20세기 전반기 미국여성 복식에 대한 연구 : 1910-1950년을 중심으로

손미숙 숙명여자대학교 교육대학원 1987 국내석사

복식은 우리 신체와 밀착된 문화의 일부분이라 할 수 있다. 문화가 그 시대의 정치적, 경제적, 사회적 제 요인과 밀접한 관련을 맺고 변화되어 가듯이 복식도 그러한 요인과 관련을 맺고 변화되어 가는 것이다. 그런데 세계사적인 시점에서 볼 때 1910년대부터 1950년 사이는 제 1,2차 세계 대전이라는 큰 정치적 사건이 일어나 변화가 극심했던 시기라 할 수 있다. 이 시기 동안에 여성 해방 운동이 활발히 전개되었으며 교통, 무역의 획기적인 발전과 아울러 기계 생산, 섬유의 가속적 혁신이 이루어졌다. 그로 인해 복식의 일반 사회화와 세계화가 행해져 복식 유행의 시기를 이루어 오게 된 것이다. 복식사에서 이 기간 동안에 일어난 가장 주목할 만한 일은 패션계를 수 세기 동안 점유해 오던 프랑스 하이 패션(high fashion)이 제1,2차 세계 대전을 계기로 사양화 현상을 나타냈으며, 이른바 미국이 패션의 중심지로 부상하게 된 현상이라 하겠다. 미국은 제1,2차 세계 대전을 계기로 세계적인 경제적 지위를 확립하게 되어 최대 강국으로 올라 서게 되었다. 이 당시 유럽 여러 나라들이 전쟁으로 고통받고 있을 때에 미국은 무기, 군수품, 원료, 식량 생산에 주력하여 부를 축척하게 된 것이다. 이 당시 미국 여성들은 정치적 참정권 획득으로 인하여 경제적으로 독립하는 여성이 많아지게 됨에 따라 그들의 생활 방식이 변화 되어 여성의 복장에 직접적인 영향을 미치게 되었다. 또, 영화 배우들이 미국 여성 복식에 큰 영향을 미쳤으며 미국의 의류업자들은 프랑스의 유명 디자이너(designer)들의 디자인을 사다가 그것을 단순화하여 대량 생산하는 기성복 산업을 성행시켰다. 미국의 젊은 세대들은 그들의 성 개방 풍조 및 자유사상, 재즈(Jazz)의 보급, 야외 스포츠 발달 등으로 스포츠 웨어(sports wear)와 캐쥬얼 웨어(casual wear)를 유행시키는데 큰 몫을 담당하기도하였다. 이러한 미국인의 개척 정신과 실용주의 사상을 배경으로 형성된 캐쥬얼 웨어는 현대 민주사회의 기본 개념인 자유, 평등, 사상을 근저로 하였기 때문에 오늘날, 여성복으로까지 계속 이어져 내려오게 된 것이다. 그러나 제1,2차 세계 대전을 계기로 일시적으로 패션의 중심지가 미국으로 옮겨지긴 하였으나 미국은 주로 기성복 패션과 그들의 민속 복식 및 캐쥬얼 웨어를 세계적으로 유행시키는데 큰 역할을 하였을 뿐이며 하이 패션을 주도하는 데에 있어서는 프랑스의 영향력을 무시할 수 없다고 하겠다. Generally speaking, 'the fashion' is a part of our culture which is adhere to our body. Just as the culture have been changed in the intimate relations with every political, economical and social all of factors, the fashion also have been changed in that relations. The period of 40 years (1910-1950) had been a time of great change, 'cause the breaking of the great historical events so called 'the 1st and the 2nd World wars. During this time the movement of the emancipation of women had been vigorously done. And the machine productions and fibers are innovated with increasing speed and long with the epochal development achievements in the traffic and trade. Cause by these, fashions generalization and internationalization had been accomplished and hence the times of fashion had established and arrived. In the history of fashion, the most noticeable facts in this period were France high fashion who had been occupied fashion world few centuries fell into the shade by reason of the 1st and 2nd World wars and America rose as a center of fashion world. Upon the opportunity of the 1st and 2nd World Wars, America established her economical position in the world and rose to the strongest country. So America stored the wealth due to concentrated her effects on production of arms, war supplies, materials and provisions when many countries of Europe suffered from war. At that times, American women who become economic independent with acquisition of political rights were increased. So their living form was changed and it influenced their dresses directly. Another greatest influence on American women's fashion was stage costumes of actor and actress. American traders concerned clothing had bought designs of French famous designers and made their ready-to-wear industry prevalent. The rising generation of America played on important part in fashion of sports wears and casual wears by reason of their tendency of free-sex, liberal ideas, propagation of jazz, growth of field sports and etc.... The casual wears which formed in background of the frontier spirit and idea of pragmatism have been existed up to this days fashion of women, for it had idea of liberty and equality which are the basic idea of democratic society as a foundation. It is true that the central place of fashion move into America for a time by the moment of the 1st and 2nd World war, but America only played great role in fashion spreading of ready-to-wear industry, folk costumes and casual wears internationally. So we could not ignore France's influencing power in leading 'high fashion'.

Rewriting Innocence : Innocence after the Acquisition of Knowledge in 1880-1920 American Novels

유이나 서울대학교 대학원 2021 국내박사

본 논문은 20세기 전환기에 쓰여진 미국소설들을 살펴봄으로써 무지와 정치적 이데올로기로 정의되어 온 순수 개념을 재구성하고자 한다. 지금까지 순수는 주로 순진함, 세상에 대한 지식의 결핍 또는 미국이 약자에 대해 자행한 범죄를 은폐하는 정치적 수단으로 규정되어 왔다. 미국의 건국부터 순수가 국가 정체성을 형성해온 것이 사실이라면, 이러한 순수의 의미에는 양자 모두 문제점이 있다. 무지로서의 순수는 지식의 획득과 함께 상실되기 때문에 지속될 수 없다. 지식이 생기면 사라지는 무지로서의 순수는 시간이 지날수록 축적되는 지식의 특성상 국가 정체성을 구성하는 역할을 이어가는 것이 불가능하다. 폭력과 범죄를 은폐하는 정치적 이데올로기와 동일시되는 순수는 타락 또는 부패의 부재를 의미하는 순수의 의미와는 모순되고 반대되는 개념이다. 따라서 현 시점에서 순수는 지식을 포함하고 순수의 본래 뜻에 상응하는 의미로 재구성되어야 한다. 미국의 역사 속에 시간이 흐르며 지식이 계속 축적되어가는 상황에서 순수가 국가 정체성을 구성하는 역할을 지속하기 위해서는 지식의 축적과 함께 형성되고 지식의 개념을 포함하는 개념으로 재정립되어야 할 것이다. 본고는 19세기 말과 20세기 초에 헨리 제임스(Henry James), 마크 트웨인(Mark Twain), 에디스 와튼(Edith Wharton)에 의해 출간된 소설들을 통해 순수의 의미를 재고한다. 19세기 말 무렵 미국은 국제사회에서 강대국으로 자리 잡아가기 시작하면서 국가 정체성을 재정립하기 위해서 순수 개념을 사용한다. 20세기 전환기에 가속화된 산업화, 도시화, 현대화의 영향과 더불어 미국의 국제사회로의 확장으로 인하여 새로운 지식들이 대규모로 급속하게 생성되고 축적된다. 새로운 국가 정체성을 구성하는 과업에 순수 개념을 차용한 이 시기의 핵심 쟁점은 순수와 지식이 결합하는 가능성과 방식이다. 20세기 전환기의 미국이 스스로에게 던진 중요한 질문은 세상과 악에 대한 새로운 지식이 계속 축적되어가는 상황에서 어떻게 순수가 보존되고 유지될 수 있는가이다. 제임스의 『여인의 초상』 (The Portrait of a Lady, 1881), 트웨인의 『허클베리핀의 모험』 (Adventures of Huckleberry Finn, 1884), 와튼의 『순수의 시대』 (The Age of Innocence, 1920)는 공통적으로 19세기 말과 20세기 초의 순수와 지식의 결합에 대한 관심을 반영한다. 제임스는 순수가 지식, 특히 악에 대한 지식과 맺는 관계를 탐구한 작가이다. 트웨인은 성장소설을 통하여 순수, 성장, 지식의 결합에 대해 고찰하였다. 와튼은 사회구조와 사회관계의 작동방식에 대한 지식이 획득되는 가운데 어떻게 순수가 유지될 수 있는지를 모색한다. 이 작가들의 작품에서 순수는 무지 또는 정치적 이데올로기가 아니라, 순수의 어원인 타자를 해하지 않는 의도를 가지는 것으로 나타난다. 순수란 타자에 대하여 범죄행위나 부패를 자행하지 않는 것을 의도하는 것을 의미한다. 이 세 작가들의 소설에서 순수는 다른 사람들의 이익이나 이들과의 조화로운 관계를 유지하기 위해 자신의 이익을 포기하는 방식으로 나타난다. 순수는 다른 타자와의 관계와 타자의 이익을 위하여 더 많은 시간, 노력, 헌신, 희생을 요구하기 때문에 그냥 얻어지는 것이 아니라 값을 치르고 나서야 얻을 수 있다. 그렇기 때문에 순수는 사람들이 쉽게 찾거나 이루어지지 않지만, 동시에 순수가 추구되고 성취될 때에는 그만한 가치가 있다. 제임스의 『여인의 초상』을 다루는 본론 1장에서는 순수와 지식 획득의 관계를 논의한다. 이사벨(Isabel)이 비참한 지식(miserable knowledge)을 획득하고 자신만의 방식으로 흡수하는 과정을 통하여 이 작품은 순수와 지식이 어떻게 결합하는지를 모색한다. 이사벨은 비참한 지식을 일종의 배움의 원천으로 인식하고, 자신에게 이 지식이 결핍되어 있다는 이사벨의 자의식은 그녀가 의도적으로 비참한 지식을 추구하도록 이끈다. 이러한 추구의 일환으로 오스몬드(Osmond)와의 결혼을 선택한 이사벨은 그녀가 순수하다고 믿었던 오스몬드와 멀(Merle)이 자신들의 이익을 위해 그녀를 이용하고 속였다는 비참한 지식을 얻게 된다. 이들에 대한 복수를 선택하는 대신, 이사벨은 악을 악으로 되갚지 않겠다고 결심한다. 이사벨은 오스몬드와 멀이 지은 죄의 산물인 팬지(Pansy), 그리고 자신을 배신한 오스몬드와의 관계를 유지한다. 이사벨의 선택은 자신에게 악행을 저지른 이들에 대한 복수는 더 많은 악을 생성하기에 이를 방지하려는 의도에 기인한다. 그녀를 의도적으로 비참하게 만든 사람들을 포용함으로써 이사벨은 악을 선으로 갚는 순수의 의미를 재현한다. 트웨인의 『허클베리핀의 모험』에 대한 2장에서는 사회관계와 사회구조 내에서 발생하는 악에 대한 지식이 축적되면서 어떻게 순수가 보존될 수 있는지를 살펴본다. 흑인을 노예로 전락시키는 제도를 합법화하는 인종 이데올로기는 짐(Jim)의 인간성에 대한 헉의 인식이 확장되면서 문제시된다. 짐을 노예와 친구로 바라보는 관점 사이에서 헉이 겪는 갈등은 노예제 사회의 윤리와 개인의 순수 개념 사이의 충돌을 상징한다. 다른 백인들 앞에서는 짐이 자신의 노예인 것처럼 행세함으로써 헉은 사회 윤리에 순응하지만, 짐의 도망을 도움으로써 자신이 생각하는 순수를 실천에 옮긴다. 이 작품은 순수가 노예제 사회에서 어떻게 유지될 수 있는지를 근본적으로 질문한다. 또한 사회악에 대한 지식이 계속 축적되고 사회 윤리로 인해 제한받는 상황 속에서도 개인의 순수가 실현될 수 있는지를 모색한다. 헉이 톰(Tom)과 함께 짐의 탈출을 돕는 마지막 장면은 개인의 순수 실현이 사회와 다른 사회 구성원들과의 기준과 충돌하면서 겪는 어려움을 재현한다. 사회 윤리와 자신보다 높은 사회적 지위를 가진 이들에 의한 제한에도 불구하고 헉은 짐의 도망을 돕고 그의 인간성을 옹호하기 위해 사회적 불명예와 처벌을 감행하는 순수를 구현한다. 와튼의 『순수의 시대』를 다루는 3장은 20세기 전환기에 순수와 지식의 의미가 다양해지면서 순수가 복합적인 형태를 띠게 되고 복수형(innocences)으로 쓰이게 되는 것을 논한다. 뉴랜드(Newland), 메이(May), 엘런(Ellen)의 순수는 서로 다른 형태를 띠고 이들은 각자 자신만의 방식으로 순수를 추구하고 구현한다. 이 세 인물들의 순수가 다른 이들과 사회에 의해 쉽게 발견되거나 인식되지 않는다는 사실은 순수의 다양성은 복합적인 관점을 통해서만이 이해될 수 있다는 것을 시사한다. 이 인물들 중 어느 누구도 자신의 순수를 다른 사람들에게 인정받기 위해 애쓰지 않지만, 뉴랜드, 메이, 엘런은 무언 중에 각자가 순수를 추구하기 위해 치른 값을 알아차리고 이해한다. 뉴랜드는 사랑의 열정을, 엘런은 뉴욕사회의 구성원이 되기를 포기하고 메이는 다른 여성에 대한 남편의 사랑을 감내한다. 이들의 희생은 서로를 위한 것이고 순수란 자신에게 소중한 것을 포기하는 값을 치러야 하지만, 타자의 보호와 타자의 이익을 목적으로 하기 때문에 가치가 있다. 서로에 대한 침묵 속의 이해와 애도 속에 뉴랜드, 메이, 엘런의 희생은 이들이 의미있는 삶을 지속할 수 있도록 지탱해준다. 본고에서 순수는 다른 사람들에게 해를 입히지 않는 것을 의도하는 것으로 정립 되면서 순수를 무지와 정치적 이데올로기로 정의하는 기존 순수의 의미를 재구성한다. 순수는 세상과 악에 대한 지식의 소유와 다른 사람에게 해를 입히지 않는 목적으로 이 지식을 사용하는 것을 전제로 한다. 20세기 전환기에 순수가 띠게 되는 복합적인 형태는 순수가 미국 사회의 지속되는 변화에 맞추어 국가 정체성을 형성할 수 있는 가능성을 열어준다. 시간이 흐르면서 새로운 지식이 계속 축적되는 미국 역사에서 지식과 결합된 순수는 유지될 수 있다. 20세기 전환기에 쓰인 제임스, 트웨인, 와튼의 작품들은 지식의 획득 이후에도 보존되는 순수를 재현한다. This dissertation attempts to rewrite the notion of innocence as ignorance and political ideology by examining American novels written at the turn of the twentieth century. Thus far, innocence has frequently been defined as naïveté and lack of knowledge about the world as well as a political means to conceal the violence committed against marginalized groups. If innocence has constituted national identity since the birth of America, both meanings of innocence are problematic. Innocence as ignorance is not endurable as it will be lost at the time of knowledge acquisition. As knowledge is accumulated over time, innocence as ignorance, which would disappear once knowledge is gained, cannot continue to constitute national identity. Innocence equated to political ideology embodies violence and crime which is discrepant from the meaning of innocence as “lack of corruption” (“Innocence,” Oxford). Therefore, innocence needs to be revised as a notion that incorporates knowledge and that corresponds to its original meaning. As America accumulates more and more knowledge over time, innocence needs to survive and be formed in conjunction with knowledge in order to continue to constitute national identity. This study examines three American novels written in the twentieth century by Henry James, Mark Twain, and Edith Wharton. During the late nineteenth and the early twentieth centuries, America adopts the rhetoric of innocence in order to refashion its national identity as it establishes itself as a global power. The escalation of industrialization, urbanization, and modernization together with America’s international expansion at the turn of the twentieth century led to a rapid and large scale accumulation of new types of knowledge. During this period, faced with the task of forming a new national identity by adopting the rhetoric of innocence, the prominent issue becomes the union of innocence and knowledge. One of the questions that America at the turn of the twentieth century is concerned with is how to preserve innocence when knowledge about the world and its evils continues to be accrued. James’s The Portrait of a Lady (1881), Twain’s Adventures of Huckleberry Finn (1884), and Wharton’s The Age of Innocence (1920) reflect America’s preoccupation with the combination of innocence and knowledge at the turn of the twentieth century. James is concerned with the union of innocence and knowledge, especially knowledge about evil. Twain examines how innocence, growth, and knowledge can be combined. Wharton explores how innocence can be maintained while knowledge about the mechanism of social structure and social interaction is acquired. In their novels, innocence is not defined as ignorance or political ideology but as a notion that corresponds to the origin of innocence: not harming others (“Innocence,” Oxford). Innocence means intending not to cause offence, crime, or corruption in relation to others. In the novels of James, Twain, and Wharton, innocence is demonstrated by characters who renounce self-profit for the benefit of others or for maintaining relations with them. Innocence comes with a cost as it usually demands time, effort, dedication, and sacrifice on the part of those pursuing it. This explains why innocence is unpopular and occurs seldom; simultaneously, it also suggests the value of innocence when it is pursued and achieved. The first chapter, “Miserable Knowledge in Henry James’s The Portrait of a Lady,” examines the relationship between innocence and acquisition of knowledge. Through Isabel’s acquirement of miserable knowledge and the process of absorbing this knowledge, The Portrait of a Lady explores how innocence and knowledge are united. She regards miserable knowledge as a source of instruction, and her awareness that she lacks this knowledge leads her to pursue the acquirement of miserable knowledge consciously and deliberately. Her marriage to Osmond leads Isabel to obtain the miserable knowledge that Osmond and Merle, whom she believed to be trustworthy and innocent, have used and deceived her for financial profit. Instead of taking revenge, Isabel determines not to repay evil with evil. Isabel maintains her relationship with Pansy who is the product of Osmond and Merle’s sin and her relationship with Osmond that has betrayed her. Isabel’s choice stems from her belief that avenging those who have committed evil against her will only produce more evil. By embracing the people who have intentionally made her miserable, Isabel demonstrates the meaning of innocence as repaying evil with good. In the second chapter, “Knowledge Game in Mark Twain’s Adventures of Huckleberry Finn,” it is explored how Huck’s growing knowledge about social evils can be combined with innocence. The racial ideology that endorses and legitimatizes black people as slaves is problematized by Huck’s increasing awareness of Jim’s humanity. Huck’s oscillation between regarding Jim as a slave and as a friend represents the collision between the social morality of slaveholding society and an individual notion of innocence. By acting as if Jim is his slave in the presence of whites, Huck complies with social morality; however, by helping Jim escape, Huck is carrying out his individual notion of innocence. The novel ultimately questions how innocence can be maintained in a slaveholding society. It explores whether it is possible for the individual, who constantly accumulates knowledge about the evils of the world through socialization, to realize innocence in spite of the constraint imposed by social morality. The controversial scene wherein Huck helps Jim escape with Tom suggests the difficulty of actualizing an individual notion of innocence as it collides with the standards of society and of others. Although Huck is constrained by social morality and by those who occupy more dominant positions in society than himself, he demonstrates his innocence by risking social disgrace and punishment for the sake of helping Jim escape and advocating Jim’s humanity. The third chapter, “Tacit Knowledge in Edith Wharton’s The Age of Innocence,” illustrates how the meanings of innocence and knowledge become diversified at the turn of the twentieth century. As a result, innocence comes to have multiple forms and therefore should be called innocences. In the novel, the innocences of Newland, May, and Ellen remain tacit and unnoticed by others but take forms that are different from each other. Thus, each character is innocent in their own way. The fact that their innocences cannot be easily detected or noticed by others and by society indicates that the plurality of innocence can be only understood from multiple perspectives. While no character attempts to make his/her innocence understandable to others so as to gain comfort or recognition, Newland, May, and Ellen silently comprehend the cost they each pay for pursuing their own notions of innocence. Newland renounces passionate love; Ellen gives up her membership of New York society, and May endures her husband’s love for another woman. Their sacrifices are made for each other, and their innocences suggest that innocence comes with a price; it is valuable because it intends to protect and benefit others. In their silent understanding and mourning for each other, Newland, May, and Ellen’s sacrifices sustain them to lead meaningful lives. In this study, innocence is established as intending to cause others no harm which rewrites the previously defined meanings of innocence as ignorance and as political ideology. Innocence premises the state of possessing knowledge about the world and about evil and using this knowledge for the purpose of causing others no harm. Innocence combined with knowledge becomes endurable while new types of knowledge continue to be accumulated in American history. The novels written at the turn of the twentieth century by James, Twain, and Wharton embody an innocence that can be sustained after the acquisition of knowledge. The plural forms that innocence comes to take at the turn of the twentieth century opens the possibility for innocence to adapt itself to the changes of American society over time.

도미니크 아르젠토의 <카바레 송> 음악 스타일 분석 연구

Long, Zhao 세종대학교 대학원 2025 국내박사

도미니크 아르젠토의 마지막 연가곡인 &lt;카바레 송&gt;은 아르젠토의 독자적인 작곡 어법과 카바레 문화의 결합으로 창작된 20세기 미국 예술가곡이다. 카바레 문화는 본래 19세기 말 프랑스에서 시작되었으며 초기에는 음악과 춤, 노래와 시 낭송, 미술, 그리고 드라마 등 여러 예술 양식을 융합한 공연 형태로 존재하였다. 이러한 공연 문화는 사회적 풍자와 전통의 파괴라는 일관된 기조를 유지하며 발전했는데, 제1차 세계대전(World War I, 1914-1918) 이후 독일과 영국 등 유럽 전역으로 확산하였고 제2차 세계대전(World War II, 1939-1945) 이후에는 미국으로 이주한 유럽 예술가들과 시민들에 의해 미국에까지 전파되었다. 사회 비판적이며 풍자와 해학의 성격을 강하게 띠었던 유럽의 카바레 문화는 20세기 초 큰 호황을 누리던 미국의 경제적 상황과 맞물려 유입되어 오락성과 상업성이 더욱 강조된 특징을 보인다. 미국 카바레 문화는 노래와 춤의 형태가 더욱 강조되었고 진지하거나 정치적이기보다는 가볍고 유쾌한 주제를 다루는 경향이 강했다. 또한 미국 대중음악의 큰 흐름을 주도한 재즈와 브로드웨이 문화 역시 미국만의 독자적인 카바레 문화가 구축하는 데 큰 영향을 미쳤다. 이러한 문화적 흐름은 아르젠토의 연가곡 &lt;카바레 송&gt;에 그의 독자적 작곡 기법과 함께 다양한 양상으로 나타나 있다. 첫째, 전통적인 유럽의 카바레 문화의 영향을 포함한다. 대중적이며 친근한 사랑이라는 소재를 사용하고 단순하고 기억하기 쉬운 선율과 리듬을 사용한다. 또한 풍자적이며 해학적인 측면을 강조하여 관객의 호응과 친밀한 소통을 유도하였다. 둘째, 미국적 카바레 요소를 포함한다. 예를 들어, ‘틴 앤 팰리’의 음악 형식인 AABA형식의 사용, 블루스 음계, 7화음이나 9화음의 사용 등 재즈적 요소의 사용, 그리고 브로드웨이의 연극적인 표현과 언어의 억양을 반영한 선율과 리듬의 사용 등이 있다. 마지막으로 아르젠토의 전통적인 작곡 어법이 드러나는데, 대위법적 선율 구조, 바로크 시대나 고전 시대에 사용되었던 탄식저음 기법, 그리고 쿼들리벳 기법을 사용한다. 또한 안정적이며 분명한 조성감과 전형적인 전조 방식 역시 그의 전통적이며 관습적인 음악적 특징을 반영하고 있다. 본 연구는 작곡가 본인이 창작한 시를 가사로 사용하여 음악과 시 모두에서 주관적이며 직관적인 작곡 의도를 표현한 &lt;카바레 송&gt;의 연구를 통해 프랑스에서 유래한 카바레 문화가 미국적으로 어떻게 정착되어 표현되었는지 이해할 수 있는 자료가 될 것이다. 또한 현대 미국 작곡가들의 다양한 카바레 풍의 예술가곡을 연구하는 데 유용한 학술자료가 될 것이다. 주요어: 20세기 미국 예술가곡, Dominick Argento, 카바레 송, 카바레 문화

19세기 프랑스 무용비평이 20세기초 미국 무용비평에 미친 영향

심정민 이화여자대학교 2000 국내박사

This dissertations aim lies in delving into the historical importance of pre-modern dance criticism, and in addressing the coherence between the 19th century and the 20th century dance criticism, by elaborating on the crucial impacts that French dance criticism in the 19th century gave on the American dance criticism in the early 20th century, which will limelight the cross-the-board dance criticism in the view of historical context. Two factors were involved in burgeoning of pre-modern dance criticism in France in the 19th century. First of all, ballet that was recognized as the first dance art began to gain a newly-acquired reputation as a real art that other fields of art had enjoyed. Additionally journalistic newspapers and magazines which were strongly tinted with literary and critic interests spurred theatrical arts criticism to bloom like a wildfire. This aggressive activities in criticism in French journalism were attributed to intentional avoidance of the French journalistic media that had been politically censored and suppressed. They had found a new domain of interest called culture and art criticism. This study shows that pre-modern dance criticism originated in French romantic ballet days in the 19th century had bearing on American dance criticism in the early 20th century. This research analyzes practical influences of French dance criticism represented in early American dance criticism. And it compares critical viewpoints of Th ophile Gautier who spearheaded French arts critics at that time with those of both Carl Van Vechten and Edwin Denby who led the pack of American dance critics in the 20th century. We find out that the tradition at newspapers in placing dance criticism, the critics viewpoints for dance, and the critics judgement on artistic dancing values, adopted by the 20th centurys budding American criticism, were inherited from the French pre-modern criticism. Firstly, American editors followed suit with the French tradition at newspapers in placing dance critic reviews, carrying dance criticisms in the section of music review in the newspapers. The practice evinces American counterparts followed the steps of French journalistic editors. Ballets performances that were played either between intermissions of main music performance or after the show resulted in their place in the music review section of newspapers. Secondly, Americas dance criticism in the beginning of the 20th century were not reluctant to accept the points of view employed by French critics. French critics (who tended to be equipped with the favored literary writing styles) were adroit with aesthetically and lively describing dance performances. But their inexperience in staging dances caused their reviews to lack proper analysis on dance skills and choreographic prowess. Thirdly, as we can see in the cases of Fanny Elssler, Lo e Fuller, and Isadora Duncan, first they didnt receive much praise from dance reviewers in their performances in American stages. But once their performances gained huge reputation fueled by French dance critics in French, American critics began to recognize their artistic values and ti be engaged in appreciating the dancers work. We see French dance critics judgement on artistic dancing values were modeled in the reviews of American fellows. In conclusion, the French pre-modern dance criticism lays ground for the American dance criticism in the early 20th century. Fragile foundation of the early American dance culture necessitated the import of French dance culture. Similarly, French dance criticism set the precedent for American criticism and became an inevitable model to the American one. And the convention continued until the latter part of the 1930s when more specializes and independent dance critics took the change of American dance criticism, with eyes on more detailed and sharp reviews on choreographic skills and movement techniques. 본 연구의 목적은 19세기 프랑스 무용비평이 20세기초 미국 무용비평의 흐름에 미친 영향을 연구하는 것이다. 이를 위해서, 19세기 프랑스 무용비평의 형성과 비평적 관점들과 20세기초 미국 무용비평의 형성과 그 비평적 관점들을 논의하였으며, 이것을 바탕으로 19세기 프랑스 무용비평과 20세기초 미국 무용비평의 영향 관계를 분석하였다. 19세기 프랑스 무용비평의 개화는 최초의 무용예술인 발레가 낭만발레로 독립적인 예술적 가치를 인정받고, 특히 검열이나 규제와 같은 언론 탄압의 결과로 신문에서 정치적인 기사보다 예술비평이 활성화되었기 때문에 가능하였다. 그리고 미국 무용비평의 초기 형성에는 유럽 특히 프랑스에서 유입된 무용 문화와 언론의 발전이 그 밑바탕이 되었다. 이미 근대적인 개화를 거친 프랑스 무용비평은 20세기 전환기까지 미국 무용비평에 절대적인 영향력을 행사하였는데, 그 가시적인 특징 중에 하나가 일간지의 음악 비평란에 실리는 무용비평의 전통이다. 실제적으로 발레가 그 초기에 오페라-발레의 형태와 같이 오페라의 막간이나 음악 콘서트가 끝난 후 여분의 공연으로 보여지는 경우가 많았기 때문에, 무용비평은 전통적으로 음악비평란에서 다루어져 왔다. 그리고 미국의 편집장들은 초기에 무용비평과 기사를 신문의 어디에 놓을 지를 결정하는데 있어서, 19세기 프랑스의 무용비평의 전통에서 그 단서를 얻었던 것이다. 같은 맥락에서 미국의 초기 무용비평을 다룬 비평가들은 프랑스 비평가들의 예술평가를 그대로 답습하는 경향이 있었다. 당시의 미국 신문들은 해외란에 프랑스의 무용 기사와 평을 정기적으로 번역하여 실었으며 이를 통해서 미국의 비평가들은 프랑스의 비평 스타일과 미학을 접할 수 있었다. 그리고 20세기초까지의 미국 비평가들은 프랑스 비평가의 평가를 하나의 가치 판단의 기준으로 받아들이는 경향이 있었다. 이와 같이 볼 때 미국 무용비평의 초기 역사에서 프랑스 논평의 영향력은 큰 것이었고 20세기초 무용비평을 다룬 미국의 음악비평가들의 평문을 통해서 확인되고 있다. 보다 본질적인 면에서, 19세기 프랑스 무용비평과 20세기초 미국 무용비평의 연관성을 논하기 위해 그 시대를 대표하는 비평가들의 비평적 관점들을 비교하였다. 구체적으로 그들의 평문에 나타나는 여러 가지 관점들 중에서 가장 특징적인 요소로 잘 드러나는 다섯 가지 관점들 즉 그들의 평문에 나타나는 시적인 표현, 설명 혹은 묘사, 움직임이나 기교에 대한 분석, 평가, 그리고 교육적인 측면이 유추되었고 이를 토대로 테오필 고띠에와 칼 반 베첸, 에드윈 덴비의 연관성 여부를 살펴보았다. 그 결과, 고띠에와 반 베첸은 모두 다양한 예술 분야에 대한 포괄적인 지식과 어문학적인 저술 양식으로 무용예술에 대한 경험을 매우 생생하게 그리고 심미적으로 기술(記述)하였지만, 직접적인 무용 경험이 없었기 때문에 무용 기교와 안무에 대한 분석력에 있어서는 부족하였다. 이러한 유사성은 무용비평의 전형이 존재하지 않았던 미국 무용비평의 초기 역사에서 프랑스 무용비평의 영향력을 가늠할 수 있는 근거가 되었다. 미국 최초의 전업 무용비평가가 등장한 1920년대를 거쳐, 1930년대 후반부터 활동을 시작한 덴비는 무용비평을 다룬 초기의 미국 비평가들과는 다르게, 고띠에의 영향력에서 상당히 벗어나 있었다. 무엇보다도 덴비와 고띠에의 비평적 관점을 확연히 구분하는 차이는 움직임 분석과 평가, 그리고 교육적인 측면에 있었다. 그리고 이러한 덴비의 비평적 관점들은 20세기 중반이후 전문적인 미국 무용비평의 발전을 이끄는 원동력이 되었다. 이를 토대로 19세기 프랑스 무용비평과 20세기초 미국 무용비평의 연관성을 따져 볼 때, 20세기초에는 직접적인 영향관계에 놓여있던 반면에 1930년대 후반 이래로는 차이점들이 두드러지게 되었다. 그리고 이것은 바로 비평가들의 직접적인 무용 교육과 실제적인 무용 경험의 차이에서 기인하는 것이다. 물론 19세기 프랑스 극장예술비평가나 20세기초 음악비평가들이 갖춘 다양한 분야에 대한 지식과 어문학적인 소양 역시 무용비평에서 매우 중요한 요소이다. 그러나 더 나아가서 급변하는 현대의 무용예술을 다루는 무용비평가에게 있어서, 무용교육을 통한 전문적인 무용지식과 경험의 중요성은 계속적으로 부각되고 있다.

Lee Hoiby의 연가곡 《The Shining Place》 연구

신유리 이화여자대학교 대학원 2025 국내석사

본 논문은 미국 작곡가 리 호이비(Lee Hoiby, 1926-2011)의 연가곡《The Shining Place(빛나는 곳)》를 연구한 것으로, 에밀리 디킨슨(Emily Dickinson, 1830-1886)의 네 편의 시와 한 통의 편지를 바탕으로 1988년에 완성되었다. 호이비는 20세기 미국의 대표적인 작곡가로, 오페라와 예술가곡뿐만 아니라 관현악, 실내악, 합창 등 다양한 장르에서 활동하며 폭넓은 음악 세계를 구축하였다. 그는 서정적 선율과 풍부한 화성을 바탕으로 전통과 현대적 기법을 결합한 독창적인 작품들을 선보였으며, 특히 성악 작품에서는 텍스트와 음악을 유기적으로 결합하여 예술적 깊이를 더했다. 19세기 미국의 여류 시인인 디킨슨은 독창적 운율과 강렬한 이미지를 통해 미국 예술가곡 발전에 중요한 영감을 제공하였다. 이 작품은 모두 다섯 곡으로 구성되어 있으며, 각각 제1곡“The Shining Place”(빛나는 곳), 제2곡“A Letter”(편지), 제3곡“How the Waters closed”(어떻게 물이 닫혔는가), 제4곡“Wild Nights”(거친 밤), 제5곡“There came a Wind like a Bugle”(나팔처럼 바람이 불어왔다)이다. 본 연구에서는 먼저 문헌 조사를 통해 20세기 음악과 미국 음악, 예술가곡의 흐름을 검토하고, 호이비의 생애와 그의 예술가곡 특징, 디킨슨의 생애와 그녀의 시문학 특징을 알아보았다. 이를 바탕으로 《The Shining Place》에서 시와 음악이 결합된 방식을 특히 화성, 선율, 리듬, 피아노와 성악부의 상호작용에 초점을 맞추어 분석하였다. 그 결과, 《The Shining Place》는 전통적 음악 기법들과 현대적 음악 양식들을 조화롭게 결합하여 디킨슨의 시적 상상력과 철학적 성찰을 음악적으로 구체화한 작품임을 확인하였다. 이로써 이 작품이 20세기 미국 예술가곡에서 중요한 위치를 차지하는 작품임을 확인할 수 있었다. The paper examines The Shining Place (1988), a song cycle by American composer Lee Hoiby (1926–2011), as a unique fusion of the traditions and modern interpretations of 20th-century American art songs. This study evaluates the artistic significance of the work within the realm of modern vocal repertoire. Lee Hoiby, a prominent 20th-century American composer, contributed to a wide range of genres, including opera, vocal art songs, orchestral works, chamber music, and choral compositions. His music is known for its lyrical melodies and rich harmonies, seamlessly combining traditional forms with modern techniques. In particular, his vocal compositions reflect a deep integration of text and music, enhancing the artistic depth of his works. The song cycle The Shining Place is inspired by the poetry of 19th-century American poet, Emily Dickinson (1830–1886), whose innovative use of rhythm and vivid imagery significantly influenced the development of American art songs. Composed in 1988, the cycle includes five pieces: “The Shining Place,” “A Letter,” “How the Waters Closed,” “Wild Nights,” and “There Came a Wind Like a Bugle.” This paper reviews the historical and musical context of 20th-century American art songs, Hoiby’s musical style and career, and Dickinson’s life and poetic characteristics. Based on these foundations, the study analyzes how text and music are intertwined in The Shining Place, focusing on harmony, melody, rhythm, and the interaction between piano and vocal parts. In conclusion, The Shining Place exemplifies Hoiby’s skillful integration of traditional and modern elements to express Dickinson’s poetic imagination and philosophical reflections vividly. The work employs traditional techniques such as church modes, word painting, and modified strophic form while incorporating modern innovations, including irregular rhythms, expanded tonal language, and subtle harmonic progressions. Through the close interplay of piano and vocal lines, Hoiby conveys profound emotional resonance. As a result, this song cycle establishes Hoiby as a postmodern composer and solidifies the work’s position as a significant masterpiece in the history of 20th-century American art songs.

Ricky Ian Gordon(1956~)의 <Orpheus and Euridice> - Song Cycle in two acts for Soprano, Clarinet and Piano에 관한 연구

고정호 서울대학교 대학원 2014 국내박사

뉴잉글랜드 지방의 민요·종교음악과 모라비언의 영향으로 태동한 미국 가곡은 19세기 중반까지만 해도 유럽 음악에 기반을 둔 가곡들이 주류를 이루었다. 하지만 20세기에 들어오면서 찰스 아이브스(Charles Ives, 1874~1954)와 같은 미국적 색채를 강하게 띠는 작곡가의 등장으로 탈유럽적 가곡들이 본격적으로 등장하게 된다. 이러한 미국적 작품들은 민요적인 요소에서 시작하여 불협화, 12음 기법, 더 나아가 재즈에 이르기까지 다양한 분야와의 접목을 시도했다. 그 과정 끝에 많은 작곡가들은 인성(人聲)과 악기의 결합에 주목하여, 새로운 연출 기법과 작품 양식을 고안하고 독특한 양감과 질감을 갖춘 작품을 작곡하게 되었다. 그 변화의 중심에는 작곡가 리키 이언 고든(Ricky Ian Gordon, b.1956)이 있다. 그는 특히 오르페우스 신화와 자신의 무의식을 접목시켜 이 신화에 대한 새로운 해석과 연출을 보여주게 되는데, 연출가 더그 바론(Doug Varone)과 함께 이전에 없던 21세기 가무극을 탄생시키면서 미국 성악계에 신선한 바람을 일으키게 되었다. 성악을 에우리디체, 기악(클라리넷)을 오르페우스로 표현한 독창적 발상은 기존 오페라, 가곡과의 완전히 차별된 것이었다. 또한, 형식적 측면에서도 연가곡(song cycle)의 장르에 오페라의 막(act)이라는 형식을 대입함으로써 양식적 확장을 시도하였다. 본 논문에서는 20세기 미국 가곡의 흐름과 함께 고든의 작품 세계 전반을 통해 <Orpheus and Euridice>-Song Cycle in two acts for Soprano, Clarinet and Piano가 탄생한 배경을 조망하면서 본 작품의 모티브, 화성, 리듬 등 세부적 부분을 분석하였다. 아울러 같은 신화를 주제로 한 이전 작품들과의 비교를 통해 오르페우스 신화가 시대를 불문하고 음악적 모티브로 활용될 수 있었던 가치를 고찰하면서 20세기 후반 실험적 음악극으로서 고든의 <Orpheus and Euridice>가 갖는 미학적 가치를 정의하는 것이 본 연구의 목적이다.

리키 이안 고든의 <Too Few the Mornings Be> 음악분석 연구 : 제 1, 2, 3, 5, 8, 11곡을 중심으로

Shi, Yuanyuan 세종대학교 대학원 2025 국내박사

미국 현대 작곡가 리키 이안 고든 (Ricky Ian Gordon, b. 1956)은 기존 전통 작곡 스타일의 음악의 계승과 혁신 사이에서 균형을 찾으면서 독 특하고 다채로운 예술 스타일을 형성한 미국 예술 가곡의 좋은 예들을 보여주고 있다. 전통과 현대의 기법을 융합하는 능력과 다양한 음악 언 어에 대한 혁신적인 탐구와 적절한 응용 능력은 고든을 동시대 작곡가 들 중 탁월한 위치에 올려놓았다. 본고는 고든이 2000년 소프라노 르네 플레밍 (Renée Fleming, b. 1959)을 위해 작곡한 11곡의 소프라노 모음곡 집 <!-- Not Allowed Tag Filtered --><Too Few the Mornings Be (아침은 너무나 적고)>의 연구로 미국 시 인 에밀리 디킨슨 (Emily Dickinson, 1830—1886))의 시를 가사로 하여 창 작되었으며, 그 시 중 인간, 자연, 고통, 죽음이라는 네 가지 주요 주제 안에 있는 6곡을 선정하였다. 모음곡집 <!-- Not Allowed Tag Filtered --><Too Few the Mornings Be (아침은 너무나 적고)>는 고든이 가장 우선적으로 생각하는 서정적 선율의 사용, 쉽고 직관적으로 이해되 는 선율들이 사용되었다. 그러나 동시에 현대적인 불협화음과 이중 중심 음 체계, 빠르게 변하는 전조들, 선법음계의 사용, 재즈나 블루스 음계의 사용들은 현대적이고 파괴적인 탈 조성 음향들의 사용은 그가 현대적이 고 세련된 현 시대의 작곡가라는 것을 여실히 보여주고 있다. 이러한 그 의 선율적 단순성과 화성의 복잡성은 상징과 은유를 사용하는 디킨슨의 표면적 단순성과 내용적 복잡성의 이중성과 일치하며 시와 음악관계를 잘 드러내고 있다. 주요어:20세기 미국 예술 가곡, Ricky Ian Gordon, 리키 이안 고든, Emily Dickinson, 에밀리 디킨슨, <!-- Not Allowed Tag Filtered --><Too Few the Mornings Be>

Juliana Hall의 연가곡 <A World Turned Upside Down> 분석 연구

Wu, Yin 세종대학교 대학원 2025 국내박사

다문화와 사회변혁 속에서 발전해온 20세기 미국 예술가곡은 다원화 예 술 형태로 전통과 현대음악 기법의 융합을 보여준다. 줄리아나 홀(Juliana Hall, b. 1958)은 현대 미국의 중요한 예술가곡 작곡가로, 그녀의 예술가곡 은 텍스트에 대한 깊은 이해를 기반으로 ‘가사에 봉사하는 음악’을 강조하 였으며 선율, 화성과 리듬을 통해 텍스트의 감정과 장면을 생생하게 표현하 였다. 특히 그녀의 연가곡 <!-- Not Allowed Attribute Filtered ( World Turned Upside Down) --><A>은 네덜란드 작 가 안네 프랑크(Anne Frank, 1929-1945)의 일기인 ⌜안네의 일기⌟를 바탕으 로 작곡한 것으로, 산문체 가사와 현대 작곡 기법을 융합하여 풍부한 정서 적 차원과 음악적 표현을 보여준 작품이다. 홀은 전체 7곡에 담긴 전쟁에서 의 몸부림, 희망과 환상 등의 주제를 다양한 스타일로 표현하고 가사와 선 율의 밀접한 연결과 조화를 보여주었다. 그녀는 주로 다양한 선율, 자주 변 화하는 리듬, 유연한 형식, 가사 분위기를 조성하는 반주부, 끊임없이 발전 하는 확장 조성, 그리고 정교한 가사 그리기 기법을 활용하여 가사의 전달 과 표현에 집중하였다. 이처럼 줄리아나 홀의 음악은 가사에 대한 깊은 이 해와 섬세한 감정 표현이 핵심이 되어 21세기 예술가곡 창작에 새로운 시 각을 제공하였다. 그녀의 작품은 미국 예술가곡 전통을 계승하였을 뿐만 아 니라, 과감한 혁신을 통해 미국 예술가곡을 현대화와 다양화로 이끌면서 앞 으로의 발전에서 선도적인 역할을 하고 예술과 문화의 융합의 깊은 의미를 구현하였다. 주요어: 20세기 미국 예술가곡, 줄리아나 홀, <!-- Not Allowed Attribute Filtered ( World Turned Upside Down) --><A>, ⌜안네의 일기⌟, 산문체 가사

Daron Aric Hagen 의 연가곡 <Merrill Songs> 분석 연구

Yao, Huanxu 세종대학교 대학원 2025 국내박사

American art songs emerged within the context of immigration, showcasing the fusion and development of diverse ethnicities, cultures, and musical traditions. Against this historical backdrop, American composer Daron Aric Hagen created the art song cycle <!-- Not Allowed Tag Filtered -->&lt;Merrill Songs&gt; based on the poetry collection 「A Scattering of Salts」. This work exemplifies a rich amalgamation of various musical styles, integrating elements of both traditional and contemporary techniques. 「A Scattering of Salts」, a compilation of James Merrill's philosophical poetry, delves deeply into reflections on life and death. Raised in the elite circles of American society, Merrill cultivated a unique inner world, evident in his poetry’s dense symbolism and intricate metaphors, which often challenge readers' understanding. The collection’s title, 「A Scattering of Salts」, carries multilayered symbolism, encapsulating themes central to Merrill's life as a gay man—such as 'love' as both salvation and a force leading to his demise. These symbolic meanings permeate the collection, with Merrill’s refined verses embodying profound philosophical contemplation. On a poetic level, the individual poems are interconnected, and the eight songs in the cycle convey the cyclical nature of life and death through a circular structure. Hagen diverged from the original sequence and form of the poems, instead reinterpreting and reconstructing them to ensure the meanings of the words are more vividly conveyed when sung on stage. Musically, Hagen employs motivic repetition within each vocal line to illustrate key symbolic meanings from the poems. Unlike composition methods emphasizing vertical harmonic progression, Hagen’s work prioritizes horizontal melodic development, characterized by a polyphonic structure with contrapuntal imitation among the parts. Tonally, while certain sections hint at tonal systems, the majority of the songs are atonal. The accompaniment takes on a leading role, presenting primary motifs rather than merely supporting the vocal line. Through repeated ostinatos, the vocal and piano parts exchange melodies as equal partners, forming an intricate ensemble. This study reveals that Hagen thoroughly immersed himself in the textual and philosophical essence of Merrill's poetry before composing. By embedding his unique interpretations, Hagen reimagined the poetry musically, allowing Merrill’s world to be effectively expressed on stage. Hagen’s exceptional compositional techniques and his profound emotional insights expand and elevate the inner vitality of Merrill’s poetry through the language of music, achieving a distinctive artistic expression. It is hoped that this research will serve as a valuable resource for future performances and academic studies of Hagen’s art songs. Keywords: 20th-century American art songs, Daron Aric Hagen, James Merrill, <!-- Not Allowed Tag Filtered -->&lt;Merrill Songs&gt;,「A Scattering of Salts」 미국의 예술 가곡은 이민자들에 의한 다양한 문화가 융합된 결과로, 서로 다른 민족, 문화, 음악 전통의 융합과 발전을 보여주며 20세기에 들어 독창 성이 전제된 다양한 형태의 가곡들이 미국 가곡의 전성기를 이루었다. 이러 한 시대적 배경 속에서 미국 작곡가 데런 에릭 하겐은 시집 「흩뿌린 소금 (A Scattering of Salts)」를 바탕으로 한 예술 가곡 &lt;메릴 송(Merrill Songs)&gt; 를 창작하며, 다양한 음악 스타일을 융합하여 전통과 현대 음악 기법의 다 채로운 면모를 보여준다. 「흩뿌린 소금」은 제임스 메릴의 철학적인 시들 로 구성되어 있으며, 삶과 죽음에 대한 깊은 사유를 탐구한다. 인문학적 소 양이 깊었던 메릴은 그만의 독특한 내면 세계를 형성하였고, 그의 시는 상 징과 은유가 나타나면서 이해에 난해함을 보여준다. 시집의 제목 「흩뿌린 소금」의 '소금'은 메릴의 삶의 중요한 핵심이었던 '사랑’을 의미하며 이 사 랑은 그를 ‘죽음’에 이르게 하는 다층적 의미의 상징을 가진다. 이와 같은 상징들은 시집 전반에 나타나면서 깊은 철학적 사유를 보여준다. 시적 측면에서 각 시들은 서로 유기적으로 연결되어있으며, 삶과 죽음의 연결을 주제로 하는 8곡은 생과 죽음의 순환 상징을 순환적 구조로 보여준 다. 하겐은 시의 원래 구조를 완전히 따르지 않고, 시를 재구성하고 해체함 으로써 무대에서 시가 노래될 때 단어들의 의미가 더 정확하게 전달될 것 을 기대하였다. 음악적 기법 측면에서 하겐은 각 성부 선율에 동기 음형의 반복을 사용하여 각 시에 나타난 주요 상징적 의미들을 표현하였다. 수직적 화성 중심으로 한 작법과 비교할 때, 하겐의 작품은 수평적 선율 전개에 더 중점을 두고 있으며, 각 성부 간 대위적 모방이 사용된 폴리포니적 구조가 주를 이룬다. 조성적으로는 일부분 조성 체계가 나타나며, 대부분의 곡들은 모두 무조성의 곡으로 쓰여졌다. 반주부의 역할은 성악 선율의 서술을 보조 하는 역할이 아닌, 주도적인 음형의 제시의 역할을 하며, 제시된 음형은 반 복적 오스티나토를 형성하여 성악성부와 피아노성부는 대등하게 선율을 주 고 받으면서 앙상블로서 구성된다. 하겐의 음악 창작에서 드러나는 뛰어난 기법과 감정에 대한 깊은 통찰은 시의 내적 생명을 음악적 언어로 확장하고 승화시켰으며, 이를 통해 독창적 인 예술적 표현 방식을 완성했다. 본 연구가 향후 하겐의 예술가곡의 연주 및 학술적 연구에 유용한 자료로 사용되기를 기대한다. 주요어: 20세기 미국 예술가곡, 데런 에릭 하겐, 제임스 메릴, &lt;메릴 송&gt;, ⌜흩뿌린 소금⌟

존 앨든 카펜터의 연가곡 <기탄잘리> 음악분석 연구

Zheng, Shuhua 세종대학교 대학원 2025 국내박사

본 논문은 20세기 초 미국 작곡가 존 앨든 카펜터(John Alden Carpenter, 1876-1951)가 아시아 인도 문학가 라빈드라나트 타고르의(Rabindranath Tagore, 1861-1941) 시집 『Gitanjali(기탄잘리)』(1912) 중 6편의 시를 가사로 지은 연가곡 <Gitanjali(기탄잘리)>을 연구하였다. 본 논문은 크게 이론적 배경과 음악 작품 및 시 분석의 두 부분으로 구성된다. 연구 결과 카펜터의 연가곡 <Gitanjali(기탄잘리)>에 담긴 철학적인 사상과 그것을 음악으로 풀어낸 카펜터의 특징에 대해 알 수 있었다. 카펜터는 우선 타고르의 시에 대한 깊은 이해를 바탕으로 원시의 순서를 변형하여 6곡의 순서를 구성하였는데, 이로 인해 전체 연가곡이 <생명-죽음-생명-죽음-생명-초탈의 기쁨>의 흐름으로 타고르의 철학적 윤회사상을 표현하고 있음을 알 수 있었다. 또한 카펜터는 20세기 작곡가임에도 불구하고 낭만주의 음악에서 관습적으로 사용되었던 음악 양식과 인상주의의 영향을 받은 작법 스타일을 구사하였고 반주부의 다양한 리듬 패턴과 선율 구성으로 시를 구체적으로 표현하였다. 카펜터의 시 표현 방식에는 낭송조 스타일의 성악 선율이나 동음반복, 긴 음의 사용, 가사 그리기 등의 작곡 기법 역시 사용되었는데 그는 이러한 기법으로 시의 의미를 전달하고 시어의 자연스러운 운율을 부각시켰다. 본 연구로 카펜터의 후속 음악 연구나 타고르 문학을 노래 가사로 한 작품들의 연구에 도움이 되고, 실제 음악 연주 시 보다 더 나은 음악적 해석을 위해 유의미한 이론적 자료로 사용되기를 희망한다. 주요어: 20세기 미국 예술가곡, 존 앨든 카펜터, John Alden Carpenter, Tagore, 타고르의 시, Gitanjali(기탄잘리) This thesis studies the American composer John Alden Carpenter (1876-1951) and his song cycle <Gitanjali>, which is based on six poems from the collection of poems <Gitanjali, 1912> by the Indian litterateur Rabindranath Tagore (1861-1941). The main point of this paper is divided into two main sections: the theoretical background and the analysis of the musical work and poems. It is found by this thesis that Carpenter’s <Gitanjali> reflects philosophical ideas and demonstrates his unique approach to musical interpretation. Carpenter showed his deeply understanding to Tagore’s poems by rearranging the poems original order to create a song cycle that follows a thematic flow of “birth – death – birth - death - birth - endless joy” thereby embodying Tagore’s philosophy of eternal cycle of birth and death. Although Carpenter was a 20th-century composer, he employed musical styles typical of Romanticism, alongside techniques influenced by Impressionism, particularly in his use of varied rhythmic patterns and melodic structures in the accompaniment to vividly convey the essence of the poems. Carpenter’s compositional techniques for setting the poems include recitative, repeated notes, sustained tones, and word painting, all of which capture the natural rhythm and deeper meaning of the poetry. This study contributes to further research on Carpenter’s music and on compositions using Tagore’s literature as song lyrics. It also provides valuable theoretical insights that can enhance the musical interpretation of Carpenter’s work in performance. Keywords: 20th Century American Art Song, John Alden Carpenter, Tagore, Tagore's poetry, Gitanjali