현한다. 트웨인의 『허클베리핀의 모험』에 대한 2장에서는 사회관계와 사회구조 내에서 발생하는 악에 대한 지식이 축적되면서 어떻게 순수가 보존될 수 있는지를 살펴본다. 흑인을 노예로 전락시키는 제도를 합법화하는 인종 이데올로기는 짐(Jim)의 인간성에 대한 헉의 인식이 확장되면서 문제시된다. 짐을 노예와 친구로 바라보는 관점 사이에서 헉이 겪는 갈등은 노예제 사회의 윤리와 개인의 순수 개념 사이의 충돌을 상징한다. 다른 백인들 앞에서는 짐이 자신의 노예인 것처럼 행세함으로써 헉은 사회 윤리에 순응하지만, 짐의 도망을 도움으로써 자신이 생각하는 순수를 실천에 옮긴다. 이 작품은 순수가 노예제 사회에서 어떻게 유지될 수 있는지를 근본적으로 질문한다. 또한 사회악에 대한 지식이 계속 축적되고 사회 윤리로 인해 제한받는 상황 속에서도 개인의 순수가 실현될 수 있는지를 모색한다. 헉이 톰(Tom)과 함께 짐의 탈출을 돕는 마지막 장면은 개인의 순수 실현이 사회와 다른 사회 구성원들과의 기준과 충돌하면서 겪는 어려움을 재현한다. 사회 윤리와 자신보다 높은 사회적 지위를 가진 이들에 의한 제한에도 불구하고 헉은 짐의 도망을 돕고 그의 인간성을 옹호하기 위해 사회적 불명예와 처벌을 감행하는 순수를 구현한다. 와튼의 『순수의 시대』를 다루는 3장은 20세기 전환기에 순수와 지식의 의미가 다양해지면서 순수가 복합적인 형태를 띠게 되고 복수형(innocences)으로 쓰이게 되는 것을 논한다. 뉴랜드(Newland), 메이(May), 엘런(Ellen)의 순수는 서로 다른 형태를 띠고 이들은 각자 자신만의 방식으로 순수를 추구하고 구현한다. 이 세 인물들의 순수가 다른 이들과 사회에 의해 쉽게 발견되거나 인식되지 않는다는 사실은 순수의 다양성은 복합적인 관점을 통해서만이 이해될 수 있다는 것을 시사한다. 이 인물들 중 어느 누구도 자신의 순수를 다른 사람들에게 인정받기 위해 애쓰지 않지만, 뉴랜드, 메이, 엘런은 무언 중에 각자가 순수를 추구하기 위해 치른 값을 알아차리고 이해한다. 뉴랜드는 사랑의 열정을, 엘런은 뉴욕사회의 구성원이 되기를 포기하고 메이는 다른 여성에 대한 남편의 사랑을 감내한다. 이들의 희생은 서로를 위한 것이고 순수란 자신에게 소중한 것을 포기하는 값을 치러야 하지만, 타자의 보호와 타자의 이익을 목적으로 하기 때문에 가치가 있다. 서로에 대한 침묵 속의 이해와 애도 속에 뉴랜드, 메이, 엘런의 희생은 이들이 의미있는 삶을 지속할 수 있도록 지탱해준다. 본고에서 순수는 다른 사람들에게 해를 입히지 않는 것을 의도하는 것으로 정립 되면서 순수를 무지와 정치적 이데올로기로 정의하는 기존 순수의 의미를 재구성한다. 순수는 세상과 악에 대한 지식의 소유와 다른 사람에게 해를 입히지 않는 목적으로 이 지식을 사용하는 것을 전제로 한다. 20세기 전환기에 순수가 띠게 되는 복합적인 형태는 순수가 미국 사회의 지속되는 변화에 맞추어 국가 정체성을 형성할 수 있는 가능성을 열어준다. 시간이 흐르면서 새로운 지식이 계속 축적되는 미국 역사에서 지식과 결합된 순수는 유지될 수 있다. 20세기 전환기에 쓰인 제임스, 트웨인, 와튼의 작품들은 지식의 획득 이후에도 보존되는 순수를 재현한다. This dissertation attempts to rewrite the notion of innocence as ignorance and political ideology by examining American novels written at the turn of the twentieth century. Thus far, innocence has frequently been defined as naïveté and lack of knowledge about the world as well as a political means to conceal the violence committed against marginalized groups. If innocence has constituted national identity since the birth of America, both meanings of innocence are problematic. Innocence as ignorance is not endurable as it will be lost at the time of knowledge acquisition. As knowledge is accumulated over time, innocence as ignorance, which would disappear once knowledge is gained, cannot continue to constitute national identity. Innocence equated to political ideology embodies violence and crime which is discrepant from the meaning of innocence as “lack of corruption” (“Innocence,” Oxford). Therefore, innocence needs to be revised as a notion that incorporates knowledge and that corresponds to its original meaning. As America accumulates more and more knowledge over time, innocence needs to survive and be formed in conjunction with knowledge in order to continue to constitute national identity. This study examines three American novels written in the twentieth century by Henry James, Mark Twain, and Edith Wharton. During the late nineteenth and the early twentieth centuries, America adopts the rhetoric of innocence in order to refashion its national identity as it establishes itself as a global power. The escalation of industrialization, urbanization, and modernization together with America’s international expansion at the turn of the twentieth century led to a rapid and large scale accumulation of new types of knowledge. During this period, faced with the task of forming a new national identity by adopting the rhetoric of innocence, the prominent issue becomes the union of innocence and knowledge. One of the questions that America at the turn of the twentieth century is concerned with is how to preserve innocence when knowledge about the world and its evils continues to be accrued. James’s The Portrait of a Lady (1881), Twain’s Adventures of Huckleberry Finn (1884), and Wharton’s The Age of Innocence (1920) reflect America’s preoccupation with the combination of innocence and knowledge at the turn of the twentieth century. James is concerned with the union of innocence and knowledge, especially knowledge about evil. Twain examines how innocence, growth, and knowledge can be combined. Wharton explores how innocence can be maintained while knowledge about the mechanism of social structure and social interaction is acquired. In their novels, innocence is not defined as ignorance or political ideology but as a notion that corresponds to the origin of innocence: not harming others (“Innocence,” Oxford). Innocence means intending not to cause offence, crime, or corruption in relation to others. In the novels of James, Twain, and Wharton, innocence is demonstrated by characters who renounce self-profit for the benefit of others or for maintaining relations with them. Innocence comes with a cost as it usually demands time, effort, dedication, and sacrifice on the part of those pursuing it. This explains why innocence is unpopular and occurs seldom; simultaneously, it also suggests the value of innocence when it is pursued and achieved. The first chapter, “Miserable Knowledge in Henry James’s The Portrait of a Lady,” examines the relationship between innocence and acquisition of knowledge. Through Isabel’s acquirement of miserable knowledge and the process of absorbing this knowledge, The Portrait of a Lady explores how innocence and knowledge are united. She regards miserable knowledge as a source of instruction, and her awareness that she lacks this knowledge leads her to pursue the acquirement of miserable knowledge consciously and deliberately. Her marriage to Osmond leads Isabel to obtain the miserable knowledge that Osmond and Merle, whom she believed to be trustworthy and innocent, have used and deceived her for financial profit. Instead of taking revenge, Isabel determines not to repay evil with evil. Isabel maintains her relationship with Pansy who is the product of Osmond and Merle’s sin and her relationship with Osmond that has betrayed her. Isabel’s choice stems from her belief that avenging those who have committed evil against her will only produce more evil. By embracing the people who have intentionally made her miserable, Isabel demonstrates the meaning of innocence as repaying evil with good. In the second chapter, “Knowledge Game in Mark Twain’s Adventures of Huckleberry Finn,” it is explored how Huck’s growing knowledge about social evils can be combined with innocence. The racial ideology that endorses and legitimatizes black people as slaves is problematized by Huck’s increasing awareness of Jim’s humanity. Huck’s oscillation between regarding Jim as a slave and as a friend represents the collision between the social morality of slaveholding society and an individual notion of innocence. By acting as if Jim is his slave in the presence of whites, Huck complies with social morality; however, by helping Jim escape, Huck is carrying out his individual notion of innocence. The novel ultimately questions how innocence can be maintained in a slaveholding society. It explores whether it is possible for the individual, who constantly accumulates knowledge about the evils of the world through socialization, to realize innocence in spite of the constraint imposed by social morality. The controversial scene wherein Huck helps Jim escape with Tom suggests the difficulty of actualizing an individual notion of innocence as it collides with the standards of society and of others. Although Huck is constrained by social morality and by those who occupy more dominant positions in society than himself, he demonstrates his innocence by risking social disgrace and punishment for the sake of helping Jim escape and advocating Jim’s humanity. The third chapter, “Tacit Knowledge in Edith Wharton’s The Age of Innocence,” illustrates how the meanings of innocence and knowledge become diversified at the turn of the twentieth century. As a result, innocence comes to have multiple forms and therefore should be called innocences. In the novel, the innocences of Newland, May, and Ellen remain tacit and unnoticed by others but take forms that are different from each other. Thus, each character is innocent in their own way. The fact that their innocences cannot be easily detected or noticed by others and by society indicates that the plurality of innocence can be only understood from multiple perspectives. While no character attempts to make his/her innocence understandable to others so as to gain comfort or recognition, Newland, May, and Ellen silently comprehend the cost they each pay for pursuing their own notions of innocence. Newland renounces passionate love; Ellen gives up her membership of New York society, and May endures her husband’s love for another woman. Their sacrifices are made for each other, and their innocences suggest that innocence comes with a price; it is valuable because it intends to protect and benefit others. In their silent understanding and mourning for each other, Newland, May, and Ellen’s sacrifices sustain them to lead meaningful lives. In this study, innocence is established as intending to cause others no harm which rewrites the previously defined meanings of innocence as ignorance and as political ideology. Innocence premises the state of possessing knowledge about the world and about evil and using this knowledge for the purpose of causing others no harm. Innocence combined with knowledge becomes endurable while new types of knowledge continue to be accumulated in American history. The novels written at the turn of the twentieth century by James, Twain, and Wharton embody an innocence that can be sustained after the acquisition of knowledge. The plural forms that innocence comes to take at the turn of the twentieth century opens the possibility for innocence to adapt itself to the changes of American society over time.

19세기 프랑스 무용비평이 20세기초 미국 무용비평에 미친 영향

심정민 이화여자대학교 2000 국내박사

This dissertations aim lies in delving into the historical importance of pre-modern dance criticism, and in addressing the coherence between the 19th century and the 20th century dance criticism, by elaborating on the crucial impacts that French dance criticism in the 19th century gave on the American dance criticism in the early 20th century, which will limelight the cross-the-board dance criticism in the view of historical context. Two factors were involved in burgeoning of pre-modern dance criticism in France in the 19th century. First of all, ballet that was recognized as the first dance art began to gain a newly-acquired reputation as a real art that other fields of art had enjoyed. Additionally journalistic newspapers and magazines which were strongly tinted with literary and critic interests spurred theatrical arts criticism to bloom like a wildfire. This aggressive activities in criticism in French journalism were attributed to intentional avoidance of the French journalistic media that had been politically censored and suppressed. They had found a new domain of interest called culture and art criticism. This study shows that pre-modern dance criticism originated in French romantic ballet days in the 19th century had bearing on American dance criticism in the early 20th century. This research analyzes practical influences of French dance criticism represented in early American dance criticism. And it compares critical viewpoints of Th ophile Gautier who spearheaded French arts critics at that time with those of both Carl Van Vechten and Edwin Denby who led the pack of American dance critics in the 20th century. We find out that the tradition at newspapers in placing dance criticism, the critics viewpoints for dance, and the critics judgement on artistic dancing values, adopted by the 20th centurys budding American criticism, were inherited from the French pre-modern criticism. Firstly, American editors followed suit with the French tradition at newspapers in placing dance critic reviews, carrying dance criticisms in the section of music review in the newspapers. The practice evinces American counterparts followed the steps of French journalistic editors. Ballets performances that were played either between intermissions of main music performance or after the show resulted in their place in the music review section of newspapers. Secondly, Americas dance criticism in the beginning of the 20th century were not reluctant to accept the points of view employed by French critics. French critics (who tended to be equipped with the favored literary writing styles) were adroit with aesthetically and lively describing dance performances. But their inexperience in staging dances caused their reviews to lack proper analysis on dance skills and choreographic prowess. Thirdly, as we can see in the cases of Fanny Elssler, Lo e Fuller, and Isadora Duncan, first they didnt receive much praise from dance reviewers in their performances in American stages. But once their performances gained huge reputation fueled by French dance critics in French, American critics began to recognize their artistic values and ti be engaged in appreciating the dancers work. We see French dance critics judgement on artistic dancing values were modeled in the reviews of American fellows. In conclusion, the French pre-modern dance criticism lays ground for the American dance criticism in the early 20th century. Fragile foundation of the early American dance culture necessitated the import of French dance culture. Similarly, French dance criticism set the precedent for American criticism and became an inevitable model to the American one. And the convention continued until the latter part of the 1930s when more specializes and independent dance critics took the change of American dance criticism, with eyes on more detailed and sharp reviews on choreographic skills and movement techniques. 본 연구의 목적은 19세기 프랑스 무용비평이 20세기초 미국 무용비평의 흐름에 미친 영향을 연구하는 것이다. 이를 위해서, 19세기 프랑스 무용비평의 형성과 비평적 관점들과 20세기초 미국 무용비평의 형성과 그 비평적 관점들을 논의하였으며, 이것을 바탕으로 19세기 프랑스 무용비평과 20세기초 미국 무용비평의 영향 관계를 분석하였다. 19세기 프랑스 무용비평의 개화는 최초의 무용예술인 발레가 낭만발레로 독립적인 예술적 가치를 인정받고, 특히 검열이나 규제와 같은 언론 탄압의 결과로 신문에서 정치적인 기사보다 예술비평이 활성화되었기 때문에 가능하였다. 그리고 미국 무용비평의 초기 형성에는 유럽 특히 프랑스에서 유입된 무용 문화와 언론의 발전이 그 밑바탕이 되었다. 이미 근대적인 개화를 거친 프랑스 무용비평은 20세기 전환기까지 미국 무용비평에 절대적인 영향력을 행사하였는데, 그 가시적인 특징 중에 하나가 일간지의 음악 비평란에 실리는 무용비평의 전통이다. 실제적으로 발레가 그 초기에 오페라-발레의 형태와 같이 오페라의 막간이나 음악 콘서트가 끝난 후 여분의 공연으로 보여지는 경우가 많았기 때문에, 무용비평은 전통적으로 음악비평란에서 다루어져 왔다. 그리고 미국의 편집장들은 초기에 무용비평과 기사를 신문의 어디에 놓을 지를 결정하는데 있어서, 19세기 프랑스의 무용비평의 전통에서 그 단서를 얻었던 것이다. 같은 맥락에서 미국의 초기 무용비평을 다룬 비평가들은 프랑스 비평가들의 예술평가를 그대로 답습하는 경향이 있었다. 당시의 미국 신문들은 해외란에 프랑스의 무용 기사와 평을 정기적으로 번역하여 실었으며 이를 통해서 미국의 비평가들은 프랑스의 비평 스타일과 미학을 접할 수 있었다. 그리고 20세기초까지의 미국 비평가들은 프랑스 비평가의 평가를 하나의 가치 판단의 기준으로 받아들이는 경향이 있었다. 이와 같이 볼 때 미국 무용비평의 초기 역사에서 프랑스 논평의 영향력은 큰 것이었고 20세기초 무용비평을 다룬 미국의 음악비평가들의 평문을 통해서 확인되고 있다. 보다 본질적인 면에서, 19세기 프랑스 무용비평과 20세기초 미국 무용비평의 연관성을 논하기 위해 그 시대를 대표하는 비평가들의 비평적 관점들을 비교하였다. 구체적으로 그들의 평문에 나타나는 여러 가지 관점들 중에서 가장 특징적인 요소로 잘 드러나는 다섯 가지 관점들 즉 그들의 평문에 나타나는 시적인 표현, 설명 혹은 묘사, 움직임이나 기교에 대한 분석, 평가, 그리고 교육적인 측면이 유추되었고 이를 토대로 테오필 고띠에와 칼 반 베첸, 에드윈 덴비의 연관성 여부를 살펴보았다. 그 결과, 고띠에와 반 베첸은 모두 다양한 예술 분야에 대한 포괄적인 지식과 어문학적인 저술 양식으로 무용예술에 대한 경험을 매우 생생하게 그리고 심미적으로 기술(記述)하였지만, 직접적인 무용 경험이 없었기 때문에 무용 기교와 안무에 대한 분석력에 있어서는 부족하였다. 이러한 유사성은 무용비평의 전형이 존재하지 않았던 미국 무용비평의 초기 역사에서 프랑스 무용비평의 영향력을 가늠할 수 있는 근거가 되었다. 미국 최초의 전업 무용비평가가 등장한 1920년대를 거쳐, 1930년대 후반부터 활동을 시작한 덴비는 무용비평을 다룬 초기의 미국 비평가들과는 다르게, 고띠에의 영향력에서 상당히 벗어나 있었다. 무엇보다도 덴비와 고띠에의 비평적 관점을 확연히 구분하는 차이는 움직임 분석과 평가, 그리고 교육적인 측면에 있었다. 그리고 이러한 덴비의 비평적 관점들은 20세기 중반이후 전문적인 미국 무용비평의 발전을 이끄는 원동력이 되었다. 이를 토대로 19세기 프랑스 무용비평과 20세기초 미국 무용비평의 연관성을 따져 볼 때, 20세기초에는 직접적인 영향관계에 놓여있던 반면에 1930년대 후반 이래로는 차이점들이 두드러지게 되었다. 그리고 이것은 바로 비평가들의 직접적인 무용 교육과 실제적인 무용 경험의 차이에서 기인하는 것이다. 물론 19세기 프랑스 극장예술비평가나 20세기초 음악비평가들이 갖춘 다양한 분야에 대한 지식과 어문학적인 소양 역시 무용비평에서 매우 중요한 요소이다. 그러나 더 나아가서 급변하는 현대의 무용예술을 다루는 무용비평가에게 있어서, 무용교육을 통한 전문적인 무용지식과 경험의 중요성은 계속적으로 부각되고 있다.

Ricky Ian Gordon(1956~)의 <Orpheus and Euridice> - Song Cycle in two acts for Soprano, Clarinet and Piano에 관한 연구

고정호 서울대학교 대학원 2014 국내박사

뉴잉글랜드 지방의 민요·종교음악과 모라비언의 영향으로 태동한 미국 가곡은 19세기 중반까지만 해도 유럽 음악에 기반을 둔 가곡들이 주류를 이루었다. 하지만 20세기에 들어오면서 찰스 아이브스(Charles Ives, 1874~1954)와 같은 미국적 색채를 강하게 띠는 작곡가의 등장으로 탈유럽적 가곡들이 본격적으로 등장하게 된다. 이러한 미국적 작품들은 민요적인 요소에서 시작하여 불협화, 12음 기법, 더 나아가 재즈에 이르기까지 다양한 분야와의 접목을 시도했다. 그 과정 끝에 많은 작곡가들은 인성(人聲)과 악기의 결합에 주목하여, 새로운 연출 기법과 작품 양식을 고안하고 독특한 양감과 질감을 갖춘 작품을 작곡하게 되었다. 그 변화의 중심에는 작곡가 리키 이언 고든(Ricky Ian Gordon, b.1956)이 있다. 그는 특히 오르페우스 신화와 자신의 무의식을 접목시켜 이 신화에 대한 새로운 해석과 연출을 보여주게 되는데, 연출가 더그 바론(Doug Varone)과 함께 이전에 없던 21세기 가무극을 탄생시키면서 미국 성악계에 신선한 바람을 일으키게 되었다. 성악을 에우리디체, 기악(클라리넷)을 오르페우스로 표현한 독창적 발상은 기존 오페라, 가곡과의 완전히 차별된 것이었다. 또한, 형식적 측면에서도 연가곡(song cycle)의 장르에 오페라의 막(act)이라는 형식을 대입함으로써 양식적 확장을 시도하였다. 본 논문에서는 20세기 미국 가곡의 흐름과 함께 고든의 작품 세계 전반을 통해 <Orpheus and Euridice>-Song Cycle in two acts for Soprano, Clarinet and Piano가 탄생한 배경을 조망하면서 본 작품의 모티브, 화성, 리듬 등 세부적 부분을 분석하였다. 아울러 같은 신화를 주제로 한 이전 작품들과의 비교를 통해 오르페우스 신화가 시대를 불문하고 음악적 모티브로 활용될 수 있었던 가치를 고찰하면서 20세기 후반 실험적 음악극으로서 고든의 <Orpheus and Euridice>가 갖는 미학적 가치를 정의하는 것이 본 연구의 목적이다.

20세기 미국 여성 극작가의 작품에 드러난 사회적 젠더 마이너리즘 : Susan Glaspell, Beth Henley, Lorraine Hansberry를 중심으로

송양자 한국교원대학교 대학원 2015 국내석사

문화연구, 탈식민주의 이론, 페미니즘 이론 등 다양한 분야에서 서구적 규범 논리로 만들어진 고정성과 합리성을 비판하기 시작한다. 서구 중심적 인식의 틀의 변화는 인류의 역사와 함께 존재해 왔던 성의 문제에서도 과거와 다른 새로운 담론으로 구성되어 지고 있다. 젠더와 섹슈얼리티는 개별적이고 고립된 것이 아니라 인간 삶의 전반에 긴밀하게 관련되어 복잡하고 다양한 보이지 않는 힘과 이데올로기의 이동에 따라 끊임없이 변화 발전한다고 보게 된 것이다. 삶의 주체로서 인간의 젠더 문제도 불가피하게 권력과 이데올로기의 구도 속에서 해체되고 다양한 담론의 형태로 재구성된다. 이 과정에서 중요한 것은 주류와 비주류, 강자와 약자의 관계는 고정되고 절대적일 수 없으며, 사회적으로 남성과 여성이 점하고 있는 힘의 원리에 의해 그들의 성역할이 쟁취되고 구성되고 전도된다고 볼 수 있다. 푸코는 모든 지식이 정치적이라고 했다. 성은 권력의 재생산 수단이다. 성 정치학이 추구하는 목적은 젠더 범주에 내재적으로 작용하는 정치적 개입과 그 숨은 의도의 파악을 통해, 오래 동안 남성과 여성의 젠더 문제와 관련하여 자명하게 받아들여져 왔던 지배적 성 담론의 허구성을 폭로하고 포스트모던 시대에 적합한 젠더담론으로 나아가고자 한다. 성(sex)과 섹슈얼리티는 우리의 삶과 밀착되어 있다. 남성 중심적 사회에서 불평등한 관계로 자리매김하고 있던 여성들은 억압으로부터의 여성해방과 저항을 외치는 페미니즘에 의해 이전에 당연한 것으로 받아 들여 졌던 성의 문제를 수면위로 공론화시켰다. 과거 불모지와 같았던 여성운동에 기여했던 페미니스트들과 행동가들의 노력으로 여성의 인권, 사회적 지위, 성역할에 있어 페미니스트 운동이 사회에 얼마나 기여했는가에 대해 의문의 여지가 없다. 그러나 21세기 포스트모더니즘을 추구하는 현 사회는 과거 계몽주의와 자유주의 시대를 거치면서 중요시되었던 로고스중심의 본질주의적 관점에서 젠더 담론을 바라보고자 하는 페미니즘에 대한 재고를 요구한다. 젠더를 전체화시켜 여성 범주의 정체성을 유지하고자 하는 페미니즘의 정치적 전략은 다른 젠더 마이너리티를 주변화시킴으로써 젠더 간의 불평들을 양산하는 오류를 범하고 있다는 비판을 피하기 어렵다. 보편적 범주로서의 ‘여성’의 대안으로 제 3세대 포스트모던 페미니즘이 등장한다. 가부장제, 성차별적 사회화라는 일부 개념을 담으려는 환원주의적 입장을 지양하고, 여성의 경험과 이론의 다원성을 지양한다. 더 나아가 비고정적으로 구성되는 젠더 그룹들이 계급과 인종, 종교, 국가, 민족과 맺는 상호 관련성으로 관심을 확장시켜 특수하고 다양한 범주의 지역적 여성 담론을 추구한다. 최근의 페미니즘은 젠더를 총체성, 통일성, 일관성이 영원히 연기되고 불완전하게 남아 있는 일종의 복잡성으로 규정 한다. 버틀러는 젠더의 위치를 근본적인 정체성의 환영으로 정해두어서 젠더가 자기 위치를 지키게 만들고자 하는 바로 그 구성적 범주들의 동원과 전복적 혼란과 증식을 통해서 젠더 트러블을 만들려는 노력을 계속한다. 본 논문의 연구 목적은 성과 섹슈얼리티는 남성과 여성의 끊임없는 사회적 권력 투쟁에서 생산되고 이동하는 해체 과정을 통해 구성되는 열린 관점의 ‘사회적 젠더 마이너리즘’을 제시하고자 함에 있다. 푸코의 ‘권력과 지식’ 그리고 버틀러의 ‘젠더 트러블’을 기반으로 그동안 서구 중심적 본질주의에 근거한 이분법적 구분으로 설명할 수 없었던 다양한 젠더와 사회적 역할 수행을 이해할 수 있는 페러다임을 제시하고자 한다. 즉, 권력의 중심에서 소외된 인종, 계급, 민족, 남성과 여성, 성소수자들은 항상 젠더 마이너리티로 전락하거나 전복될 가능성에 놓여진다. 미국이 현재 세계 질서 유지를 위한 권력의 중심에 있다는 점에서 미국 여성 극작품을 선택하였고, 그 문학 작품에 드러나는 다양한 젠더 관계와 갈등 및 저항 구조를 살펴보았다. 권력의 중심에 있으나 주변부에 자리했던 미국 여성 극작가의 작품 속에 드러나는 내러티브를 통해 사회, 문화적 체제 안에서 다원화된 남성과 여성의 역학 관계를 분석해 보았다. 본 논문에서 수잔 글라스펠의 <사소한 것들>, 베스 헨리의 <마음의 죄>, 로레인 한스베리의 <태양아래 건포도>를 통해 남성과 여성의 사회적 젠더 역할은 생물학적 성에 의해 구분되는 것이 아니라, 사회로부터 부여되고 규정되는 것이며, 사회적 규범이나 가치 및 지식들의 교묘하고 은밀한 개입을 통해 중심과 주변의 배타적 관계에 놓이는 비고정적 젠더 집단들을 제시하고 ‘사회적 젠더 마이너리즘’의 관점에서 젠더 담론과 젠더 마이너리티에 대한 이해의 필요성을 제기하고자 한다.

Samuel Barber의 연가곡 ≪Hermit Songs Op. 29≫ 음악분석 및 성악적 적용 연구

최은 서울대학교 대학원 2023 국내석사

This Study is a researcher's master's degree thesis, an analysis of the song cycle ≪Hermit Songs Op.29≫, a vocal work of Samuel Barber (1910-1981), a composer representing the United States in the 20th century. ≪Hermit Songs Op.29≫ is Samuel Barber's representative vocal work that harmonizes the modern techniques of the 20th century on top of the traditional 19th century expression of lyrical music, and occupies an important position in the history of contemporary American art songs. The work included modern English translations of unidentified poems written in the margins by Irish monks and scholars in the 8th and 13th centuries, especially by applying 20th century techniques such as semi-tone progression, dissonance, and ambiguous composition on top of traditional 19th century Romantic techniques such as mode, counterpoint, fuga, and canon techniques. Particularly unique compared to other vocal works, the lyrics of the work are poems of unknown authors that deviate from the formal framework of general literary works, and are free in terms of form. Among these poems, the composer adopted the key-word to create musical themes and motivations, and accordingly, he composed and developed music by combining poetry, songs, and accompaniments. Prior to the analysis of Samuel Barber's ≪Hermit Songs Op.29≫, this paper focused on the analysis of the interpretation of the poem, its hidden meaning, and the musical theme of expressing the central keyword, starting with the investigation of the composer's life and tendency by period. 본 논문은 연구자의 석사 과정 학위 논문으로서, 20세기 미국을 대표하는 작곡가 사무엘 바버(Samuel Barber, 1910-1981)의 성악 작품인 연가곡 ≪Hermit Songs Op.29≫에 대한 분석 연구이다. ≪Hermit Songs Op.29≫는 서정적인 음악의 표현을 담은 19세기의 전통 기법 위에, 20세기의 현대 기법이 조화를 이루는 사무엘 바버의 대표적인 성악 작품으로서, 현대 미국 예술 가곡사에 중요한 위치를 차지한다. 이 작품은 8-13세기의 아일랜드 수도승과 학자들이 필사본을 제작하는 과정에서 여백에 써놓은 작자 미상의 시를 현대 영어로 번역한 가사에 곡을 붙였으며, 특히 선법, 대위법, 푸가, 캐논 기법과 같은 19세기 낭만주의 전통적인 기법 위에 반음계 진행, 불협화음, 모호한 조성과 같은 20세기의 기법들을 적용함으로써, 작곡자의 독창적인 음악 스타일을 나타내었다. 특별히 다른 성악 작품에 비해 독특한 점은, 작품의 가사가 일반적인 문학 작품의 형식적인 틀에서 벗어난 작자 미상의 시로, 형식 면에서 매우 자유롭다. 작곡자는 이러한 시어들 중에서, 중심적인 주제어(Key-word)를 채택하여 음악적인 주제와 동기를 만들고, 이를 따라 시와 노래, 반주 등을 조합하여, 음악을 구성하고 전개하였다. 본 논문은 사무엘 바버의 ≪Hermit Songs Op.29≫ 작품 분석에 앞서, 작곡가의 생애와 시기별 성향 및 성악 작품의 음악적 특징과 작곡 배경에 대한 조사연구로 시작하여, 작품에 나타난 시어의 해석과 그 숨은 의미, 그리고 중심 키워드를 표현하는 음악적인 주제가 어떻게 효과적으로 형성되고 전개되어 나타났는지에 대한 분석에 중점을 두었다.

클라이드의 타인지향적 자아 형성 : 시어도어 드라이저의 『미국의 비극』 연구

박보라 서울대학교 대학원 2010 국내석사

August Wilson의 극 연구 : 20세기 미국 흑인 역사 다시 쓰기

이원주 서울대학교 대학원 2000 국내박사

랜달 톰슨의《프로스티아나》 분석 및 연주법에 관한 연구

김기흥 서울장신대학교 2024 국내박사

본 논문은 합창곡《알렐루야》로 잘 알려져 있고, 20세기 미국 합창음악의 대부로 평가받는 랜달 톰슨(Randall Thompson, 1899~1984)의 합창곡《프로스티아나》에 대한 분석을 통하여 그의 작곡 기법을 알아보고, 곡에 나타난 특징들을 잘 표현할 수 있는 연주법에 관한 연구로 구성되었다. 랜달 톰슨은 20세기 현대 작곡가임에도 불구하고 전통적인 작곡 기법을 기초로 하고 그 위에 현대적 작곡 기법을 더해 작품을 썼다. 그는 현대적 기법을 사용하면서도 복잡하고 난해한 기교를 사용하지 않아 누구나 쉽게 그의 작품에 접근할 수 있도록 했다. 본 논문은 7악장으로 구성된《프로스티아나》를 악곡 분석하였으며, 시인 로버트 프로스트의 시를 텍스트로 사용함에 있어서 시에 담긴 의미를 파악하고 그것을 표현하기 위해 어떠한 음악적 장치를 사용하였는지에 대해 살펴보았다. 또한 본 논문은 20세기 합창음악의 전반적인 흐름을 살펴보았다. 20세기에는 사회적 전반에 걸쳐 커다란 변화가 있었던 시기로, 이러한 사회적 변화의 흐름에 발맞춰 현대음악은 급진적이고 다양한 음악적 사조를 만들어냈다. 19세기에서 20세기로 넘어오는 과도기에 나타난 인상주의를 시작으로 표현주의, 신고전주의 등 다양한 음악적 사조에 대해 살펴보았다. 그 가운데 특별히 작곡가 랜달 톰슨이 활동했던 미국의 음악적인 배경을 살펴보고, 그의 생애와 그에게 영향을 준 음악적 특징을 주요 문헌과 그의 합창작품을 통해 살펴보았다. 《프로스티아나》를 분석함에 있어서 각 악장별로 가사에 대한 이해를 돕기 위해 영어 가사와 한글 가사를 비교해서 제시하였고, 각 악장이 가지고 있는 조성, 템포, 박자, 구조 등 음악적 특성을 분석하였고, 악곡 분석을 통해 형식별로 좀 더 구체적인 작곡 기법과 음악 특징들을 살펴보았다. 총 7악장으로 구성된 이 작품은 가사의 내용에 따라 각 악장마다 성부 배치가 달라지는데, 혼성 4부 합창, 남성 3부 합창, 여성 3부 합창으로 구성하게 된 배경을 살펴보고, 악장별로 비교 분석하여 가사와 성부 배치의 관계도 파악해 보았다. 각 악장의 분석을 토대로 연주법에 관해서도 서술하였다. 각 악장별로 주의해야 할 템포의 변화, 잦은 변박자, 리듬과 강세의 변화에 따른 지휘 기법, 성부 구성에 따른 음색과 창법의 표현, 가사의 표현에 맞는 아티큘레이션, 그리고 곡 전반의 다이나믹의 변화에 따른 표현 방식 등을 잘 표현할 수 있는 지휘법과 음악적 표현 방식에 대해서 필자의 개인적인 의견을 함께 제시하였다. 한편 본 논문이 랜달 톰슨의 음악에 대한 독자의 이해를 높이고, 톰슨의 작품이 미국 음악사에 미친 영향과 독자들의 미국 합창음악 연구에 새로운 통찰력을 제공으로써. 랜달 톰슨 음악 연주에 도움이 되기를 바라는 마음으로 본 논문을 집필하였다. This dissertation delves into the compositional techniques of Randall Thompson (1899-1984), renowned for his choral masterpiece 《Alleluia》 and acknowledged as the godfather of twentieth-century American choral music. The study also involves an exploration of performance methods aimed at conveying the distinctive qualities of Thompson's compositions. Despite being a modern composer of the twentieth century, Randall Thompson's works were grounded in traditional composition techniques. While incorporating modern elements, his compositions were neither intricate nor challenging, making them accessible to a wide audience. This dissertation focuses on the analysis of 《Frostiana》 a composition comprising seven movements. By examining the meaning of Robert Frost's poem and the musical devices used to convey its essence, the choral compositional characteristics of Randall Thompson are elucidated. Before delving into the analysis, the paper outlines the overarching trends in choral music during the 20th century, along with a brief history of American choral music. Randall Thompson's life and the musical influences shaping his work are explored through literature and a review of significant choral works. The analysis section presents a comparison of the English and Korean lyrics, identifying forms and structures, and examining composition techniques and musical characteristics for each form. Across the seven movements, vocal arrangements vary, reflecting the content of the poem. This includes a mixed four-part chorus, a male three-part chorus, and a female three-part chorus. Building upon the movement analysis, the paper discusses performance practices. Conducting suggestions, including techniques for handling frequent tempo changes, meter alterations, rhythmic nuances, expressions of timbre and singing style, as well as appropriate articulations to convey lyrics, are presented. Dynamic changes throughout the piece are also considered. This dissertation aims to deepen our understanding of Randall Thompson's musical characteristics, explore his influence on American music history, and examine how Thompson's works evoke profound emotional experiences for the audience. By providing new insights into the study of American choral music, it aspires to be a valuable resource for those engaged in actual performances.

랄프 본 윌리암스 ≪호디에≫에 관한 분석적 연구 : 음악 특징 및 연주법을 중심으로

이영은 서울장신대학교 2024 국내박사

본 논문은 합창곡《알렐루야》로 잘 알려져 있고, 20세기 미국 합창음악의 대부로 평가받는 랜달 톰슨(Randall Thompson, 1899~1984)의 합창곡《프로스티아나》에 대한 분석을 통하여 그의 작곡 기법을 알아보고, 곡에 나타난 특징들을 잘 표현할 수 있는 연주법에 관한 연구로 구성되었다. 랜달 톰슨은 20세기 현대 작곡가임에도 불구하고 전통적인 작곡 기법을 기초로 하고 그 위에 현대적 작곡 기법을 더해 작품을 썼다. 그는 현대적 기법을 사용하면서도 복잡하고 난해한 기교를 사용하지 않아 누구나 쉽게 그의 작품에 접근할 수 있도록 했다. 본 논문은 7악장으로 구성된《프로스티아나》를 악곡 분석하였으며, 시인 로버트 프로스트의 시를 텍스트로 사용함에 있어서 시에 담긴 의미를 파악하고 그것을 표현하기 위해 어떠한 음악적 장치를 사용하였는지에 대해 살펴보았다. 또한 본 논문은 20세기 합창음악의 전반적인 흐름을 살펴보았다. 20세기에는 사회적 전반에 걸쳐 커다란 변화가 있었던 시기로, 이러한 사회적 변화의 흐름에 발맞춰 현대음악은 급진적이고 다양한 음악적 사조를 만들어냈다. 19세기에서 20세기로 넘어오는 과도기에 나타난 인상주의를 시작으로 표현주의, 신고전주의 등 다양한 음악적 사조에 대해 살펴보았다. 그 가운데 특별히 작곡가 랜달 톰슨이 활동했던 미국의 음악적인 배경을 살펴보고, 그의 생애와 그에게 영향을 준 음악적 특징을 주요 문헌과 그의 합창작품을 통해 살펴보았다. 《프로스티아나》를 분석함에 있어서 각 악장별로 가사에 대한 이해를 돕기 위해 영어 가사와 한글 가사를 비교해서 제시하였고, 각 악장이 가지고 있는 조성, 템포, 박자, 구조 등 음악적 특성을 분석하였고, 악곡 분석을 통해 형식별로 좀 더 구체적인 작곡 기법과 음악 특징들을 살펴보았다. 총 7악장으로 구성된 이 작품은 가사의 내용에 따라 각 악장마다 성부 배치가 달라지는데, 혼성 4부 합창, 남성 3부 합창, 여성 3부 합창으로 구성하게 된 배경을 살펴보고, 악장별로 비교 분석하여 가사와 성부 배치의 관계도 파악해 보았다. 각 악장의 분석을 토대로 연주법에 관해서도 서술하였다. 각 악장별로 주의해야 할 템포의 변화, 잦은 변박자, 리듬과 강세의 변화에 따른 지휘 기법, 성부 구성에 따른 음색과 창법의 표현, 가사의 표현에 맞는 아티큘레이션, 그리고 곡 전반의 다이나믹의 변화에 따른 표현 방식 등을 잘 표현할 수 있는 지휘법과 음악적 표현 방식에 대해서 필자의 개인적인 의견을 함께 제시하였다. 한편 본 논문이 랜달 톰슨의 음악에 대한 독자의 이해를 높이고, 톰슨의 작품이 미국 음악사에 미친 영향과 독자들의 미국 합창음악 연구에 새로운 통찰력을 제공으로써. 랜달 톰슨 음악 연주에 도움이 되기를 바라는 마음으로 본 논문을 집필하였다. Ralph Vaughan Williams(1872-1958), a prominent figure among the composers representing 20th-century Britain, is revered as one of the most quintessentially British composers. He is acknowledged for his significant contributions to the revitalization of 20th-century British music. His music can be regarded as nationalist, drawing from British folk music as the foundation of his compositions. He absorbed and integrated these folk elements through his unique methods, ultimately creating a new musical form that reflects his individualistic expression of musical nationalism. I intend to examine Ralph Vaughan Williams's musical style through an analysis of his works, with a particular focus on the Christmas cantata《Hodie》which embodies the described musical characteristics. Through this analysis, I aim to delve into his unique musical idiom and, drawing from these insights, present effective performance techniques for interpreting and presenting his compositions. To accomplish this, I first examined the temporal context and characteristics of 20th-century choral music. From the standpoint of musical innovation and diversity, I investigated elements such as pitch, melody, harmony, rhythm and meter, tempo, dynamics, timbre, structure, and expressive features. Subsequently, I explored diverse musical forms and characteristics of contemporary choral music, encompassing musical movements, impressionism, expressionism, neoclassicism, neoromanticism, nationalistic trends, avant-garde, and eclecticism. In addition, I have illuminated the history of British choral music, which serves as the musical foundation for Ralph Vaughan Williams. I divided this history into periods ranging from the representative composer of the 15th-century Renaissance era, John Dunstable (1370-1453), to the 20th-century composer Benjamin Britten (1913-1976). The examination focused on various aspects of 20th-century British choral music during Vaughan Williams' era, including the use of diverse styles and techniques, nationalism, the incorporation of literary texts from novels or poetry, and the composition interlinked with social messages. Concerning Ralph Vaughan Williams's life, I have systematically arranged the chronological progression from his birth to his passing, focusing on the musical aspects. In the exploration of his choral music, I have conducted an analysis based on the characteristics evident in his works, delving into considerations related to lyrics, forms, rhythm and meter, melody, composition, tonality and harmony, as well as instrumentation. The Christmas cantata 《Hodie》 by Ralph Vaughan Williams, the focus of this dissertation, was composed in his later years, specifically in 1953-54, to commemorate the 50th anniversary of the London Symphony Orchestra. The title 《Hodie》 is extracted from the Latin lyrics of Christmas liturgy, particularly from ‘Hodie Christus natus est(Today Christ is born)’, and in English, it signifies ‘This Day.’ Crafted for a mixed choir, trebles, and featuring soprano, tenor, and baritone soloists accompanied by an orchestral ensemble, this composition encapsulates Ralph Vaughan Williams' pursuit of a musical form imbued with nationalist ideals. The lyrics are drawn from a rich tapestry of English literature that has captivated Ralph Vaughan Williams throughout his lifetime. This includes the works of 17th-century poets like Milton, Herbert, Drummond, and The King James Bible, which has served as an enduring wellspring of inspiration for Ralph Vaughan Williams, poetry of Miles Coverdale. Furthermore, the verses incorporate works from the 16th-century anonymous poet William Ballet, as well as modern poetry by Thomas Hardy, and verses by Ursula, the composer's wife. By adopting these diverse literary sources, Vaughan Williams effectively merges the beauty of British poetry with music, creating a distinctive and unique musical expression of his own. 《Hodie》 comprises a total of 16 movements. Some movements (II, IV, VI, VIII, X, XIII, XIV, XVI) incorporate previously used themes, introducing variations in composition, length, and accompaniment. Meanwhile, in other movements (III, V, VII, IX, XI, XII, XV), new themes are introduced. Moreover, diverse rhythmic elements are employed in 《Hodie》 including polyrhythms, hemiolas, syncopations, intricate subdivisions with various dotted notes, staccato rhythms, ostinato rhythms, cross-rhythms, and more. Additionally, there are accent shifts through syncopations, repetition of short rhythmic patterns, imitation through rhythmic compression and expansion, and a blend of irregular rhythms. Various changes in time signatures and the use of asymmetrical rhythms are employed, fittingly capturing the rhythmic effects of poetic meter in the lyrics. Vaughan Williams employs a variety of melodies and melodic harmonies, including different modes, his own modalities, major and minor scales, pentatonic scales, and chromatic scales. This adds a sense of mystery and color to choral music. Additionally, he presents a diverse range of ensembles, including solos for soprano, tenor, and baritone, two-part women's and men's choirs, and mixed four-part choirs up to eight parts, depending on the character and mood of the piece. The accompaniment also varies, ranging from unaccompanied sections to organ accompaniment and full orchestral accompaniment, providing a rich and diverse sonic landscape. This dissertation meticulously examines《Hodie》on a movement-by-movement basis, offering practical guidance for performers. The discussion on performance techniques for all 16 movements encompasses perspectives such as conducting techniques and styles, dynamics and articulation, lyrical expression and pronunciation principles, vocalization and singing styles, as well as the orchestral and choral balance and harmony.