Benjamin Britten의 On this island, Op.11에 관한 반주 및 분석 연구

박선주 이화여자대학교 대학원 2015 국내석사

본 논문은 벤자민 브리튼(Benjamin Britten, 1913-1976)의 연가곡 「이 섬에서 On this island Op.11」(1937)에 관한 분석 연구이다. 이 논문에서는 먼저 영국성악 음악의 전반적인 흐름을 알아보고 브리튼의 음악과 삶의 영역에 있어서 큰 영향을 끼친 시인 오든 (Wystan Hugh Auden, 1907 – 1973)에 대해 살펴보고자 한다. 이후에 브리튼의 생애와 음악을 짚어보고 그의 연 가곡「이 섬에서 On this island Op.11」를 집중 분석하여 그 특징들을 알아봄으로 이 작품을 연주하고자 하는 연주자들의 이해를 돕고자 한다. 브리튼은 20세기 영국을 대표하는 뛰어난 작곡자, 피아니스트, 지휘자로서 여러 분야의 곡을 작곡하였지만, 그 중에서도 80여곡이 넘는 성악음악을 작곡함으로 퍼셀 (Henry Purcell, 1659-1695) 이후 영국 성악 음악 발전에 큰 기여를 한 인물로 손꼽힌다. 특히 브리튼은 연가곡 분야에 많은 주력을 하였고 가곡작곡에 있어서 그는 시의 내용을 매우 중요하게 생각하여 음악에서 시적인 표현과 묘사에 많은 초점을 두었다. 이 논문에서 다루어진 브리튼의 연가곡 「이 섬에서 On this island Op.11」는 그의 초기 연가곡으로 1930년대 영국을 이끈 대표적 시인 오든의 시집「보라, 나그네여! Look, Stranger!」에서 영감을 얻어 작곡된 최초의 피아노 반주 연가곡이다. 이 곡은 5개의 노래로 구성되었지만 시적, 음악적 서로 연속성을 가지지 않으며 각 곡마다 각기 다른 다양한 독립된 형식을 취하고 있음을 알 수 있다. 이 연가곡 연구를 통해 먼저는 영국성악음악의 시대별 특징들을 알아보았고, 시를 매우 중요시 하는 브리튼의 음악을 이해하기 위해서 시인인 오든의 생애와 그의 시에 대해 살펴보았다. 브리튼은 이 작품에서 가사마다 의미를 부여하려하고 그것을 음악적으로 표현하려는 음회화기법(word painting)을 사용하였으며 각운의 음악적 배치와 다이나믹 변화를 통해 이를 더 효과적으로 표현하였다. 또한 17세기 바로크 시대의 장식리듬에 의한 변형방법을 사용하였고 장조와 단조의 전통적인 조성체계를 유지하였으며 고전적 대위법 기법들을 사용하여 전통적 선율들을 전개하였다. 그리고 조성 파악이 애매모호한 현대적 기법과 불협화음을 통한 독특한 소리의 구현, 재즈풍의 리듬 등 현대적인 여러 가지 기법들도 사용하였는데, 이 방법들은 브리튼이 전 통적인 선율과 현대적인 기법의 절충적 양식을 추구한 것임을 알 수 있다. 우수한 음악적 감각으로 시어들을 그만의 음악 속에 담아내는 표현들과 이전 시기 작곡가들의 음악 기법을 현대적 기법과 더불어 자신이 원하는 음악적 재료로 활용한 독특한 방법들은 브리튼이 성악 음악에서 인정받는 작곡가임을 확인 시켜주며 「On this island」를 비롯한 그의 가곡들은 그 당시부터 지금까지 높이 평가되어지는 작품들이다. This paper presents an analysis on Benjamin Britten’s song cycle 「On this island Op.11 (1937)」 . Following the exploration on the overall flow of British vocal music, this paper will examine the poet Wystan Hugh Auden who had great influence on Britten’s music and life. Then I will go over Britten’s life and music before focusing on analyzing the characteristics of 「On this island Op.11 (1937)」 in means of helping vocalists’ understanding of the piece. Benjamin Britten composed various pieces as a composer, pianist, and conductor of the 20th-century but he is best known as one of the most influential figures to contribute in British vocal music, writing over 80 vocal pieces, after Henry Purcell (1659-1695). Britten especially focused on song cycles and as he considered the contents of the poems important, he concentrated much on the musical delivery of poetic expressions or descriptions. This paper discusses one of the very first song cycles of Britten, 「On this island Op. 11 (1937)」, that was inspired by Auden’s book of poems 「Look, Stranger!」; this is the first accompanied song cycle. While this song cycle is consists of five songs, each has an independent structure different from one another. For full comprehension of Britten’s music, this paper has studied the features of British vocal music periods along with Auden’s life and his work. In 「On this island Op.11(1937)」 Britten uses a musical technique, word painting, to show his intention of adding meaning to lyrics and was also able to effectively express this by using the end rhymes arrangements and dynamic changes. In addition, he applied variation from 17th century Baroque ornamentation, maintained the traditional major-minor tonality, and used classical counterpoints to stretch out the traditional tune. Britten’s pursuit to find a eclectic style between traditional tonality and modern technique can be found in using modern techniques which tonality are hard to trace, unique sound made from dissonance, jazz rhythms, etc. Britten used his gifted talent in music to serve poetic diction in music and tried to be as original as he can by applying traditional and modern musical techniques as his materials, and this is what confirms his position as Britain’s most significant composers in vocal music history. 「On this island Op.11 (1937)」 is one of his many brilliant pieces that received attention.

카르그 엘러트의 오르간 작품 “파르티타 레트로스페티바(Partita Retrospettiva)(Ⅲ) op.151”에 대한 연구

이승연 이화여자대학교 대학원 2010 국내석사

This study aims to investigate musical traits of organ works by Sigfrid Karg-Elert (1877-1933). It examines one of his later works, 「Partita Retrospettiva(Ⅲ)」(op.151). Karg-Elert was not only an astonishing player with excellent techniques for both the piano and organ but also a wonderful conductor and teacher. From his childhood, he exhibited his startling talent and was recognized by musicians at the time. He learned various music styles and then developed his own style. Karg-Elert was born in Germany in the late 19th century, yet he was positively and successfully influenced by music from other countries. Impressionism, led by Debussh, was flourishing in France. There is no doubt that Karg-Elert's music was influenced by French impressionism. Moreover, the construction of Aristide Cavaille-Coll (1811-1899)'s organ impacted the representative characteristic of Karg-Elert, registration. Karg-Elert enjoyed his use of orchastrastic stops: he especially preferredreed the use of reed stop in his works. Instead of aligning tones one after another, he mixed various tones and the 'impression of color' and excluded pitch in the middle and created what is uniquely his. He was also influenced by six propensities of American organ music and jazz during the early twenty century. Interestingly, one of his late works, Partita Retrospettiva, took a form of Baroque period. This has 4 movements. Many parts showed some charateristics of short piece which were widely used in French Impressionism. At the same time, by quoting melody or rhythm which Bach used, it showed a feature of Baroque style. He frequently used modulation or chromatic that indicated new traits of twenty century music. Karg-Elert is an honorable composer who sublimates the various styles into a unique trait by efficiently among those types of music and utilized mechanical characteristics of timber organ at the time. His style possessed diversity and the twentieth century. 본 논문은 독일의 후기 낭만주의 작곡가인 지그프리드 카르그 엘러트(Sigfrid Karg-Elert, 1877-1933)의 오르간 작품에 나타나는 음악적 특징을 그의 생애와 시대적 배경을 통해 알아보고 카르그 엘러트의 후기 작품인 「파르티바 레트로스페티바(Ⅲ)」((Partita Retrospettiva(Ⅲ), op.151, 1931-1932)을 집중적으로 분석하는 데에 그 목적이 있다. 카르그 엘러트는 피아노와 오르간에 있어서 뛰어난 테크닉을 가진 연주자였으며, 작곡가이자, 지도자였다. 그는 유년기 시절부터 뛰어난 재능을 선보여 당시의 많은 음악가들로부터 음악적 재능을 인정받았고 그들에게 다양한 음악 스타일들을 배웠으며, 그것을 자신만의 독특한 음악 스타일로 완성시켰다. 카르그 엘러트는 1800년대에 독일에서 태어났지만 그는 모국의 음악 뿐만 아니라 다른 나라의 음악도 적극적으로 받아들였다. 당시 프랑스에서는 드뷔시를 중심으로 인상주의 음악이 등장하였으며 카르그 엘러트는 그것의 영향을 받아 음악에서의 색채감을 표현하고자 하였다. 또한 프랑스의 까바이예-꼴(Aristide Cavaille-Coll, 1811-1899)오르간의 제작은 카르그 엘러트의 오르간 음악의 특징인 음색조합(registration)에 있어서 큰 영향을 미쳤다. 카르그 엘러트는 음색에 있어서 오케스트라적인 화려한 음색을 즐겨 사용하였으며, 특히 리드 음색을 선호하였다. 그리고 그는 음색을 순차적으로 배합하지 않고 중간의 피치가 제외된 독특한 조합을 시도하여 음색의 다양함과 색채감을 표현해 내었다. 그리고 20세기 미국 오르간 음악의 6가지 성향과 더불어 재즈음악의 영향을 받았다. 여기에 모국인 독일의 오르간 음악의 요소까지 합쳐져 그의 음악에는 한 가지로는 정의내릴 수 없는 다양한 음악성향을 모두 보여준다. 이것은 그의 후기 작품인 「파르티바 레트로스페티바(Ⅲ)」에서 완성되어 졌다고 할 수 있다. 이 곡은 제목에서도 알 수 있듯이 바로크 시기에 유행했던 파르티타 형식으로 쓰여져 모두 4악장으로 이루어져 있다. 이 작품에서는 한 악장 안에서도 확연히 분리되는 여러 부분들을 쉽게 발견 할 수 있는데, 이것은 프랑스의 인상주의 음악에서 즐겨 사용한 소품적인 성격이 드러남을 알 수 있다. 또한 카르그 엘러트는 이 곡에서 바흐가 즐겨 사용했던 선율이나 리듬패턴을 자주 인용하여 바로크적인 음악성향을 드러냈으며, 빈번한 전조나 반음계의 사용 등을 통해 색채감과 20세기의 새로운 음악 성향을 나타내었다. 이처럼 카르그 엘러트는 다양한 시기의 음악양식과 당시 오르간의 기계적, 음색적 특성을 최대한 효율적으로 절충하여 자신만의 스타일로 승화시킨 훌륭한 작곡가이다. 또한 그는 19세기에서 20세기로 넘어가는 과도기에 걸맞는 음악의 다양성과 복합성을 두루 갖춘 작곡가이다.

1950년대 이후 중국 얼후 창작음악에 관한 연구 : 류원진(劉文金, 1937-2013)과 완젠민(王建民, 1956-)의 작품을 중심으로

Wu, Jiayue 이화여자대학교 대학원 2023 국내석사

얼후(二胡)는 중국 전통 민족악기로 수(隨), 당(唐), 송(宋), 원(元), 명(明), 청(清) 등의 왕조를 거쳐 해금(奚琴)에서 후금(胡琴), 얼후로 그 명칭이 바뀌어 왔다. 오랜 시간 동안 얼후는 민간음악의 반주를 위한 악기로 쓰이며 중요악기가 아니었다. 원나라, 명나라, 청나라 시대에는 반주악기로서 궁중음악에 사용되었지만, 여전히 민간에서 더 많이 쓰였으며 주로 희곡이나 종교의식에 사용되었다. 그러나 20세기에 접어든 뒤 얼후는 새로운 시대를 맞이했다. 얼후음악의 역사는 초창기(1915~1949), 발전기(1950~1979), 그리고 전승과 탐색시기(1980~)로 구분할 수 있는데, 100여 년의 발전과정을 거치며 비약적 발전을 이루었고 얼후를 위한 독주곡들이 작곡되기도 했다. 화옌준(華彥鈞, 1893~1950)을 통해 얼후는 대중적으로 널리 알려지게 되었으며 류톈화(劉天華, 1895~1932)는 과학적인 창작관을 바탕으로 최초로 얼후를 개량하고 발전시킨 대표적 인물로 알려져 있다. 이후에 등장하는 류원진(劉文金, 1937~2013)은 얼후를 사용한 창작음악을 더욱 계승, 발전시켰다. 특히나 류원진은 류톈화에 이은 또 한 명의 유명한 작곡가로서 얼후를 사용한 새로운 창작방식의 튼튼한 기초를 마련했다. 작곡가 완젠민(王建民, 1956~)은 류원진이 마련한 기초를 바탕으로 얼후 음악을 보다 심층적이고 현대적인 방향으로 발전시켰다. 본 논문은 중국 얼후 창작음악의 발전사를 초창기(1915~1949), 발전기(1950~1979), 전승과 탐색시기(1980~)의 세 부분의 발전 단계로 구분하고, 각 단계의 사회상황과 정치적인 예술에 관한 방침, 그리고 각 단계별로 얼후 음악의 대표적인 작곡가와 대표작 그리고 음악적 특징을 간단하게 정리하였다. 또한 얼후 창작음악의 발전기와 전승 및 탐구기의 기념비적인 작곡가 류원진과 완젠민, 그리고 두 작곡가의 대표작인 《싼문샤 카프리치오》(三門峽暢想曲, 1960)과 《얼후 랩소디 제2번》(第二二胡狂想曲, 2001)을 중심으로 창작기법과 특징을 분석하며 이들 작품에 음악적 계승, 차용, 혁신의 측면이 주요하게 작용하고 있음을 발견, 제시하였다. 본 연구는 중국 전통 민족악기인 얼후가 100여 년에 걸쳐 어떻게 발전해왔으며 작곡가들이 어떤 방식으로 얼후 음악을 창작했는지를 이해하는 하나의 기반을 마련하는 것일 뿐만 아니라, 앞으로 얼후 창작음악의 발전 가능성 및 미래를 제시한다는 점에서 그 의의를 찾을 수 있다고 하겠다. The erhu is a Chinese traditional instrument that has undergone an evolutionary process from the xiqin, to the huqin, to the erhu, spanning the Tang, Song, Yuan, Ming and Qing dynasties. For a long period of time, the erhu hovered in the status of a folk accompaniment and was not given much attention. During the Yuan, Ming and Qing dynasties, although the erhu entered the court as an accompaniment instrument, it was more commonly seen in folk music, used for theatrical accompaniment or religious ceremonies. In the 20th century, the erhu came into its own. After more than a hundred years of development, the Erhu solo piece has been rapidly developed and enhanced. After Hua Yanjun brought the erhu into the public eye, Liu Tianhua became a representative of the first generation of erhu reform and development by applying scientific and advanced creative ideas and concepts, which opened the way for Liu Wenjin to further inherit and develop the art of erhu and laid a solid foundation. At the same time, Liu Wenjin, as another monumental composer after Liu Tianhua, paved the way for new creation and development of the erhu. The composer Wang Jianmin, on the other hand, built on Liu Wenjin's compositions and made a deeper and more modern development of erhu music. This paper takes the history of the development of erhu creative music in China and divides it into three stages of development: the initial period, the development period, and the heyday and exploration period, and provides an overview of the development of erhu art and wood at each stage. In addition, starting from Liu Wenjin and Wang Jianmin, the landmark composers of the development period and the heyday and exploration period of erhu creative music, the two composers' masterpieces "Sanmenxia Imagination” and "The Second Erhu Rhapsody” are used as the center to analyze the compositional characteristics of the music and discover the inheritance and development of erhu art. This study provides a better understanding of how the erhu, an instrument rooted in traditional Chinese culture, has developed over the past hundred years, what efforts composers have made to create erhu music. It is meaningful for the better development of erhu composition music in the future, and how to achieve a balance of inheritance, borrowing, and innovation in the development.

헨델(G.F. Haendel)의 “줄리오 체자레”(Giulio Cesare)의 인물성격과 음악과의 관계

노지희 이화여자대학교 대학원 2010 국내석사

본 논문의 목적은 헨델(G.F. Händel, 1685~1759)의 ‘줄리오 체자레’(Giulio Cesare) 가 작곡된 바로크 시대의 사회적 배경을 살펴보고 이 사회적 배경을 통해 오페라 대본에 나타난 인물의 성격을 분석하고 이 인물의 성격과 음악과의 관계를 알아보는 것이다. 이러한 연구가 필요한 이유는 바로크의 작품인 헨델의 오페라를 현대적 시각에서 이해하는데 어려움이 있기 때문이다. 이 어려움은 현대의 시각에서 근대이전의 작품은 친숙하지 않고, 현대의 사상으로는 이해되기 어려운 점이 많은데 특히 오페라는 그 어떤 다른 음악 장르보다 사회적 규범들이 많이 투영되어 있는 장르이기 때문에 오페라의 이해를 위해서는 그 오페라가 만들어진 시대의 사회적 배경의 이해가 필수적이다. 결국 사회적 배경의 이해는 오페라의 음악적 이해의 기본전제 조건을 이루기 때문이다. 본 논문은 헨델의 ‘줄리오 체자레’의 작품의 이해를 돕기 위해서 18C의 바로크 사회의 특성을 살펴보고 이 사회적 배경이 오페라 대본에 미친 영향을 등장인물의 성격묘사를 중심으로 살펴보고자 했다. 또한 바로크시대의 행동양식은 인물의 성격묘사 뿐 아니라 바로크시대의 음악 표현 양식인 감정이론의 토대가 되어 음악에도 영향을 미쳤기 때문에 인물의 성격에 따른 음악적 표현 특성을 살펴보았다. 연구 제한점으로 ‘줄리오 체자레’의 음악에서 모든 아리아를 분석하지 않고 인물성격을 잘 나타내는 특징적인 다카포 아리아(da capo aria)를 중심으로 분석하였다. 그 이유는 당시 바로크 오페라는 다카포 아리아가 주를 이뤘기 때문이다. 따라서 본 연구에서 아리아 분석은 인물의 성격을 분석하기 충분하다고 여기고 아리아 분석을 통해 인물의 성격의 특징을 도출하였다. 분석 결과, 인물성격은 다음과 같았다. 줄리오 체자레는 로마의 총독으로서 영웅적인 모습으로 그려졌다. 비극의 순간에서도 차분한 성격을 유지하였고 자신의 감정을 드러내지 않는 이성적인 인물로 묘사되었다. 작품이 쓰인 당시는 봉건주의 시대였는데 그 체제에 빗대어 본다면 줄리오 체자레는 지배계층을 상징하는 인물이었다. 바로크 행동양식에서 비춰지는 것은 ‘본심위장-디씨물라치오네(dissimulatione)'이다. 그리고 흥분 가운데 예의를 지키는 ‘의식-치리모니에’가 나타났다. 이러한 면이 음악에 있어서도 잘 묘사되었다. 분노의 감정을 잘 통해하는 성격을 나타내기 위해 분노의 아리아에서도 체자레만 예외적으로 안단테 빠르기로 진행하였고, 음정에 있어서 넓게 도약하고 옥타브의 하행하는 것으로 체자레의 용감한 성격을 나타내기도 하였다. 클레오파트라는 당당한 매력의 소유자로 미를 통해서 정치적 권력을 얻고자 하는 인물로 그려지고 있다. 성격이 낙천적이고 당찬 클레오파트라는 음악에 있어서 대부분 알레그로 빠르기로 표현되었다. 코르넬리아는 우아한 로마의 여성으로 그려졌다. 바로크 행동양식으로는 ‘오류무시-스프레짜투라(sprezzatura)'가 인물 성격으로 그려졌다. 분노의 감정을 드러내지 않고 끝까지 여러 남성들의 유혹에도 끝까지 지조를 지키는 여인으로 나온다. 음악에 있어서 코르넬리아의 우아한 자태를 표현하기 위해 대부분 느린 템포로 진행한다. 라르고와 안단테 빠르기가 아리아의 특징이다. 세스토는 처음에 자살을 시도하지만 어려운 역경을 극복하는 인물로 묘사되고 있다. 톨로메오를 죽이려는 계략을 펼치는 것은 바로크 행동양식인 ‘본심위장-디씨물라치오네(dissimulatione)'라고 할 수 있다. 음악적 특징은 분노의 아리아는 대부분 알레그로로 진행하지만, 세스토의 경우 안단테 빠르기를 갖는 것이 특징이다. 톨로메오는 잔인한 성격으로 묘사되었다. 가볍고 교활한 자로 그려졌다. 잔혹한 성격은 음악에 있어서 들쭉날쭉하고 분리된 멜로디와 예상할 수 없는 리듬이 특징이다. 이렇게 대본과 음악의 분석 결과 대본에서 본 인물의 성격이 음악에서 잘 연결되어 있음을 확인할 수 있었다. The purpose of this paper is to examine the relation between person's character and music in "Giulio cesare" of Händel. We need to know social background knowledge of the baroque period for understanding the pieces of Handel well. Therefore, as a theoretical background, we will understand an absolute monarchy society in 17-18C (the baroque period)>, understand patterns of behavior of feudal society in the baroque period and examine the Affentenlehre included by the baroque period. For helping to understand Affentenlehre, I conducted Descartes' Les Passions de l'âme and Affentenlehre as well as musical rhetoric theory and Affentenlehre. And in the body, I will analyze the piece, "Giulio cesare". I will divide this piece into script and music largely and in the result of analysis, I will examine if there is corelation each other. Firstly, I will examine the historical background of script for analysis of person's character and state that person's characters are different by each piece through the examples of several pieces. And I will compare and analyze the historical facts and the script contents of Nicola Franceso Haym. And I will analyze person's characters in the script. Secondly, I will examine the relation between person's character and music. I will examine the relation between aria by Descartes' Les Passions de l'âme and person's character as well as analyze the musical expression methods of aria by each person. As the result, I can confirm that person's characters in the script are shown in music well.

Benjamin Britten의 Cabaret Songs에 대한 연구

홍안나 이화여자대학교 대학원 2020 국내석사

본 논문은 벤자민 브리튼(Benjamin Britten, 1913-1976)의 Cabaret Songs(카바레 노래들)를 분석하여 카바레 음악이 브리튼의 음악에 어떻게 나타나는지 구체적으로 알아보고자 하였다. Cabaret Songs는 오든의 시에 벤자민 브리튼이 음 악을 붙인 네 개의 곡으로, 소프라노 헤들리 앤더슨(Hedli Anderson, 1907-1990) 에 의해 불려진 후, 1980년에 출판되었다. 먼저 곡의 제목인 카바레 음악에 대한 이해를 위해 카바레 문화가 생성된 문화적 배경과 사회적 상황을 파악하고 카바레 문화의 특징을 분석하였다. 카바레는 19세기 말, 프랑스의 예술가들이 카페나 술집에서 즐기던 작은 공연 문화를 말한 다. 순수 예술에 풍자적인 요소를 결합하여 지배 계층에 대한 불만을 풍자하고 사회적 이슈를 고발하였고 이로써 그들은 삶의 애환을 웃음으로 승화했다. 즉흥적인 공연이 대부분이었기 때문에 친숙한 선율이나 예로부터 내려온 춤곡의 형태, 노동요나 종교 음악에서 비롯된 음악적 요소들이 자주 등장하고, 반복되었다. 카바레는 시대를 거쳐 각 나라의 다양한 공연예술과 결합되어 또다른 장르를 탄생시키는 실험적인 연결고리가 되기도 했다. 카바레 음악은 순수예술과 대중성이 결합된 특징을 보인다. 대부분의 카바레 음악은 선율선이 단순하여 대중에게 접근성이 높고, 리듬패턴이나 후렴구가 반복적 이다. 화성은 후기 낭만주의 음악의 색채를 띄는데, 불협화음과 7화음, 9화음의 잦은 사용과 반음계적 이동은 조성을 흐리는 20세기 음악으로 향하는 양상을 보인다. 작곡가 벤자민 브리튼이 오든의 시에 카바레 음악을 접목한 양상에서도 카바레 음악의 대표적인 특징들이 담겨있다. 블루스(Blues), 스윙(Swing)과 같은 춤곡의 리듬, 칼립소(Calypso)와 같은 라틴 음악계 리듬을 반주패턴으로 사용하였다. 선 율의 움직임은 상당히 단순하고 반복적이며 후렴구가 자주 등장한다. 조성이 없는 부분이나 반음계적인 전조는 20세기 음악을 따르고 있다. 말하는 듯한 창법으로 오페라를 연상시키거나 호루라기를 부는 등의 다양한 변화를 통해 대중의 흥미를 충분히 유발한다. 더불어 Cabaret Songs에 나타난 브리튼만의 작곡기법과 20세기 음악의 특징을 분석하였다. 브리튼은 시의 분위기에 따라 반주형과 조성, 템포에 변화를 주는 통절형식을 자주 사용했고, 시의 단어나 풍경을 묘사하기 위하여 음향적으로도 다양한 기법을 사용하였다. 또한 조성음악을 벗어나는 20세기 작곡가들의 특징을 보 인다. 각 곡에 대한 자세한 분석을 통해 브리튼의 Cabaret Songs가 가지는 전체적인 특징을 파악할 수 있고 연주자로서 곡을 이해하는데 도움이 되도록 하였다. This paper analyzes specifically how Britten's Cabaret Songs(1913-1976) embody the cabaret music. Cabaret Songs consists of four songs by Benjamin Britten on Auden's poems. The songs were sung by soprano singer Hedley Anderson (Hedli Anderson, 1907-1990) and published in 1980. First, to understand the title of the song, cabaret music, my research identifies the cultural background and social situation in which cabaret culture was created, observing the characteristics of cabaret culture. Cabaret refers to the small performing culture that French artists enjoyed in cafes and bars in the late 19th century. They satirized the society, manifesting the discontent with the ruling class and parodied social issues and sublimated the joys and sorrows of life into laughter. Since it was mostly improvised performances, musical elements from familiar melodies or forms of dance songs from ancient times or from labor songs or religious music frequently are employed. Cabaret has been combined with various performing arts from various countries over time, becoming an experimental link that creates a new genre. Cabaret music features the combination of pure and popular arts. Most cabaret music contains a simple melody accessible to the public, along with the repetitive rhythmic pattern and chorus. Chord has the color of late Romantic music, and the frequent use of dissonant, seventh chord, ninth chord and chromatic harmonic progressions imply the trend of the 20th-century music that obscures tonality. Benjamin Britten integrated Auden's poetry and cabaret music such as blues, swing, and Latin rhythms. They were utilized in the piano accompaniment patterns. The Calypso melody contour is quite simple and repetitive and the chorus frequently reappears. The atonal passages and chromatic modulations display the modern sonority. Various vocal techniques such as making vocalists sing as if they were speaking, or blowing whistles make the audience get deeply involved and feel excited about the songs. There’s the link between Britten's own composing technique and 20th century music uncovered Cabaret Songs. Britten often used a common form and then transforming the accompaniment, structure and tempo, in order to reflect the mood of the poem. Various techniques were also used acoustically to describe the words and atmosphere of the poem. The in depth analysis of each song provides a fresh insight into Britten's Cabaret Songs and gives a guideline for performance and comprehension of this song cycle.

리햐르트 트룽크(Richard Trunk)의 <네 개의 경쾌한 노래(Vier heitere Lieder, Op. 63)> 연구 : 가사와 음악의 관계를 중심으로

노우희 이화여자대학교 대학원 2010 국내석사

본 논문은 20세기 초 독일 후기 낭만주의 경향의 작곡가이자 지휘자, 비평가였던 리햐르트 트룽크(Richard Trunk, 1879-1968)의 성악곡 <네 개의 경쾌한 노래 (Vier heitere Lieder, Op. 63)>에 관한 연구이다. 트룽크는 독일 나치 정권기에 활동했던 작곡가로서 나치당에서 활동한 기록이 전해지기도 하지만, 그 자신은 나치당에의 참여가 강요되었던 것이었음을 주장하였다. 트룽크의 음악 가운데에는 히틀러를 칭송하는 작품을 포함하여 약 5곡 정도가 나치당과 관련이 있기는 하지만, 그 외의 음악 작품에 그의 정치색이 크게 드러나 보이지는 않는다. 트룽크는 국내에는 잘 알려지지 않은 작곡가이지만, 당시 독일에서는 괴테 메달과 같이 유명한 상들을 그에게 수여하였고, 사후에는 ‘리햐르트 트룽크 아카이브(Richard Trunk Archives)’가 설립될 정도로 인지도 있는 작곡가였다. 그의 작품으로는 3개의 오케스트라 곡, 3개의 현합주 곡, 3개의 실내악 곡, 2개의 피아노 곡, 37개의 합창곡모음 그리고 200여곡의 피아노 반주 붙은 가곡으로 구성된 36개의 가곡모음이 있다. 특히 성악과 피아노를 위한 가곡은 그의 작곡 능력을 가장 잘 드러내준 장르라 할 수 있는데, 기본 조성에서 확장된 화성 진행, 쉽게 흥얼거릴 수 있는 성악 선율, 피아노와 성악 선율의 밀접한 관련성, 가사의 섬세한 음악적 표현 등이 그의 음악적 특징이 된다. <네 개의 경쾌한 노래> 역시 위에서 언급한 그의 음악적 특징들을 포함하고 있으며, 특히 네 곡의 가사와 음악의 관계는 매우 다양하게 나타난다. ‘썰매타기(Schlittenfahrt)’, ‘약속(Vertrag)’, ‘미뉴에트 (Menuett)’, ‘구혼 (Brautwerbung)’의 네 곡에서 트룽크는 그와 동시대 독일 서정 시인인 구스타프 팔케(Gustav Falke, 1853-1916), 크리스티안 모르겐슈테른(Christian Morgenstern, 1871-1914), 오토 율리우스 비어바움(Otto Julius Bierbaum, 1865-1910), 알베르트 세르겔(Albert Sergel, 1876-1946)의 시를 가사로 선택하였다. 네 곡에서 음악 형식은 시의 구조를 다양한 방식으로 반영하고 있으며, 시의 이미지와 구체적인 내용은 조성, 박자, 특정 음형의 사용을 통해 표현되었다. 특히 그가 강조하고자 하는 시어는 성악 선율뿐만 아니라 피아노 반주에서도 상징적 음형을 통해 반복적으로 사용되었다. 트룽크는 제 1곡과 3곡에서 시의 구조보다는 음악적 형식에 더 비중을 두었으며, 제 2곡과 4곡에서는 음악보다는 시의 형식에 더 비중을 두어 작곡한 것으로 보인다. 그는 시의 전체 형식 구조뿐만 아니라 문장 구조와 그 억양, 내용까지도 음악적으로 표현하고자 하였다. 또한 잦은 반음계적 진행과 장, 단조의 교대, 관계조가 아닌 먼 조(key)로의 갑작스런 전조, 변화음을 사용한 보다 풍성한 울림 등은 기존의 기능화성 중심의 조성 음악과는 거리가 있지만, 트룽크 음악에서의 화성 및 조성은 시를 음악 작품으로 표현하고자하는 하나의 중요한 전제가 된다. 트룽크는 20세기 서구 유럽의 현대 음악적인 요소를 강조하며 음악에 대해 이성적으로 접근하기 보다는 기존의 낭만적 울림 안에서 보다 확장된 음향과 섬세한 감성 표현으로 시와 음악의 감정적인 경향을 추구한 것으로 보인다. This is a study of ‘Vier heitere Leider,’ Op. 63, a vocal music by Richard Trunk (1879-1968), who was a German composer of Romanticism, conductor and critic in the early 20th century. Though Richard Trunk is not a well-known composer in South Korea, his Archives are currently being kept in Germany. In the complete balance of voice and accompaniment, in the painted nuances of tone, in the fine tasteful phrase technique, his compositions became one of the most famous and are still being performed by many musicians even today. Richard Trunk has composed three orchestra music, three string ensemble music, three chamber music, two piano music, 37 chorus music, and 200 vocal music with piano accompaniment. Richard Trunk was respected most for his achievements in composing music for voice with piano accompaniment. This thesis is a study of both Richard Trunk’s ‘Vier heitere Leider’ composed in 1931 and the way in which his music was influenced by the Nazi regime. Moreover, my thesis will look at the music trend in the early 20th century, as well as the style of music composed by Richard Trunk. Through this study, one can find a variety of relationship between lyrics and music of ‘Vier heitere Leider’. Richard Trunk chose to use poems written by Gustav Falke (1853-1916), Christian Morgenstern (1871-1914), Otto Julius Bierbaum (1865-1910) and Albert Sergel (1876-1946) as lyrics. ‘Vier heitere Leider’ is a bright and lively music. Comparing its four parts, the first and third focuses on the formation of music, whereas the second and fourth focuses on the formation of a poem. The first piece is formed of three verses and places emphasis on the expression and feeling of lyrics. The second piece is formed of five verses, and its speed and rhythm changes in accordance with the lyrics. The third piece is titled the 'Minuet' and is formed of five verses. The last but the least, fourth piece, shows the most freedom in terms of its musical formation. ‘Vier heitere Leider’ is therefore a clear example of how Richard Trunk used poetic lyrics to express his music.

가야금 줄풍류 形成에 관한 硏究 : 가즌회상을 중심으로

류지연 이화여자대학교 2007 국내박사

거문고 중심의 세악 편성으로 연주하는 줄풍류 음악이 형성된 것은 조선 후기로 여겨진다. 조선 후기 향리의 선비들과 경제적으로 부유했던 중인계층이 새로운 음악수용층이 되면서 음악문화에 변화를 가져온다. 조선 후기는 또한 중인계층의 가객과 풍류객에 의해 줄풍류 음악이 비약적으로 발전하는 시기이기도 하다. <영산회상>은 18세기 전반에 현행의 <중령산>이 만들어지고, 18세기에는 현행과 같은 줄풍류 음악이 형성되었다는 것을 알 수 있다. 이렇게 18세기에 줄풍류 음악을 발전시킨 것은 실제 음악을 담당하던 풍류객이었을 것이다. 줄풍류 음악문화를 형성한 풍류객은 거문고를 연주하던 선비뿐만이 아니라 전문적인 음악가집단을 포괄한다. 줄풍류 음악을 수록한 고악보가 대부분 거문고 악보이고, 거문고가 음악의 주된 선율을 연주하는 악기이기 때문에 대부분의 줄풍류에 대한 연구는 거문고에 집중되었다. 그러나 줄풍류 음악인 <영산회상>으로부터 여러 악곡이 파생되는 적층적 형성과정에는 전문 음악가집단이 훨씬 지대한 역할을 했을 것이다. 그렇기 때문에 줄풍류 음악의 형성과정을 논의하기 위해서는 고악보가 남아 있고, 명인들에 의해 다양한 줄풍류가 만들어지는 가야금이 오히려 연구대상으로 타당할 것이다. 본고의 연구목적은 가야금 음악을 통해 줄풍류 음악의 형성과정을 밝히는 것이다. 본고에서는 고악보에 수록된 가야금 줄풍류와 산조 명인에 의해 만들어진 개인 줄풍류, 그리고 현재 연행되는 경제와 각종 향제 줄풍류를 총망라하여 줄풍류 음악의 형성과정을 밝히는 것이다. 가야금 줄풍류가 수록된 가장 오래된 고악보는 19세기 초엽에 편찬된 것으로 여겨지는 『동대 가야금보』인데, 이 시기에 <영산회상>과 <잔도드리>가 정립된 것을 알 수 있다. <양청도드리>와 <글기도드리>는 거문고의 경우에는 19세기에 만들어졌지만 가야금의 경우는 20세기에 들어서 악보에 수록된다. <계면가락도드리>는 거문고와 마찬가지로 20세기 초엽에 형성된 것이다. 개인 줄풍류와 향제 줄풍류에서 연주하는 <굿거리>는 『방산한씨금보』에 수록된 것으로 미루어 20세기 초엽에 형성된 것임을 알 수 있다. 가야금 구음법은 초기에는 거문고 구음을 그대로 차용하였다. 가야금 구음법이 악기의 특성을 감안하여 독자적인 구음법으로 발전한 것은 19세기 무렵이다. 『동대 가야금보』에서는 12줄에 각각의 구음을 부여하여 가야금 구음법이 확립되고, 이런 구음법은 이후의 고악보에는 거의 그대로 이어진다. 정악가야금으로 연주하는 『국악원』과 『구례』의 경우에도 이런 전통적인 구음법이 이어지는 것이다. 향제 줄풍류는 산조가야금으로 연주하기 때문에 고악보의 구음법과는 다르게 변화한다. 가야금 줄풍류의 선율을 통시적·공시적으로 비교분석하면 현행 줄풍류의 형성과정을 알 수 있다. 이를 단순화시키면 『동대 가야금보』와 『동대율보』는『김죽파』로 이어지는 것이고, 이는 『군산』『경주』와도 같은 계통의 음악이다. 『우의산수』와 『아악부가야금보』는 『국악원』으로 이어지고, 이는 『성금련』『대전』『내포』와 같은 계통의 음악이다. 『금은금보』는 『김윤덕』과 호남의『정읍』『이리』『구례』와 같은 계통의 음악이다. 『방산한씨금보』는『우의산수』와 더불어 『국악원』『성금연』의 형성에 영향을 미친다. 『심상건』의 잔가락이 『국악원』과 유사한 것을 통해 『심상건』도 『국악원』의 형성에 일정 정도 영향을 미친 것을 알 수 있다. 『강태홍』은 여느 악곡과는 달리 ‘지’음을 無가 아닌 南으로 내는 것이 독특하다. 산조가야금으로 연주하는 대부분의 줄풍류는 산조와 줄풍류의 조현법이 다른데 비하여 『강태홍』은 조현법이 같기 때문이다. 그렇지만 가야금 줄풍류의 형성과정은 단순화시키기에는 무리가 따를 수 있다. 줄풍류를 형성한 가야금 연주자들은 전통적인 선율을 받아들이면서도 각자의 창의적 음악성을 발휘하여 각각의 고유한 음악을 형성한 것이다. 이는 마치 스승의 산조를 배우지만 원숙한 경지에 이르면 자신의 산조를 만들어가는 음악전통과 같은 것이다. Pungryu, the classical ensemble music of the literati, was developed in the 18th century. At the time, a new musical culture was cultivated by the literati and the middle class who amassed wealth due to the economical growth. The new patron of music adopted a court repertoire, Yeongsan hoesang, and created a new music performed by the geomun-go (6-stringed zither), gayageum (12-stringed zither), piri (double-reed bamboo oboe), daegeum (large transverse bamboo flute), haegeum (2-stringed fiddle), and janggo (hourglass-shaped drum). This new music is named pungryu, meaning "wind flowing," or jul ("string") pungryu because the main melody is performed by the string instruments. The repertories of the pungryu include Yongsan hoesang, Cheonnyeon manse, and Dodeuri. Since most of old musical notations are made for the geomun-go, the historical study of pungryu has been focused on the geomun-go music. However, there are some musical notations and old recordings made for the gayageum. In this thesis, I will investigate the pungryu for the gayageum through old notations, recordings, and those transmitted today. According to the 19th-century notations, the gayageum pungryu was established at that time. It means that the nine pieces of Yeongsan hoesang is presented in the 19th-century notations. Cheonnyeon manse for the gayageum was included in the early 20th-century notations. Gutgeori, which is performed in local versions, appears in the early 20th-century. Most of old notations for the gayageum are mnemonic notations. At first, the mnemonic system for the gayageum was borrowed from that for the geomun-go. The gayageum mnemonic system was developed in the 19th century. The system was transmitted to the Seoul style pungryu which is performed by the classical gayageum. The local style pungryu developed another system to suit for the use of the folk gayageum. Through the historical investigation of the pungryu for the gayageum, we can understand the lineage of the music. It can be simplified as bellow; Old Notations Seoul style Individual style Local style Dongguk U ── → Kim Juk-pa Gunsan, Gyeongju Ui geumbo ── → NCKTPA Seong Geum-yeon Daejeon, Naepo Aakbo Bangsan -------↗ geumbo Sim Sang-geon ↗ Geumeu Geumbo ─ → Kim Yun-deok Jeongeup, Iri, Gurye The gayageum pungryu transmitted in local areas are much similar to the gemun-go pungryu that the Seoul style. It means that the Seoul style developed its own music because it has been transmitted by professional musicians. The local style mainly transmitted by amateur followed the geomun-go music. However, it is not easy to simplify the transmission of the pungryu as shown above. Some master musicians developed their own style as they did in the making of sanjo music. It is the Korean way of music-making to develop their own music based on the music they had learned from their teachers.

Johannes Brahms의 Violin Sonata No. 1 in G Major, Op. 78에 관한 분석 연구

김동희 이화여자대학교 대학원 2017 국내석사

This study deals with Violin Sonata No. 1 in G Major, Op. 78 in order to understand Brahms' compositional intention. Analysis of his musical characteristics based on the life of Brahms can help understanding this Violin Sonata. Johannes Brahms is one of the most representative composers in the Romantic era, and he is a person who has inspired neoclassical music. He walked his way without being disturbed by the flow of the time, and he made important achievements in music history. The results of studying his Violin Sonata No. 1 in G Major, Op. 78 are as follows. It is composed of three movements and It is a sonata with a classical style. The 1st movement is composed according to the traditional style of classic era, and has a presentation section, a development section, and a reproduction section. The second movement is composed in three parts, and the third movement is made up of rondo form. In the first movement, the main rhythm type was repeated, consequently the entire movement became unified. The theme melody has Brahms' musical color that can be felt in many other songs such as his symphonies. In the second movement with a slow tempo, is composed of E ♭ Major which is under 3 degrees of G Major. It shows the characteristic of Romantic era. In the three movements of the Rondo form, it reveals clear formality through organic imitation, change, and development of the theme. Although this piece has a classical aspect in the form, it reveals many musical characteristics of Brahms. He used the chromatic augmentation in harmonies, and created many variations using different playing techniques. The combination of rhythm, free hemiola rhythm shows diversity, and beautiful melody developments show the musical characteristic of Brahms. 브람스는 낭만 시대 음악을 대표하는 사람으로, 고전 시대의 형식을 낭만 음악에 적용시킨 사람이다. 브람스는 전통주의 작곡가이면서, 고전 음악의 구조와 질서 안에 자신만의 음악적 색을 구현했다. 그가 작곡한 교향곡, 실내악곡, 협주곡 등의 여러 장르의 음악들은 현대에 이르러도 수없이 연주되며 그 업적을 인정받고 있다. 브람스가 작곡을 하던 당시 독일에는 신독일 악파가 급부상하여, 표제음악으로 많은 사람들의 관심을 받기 시작했다. 그들의 음악에 대항하여 자신의 스타일을 고수했던 브람스는 기교적으로 화려하여 대중의 이목을 끄는 음악을 작곡하는 것보다는 탄탄한 구조 위에 화성적으로 풍부한 소리를 가지는 음악을 만들어냈다. 그가 작곡한 Violin Sonata No. 1 in G Major, Op. 78은 완숙기에 작곡되어 브람스 음악의 성격을 정직하게 드러내는 곡이다. 이 곡은 여행 하기를 좋아했던 브람스의 음악 여행 중에 작곡되어 그의 음악적 성격에 자연에서 얻어온 영감까지 더해져 아름다운 선율을 자랑하는 그의 대표적 실내악 소나타 곡이 되었다. 주요 동기들이 악장 구분 없이 사용되어 작품 전체에 통일성이 부여되었다. 형식적인 면에서는 고전 소나타의 형식과 조성의 이동이 거의 그대로 사용되었으며, 그 안에 새롭게 낭만적 특징까지 더해져 더욱 견고한 소나타가 완성되었다. 3 개의 악장으로 구성된 이 곡은 소나타 형식의 1악장, 3부 형식의 2악장, 론도 형식의 3악장으로 되어있다. 전 시대의 기법들을 사용하는 데에만 그치지 않고 모방, 반복, 전위 등의 기법을 다채롭게 사용하면서, 브람스의 음악적 이념을 드러내는 곡이다. 본 논문은 Violin Sonata No. 1 in G Major, Op. 78을 분석하여 그의 음악을 고찰한다.

M. P. Mussorgsky의 「전람회의 그림」에 관한 분석 연구

임상미 이화여자대학교 대학원 2003 국내석사

19세기 후반에 러시아에서는 농노해방과 더불어 모든 상업과 교육, 문화가 부흥하였고 사실주의 가 절정에 달하였다. 또한 이 시기에는 낭만주의 음악의 후기로 민족주의 음악 운동이 일어나 슬라브 민족을 중심으로 하는 음악을 건설하려는 기운이 감돌았는데, 그 운동의 중심은 이른바 5인조에 의해 이루어졌다. 러시아에서는 글린카가 국민주의적인 음악의 선구자로 불리고 있으며, 발라키레프, 큐이, 무소르그스키, 림스키코르사코프, 보로딘으로 구성된 5인조가 국민악파의 대표적인 작곡가로 꼽힌다. 무소르그스키(Modest Petrovich Mossorgskij, 1839-1881)는 19세기 중반의 러시아 민족음악에 지대한 공헌을 한 음악가이다. 그는 정식으로 음악공부를 하지 못한 아마추어 작곡가였지만, 유럽의 고전음악의 전통과 낭만주의 음악에 반하여 사실주의를 추구하였다. 특히 러시아 일상 언어의 리듬과 강세, 음높이의 흔들림, 심지어는 몸짓가지 반영하여 사실적으로 음악에 도입하려고 하여 독창적이고 색채감있는 음악을 작곡하였다. 그의 작품을 통해서 사실주의, 인상주의 그리고 표현주의의 경향을 엿볼 수 있으며, 이는 드뷔시를 포함한 후대 작곡가들에게 큰 영향을 끼쳤다. 「전람회의 그림」은 이러한 무소르그스키의 특징이 잘 드러난 작품으로, 회화의 인상을 음악화하여 사실적으로 표현하였다. 이 곡은 친구 하르트만의 죽음을 애도하며 작곡한 곡으로 하르트만의 추모전시회에서 본 유작과 거기에서 받은 인상을 그 소재로 하고 있다. 본 논문에서는「전람회의 그림」을 통하여 나타난 무소르그스키의 작곡기법과 사실주의적인 표현, 그리고 미래지향적인 요소를 알아보고자 하여 이 곡을 형식적, 화성적, 리듬적, 선율적으로 분석하였으며 이 연구를 바탕으로 조성의 모호성, 화성의 탈전통성, 리듬의 복합성, 선법과 민요의 차용 등을 통한 사실적인 묘사와 독창적인 표현, 그리고 후대 작곡가들에게 끼친 영향들을 알아보았다. The late 19th century was a revolutionary time for the Russia. Not to mention only the emancipation of slaves, but also there was a big growth in the industrial, education, and the culture as it was in the climax period of the realism. In addition, there was a movement of pursuing the national Slavic music after the Romanticism first led by Glinka and drastically developed by the group of people called The Mighty Handful The five most wel-known composers in Russia in the late 19th century; Cui, Rimsky-Korsakov, Balakirev, Borodin, and Mussorgsky. Modest Petrovich Mussorgsky(1839-1881) was a representative Russian composer in the mid 19th century who devoted himself to the Russian nationalism. Mussorgsky never received any formal musical education during his childhood, but he fell in love with the music after experiencing the European classics and Romantic music. Later, he was influenced by the many Nationalism composers and eventually consolidated his ability to compose music in his strikingly personal style. His style was assimilable to the Impressinism, Expressionism, and the Realism, and it influenced the next generation composers such as Debussy. He was especially acquainted with the Realism; He investigated the Russian language, such as its rhythm, stress, intonation, and even the body language that follows the language. One of Mussorgskys greatest works, Pictures at the Exhibition, shows many of the characters that were mentioned above. It was written with the lamentation toward the death of his friend Victor Hartmann, and was inspired by the paintngs(posthumous works) of Hartmann that he saw in his memorial exhibition. It evinces Mussorgsky's fertile imaginations and is replete with the strikingly original and somewhat exotic melodies, in such a way that shows an affinity with Russian folksongs. This thesis will be based on the Pictures at the Exhibition with three topics to be discussed: Mussorgskys composing technique in this work, his expression of the Realism, and his creativity. Analysis will be performed in many categories to support the topics, such as harmonies, rhythms, and melodies. The discussion will be led to further details such as irrelevance of the composition, the conventionalism of the harmonies, complexion of the rhythm, and the usage of the mode and the folk music. Finally, the discussions will end with three investigations on his Realistic composing style, individualistic expression, and his influence on next generation composers.

Johannes Brahms의 Viola Sonata No.1 in F minor, Op. 120 에 관한 연구 분석

차슬기 이화여자대학교 대학원 2016 국내석사

본 논문은 요하네스 브람스(Johannes Brahms, 1833-1897)의 「비올라와 피아노를 위한 소나타 작품 120, 제 1번 f단조 (Sonata for Viola and Piano Op.120, No.1 in f minor)」에 관한 연구 분석이다. 요하네스 브람스(Johannes Brahms, 1833-1897)는 19세기 낭만주의 작곡가로서 19세기에는 인간의 이성과 감정을 표현하는 창조적인 사고방식이 음악에도 새로운 변화를 주었다. 브람스는 고전주의적 음악 기법에 깊은 뿌리를 두고 절대 음악적인 입장을 고수하면서 낭만주의 음악의 특징을 자신만의 색깔로 표현하였다. 브람스 작품의 커다란 비중은 실내악곡에 있었으며 일생동안 24곡의 실내악곡을 작곡하였다. 비올라 소나타 1번 f단조는 그의 첫 번째 비올라 소나타임과 동시에 브람스의 24개의 실내악 작품 중 마지막 곡이다. 이 곡은 전통적인 소나타 형식으로 작곡되었으며, 네 개의 악장으로 이루어져 있고, 전통적인 소나타 형식 안에 다양한 음악적 기법을 볼 수 있다. 형식적으로는 고전주의적 틀을 유지하고 있으나, 그 내용적인 면에서 낭만주의 특유의 서정적 선율과 더불어 다양한 리듬이 사용되며 고전주의 음악의 특징과 낭만주의 음악의 특징의 이상적인 결합이 이루어 진 곡으로 평가받고 있다. 이곡은 피아노가 반주역할에만 머물지 않고 비올라와 대등하게 조직 적으로 균형을 이루고 있다. 본 논문에서는 브람스의 생애, 브람스의 실내악의 작품을 소개하고 그의 비올라 소나타가 작곡 됐을 당시의 시대적상황과 배경을 함께 연구하여 브람스가 추구하고자 하였던 음악관에 대하여 살펴봄으로써 그의 음악을 조금 더 심도 있게 이해한 후, 비올라 소나타 1번을 악장별로 비교, 분석하는 것을 목적으로 한다. This thesis contains the analysis of 「Sonata for Viola and Piano Op.120, No.1 in f minor」that composed by Johannes Brahms(1833-1897), a composer of the Century Romantic era. At this Romantic era from the century, the creative way of thinking which express rationality and emotion of human being led new transition at the world of music. Brahms maintained his position of absolute music rooted in technic of Classical music and all the while he expressed the feature of Romantic music with his own color. Chamber music took a large part of his work and Brahms wrote 24 pieces of chamber music during his life time. 「Sonata for Viola and Piano Op.120, No.1 in f minor 」is not only his first sonata for Viola but also the last work of his 24 chamber music. This sonata is well-known as an ideal balance of combining both Classical and Romantic styles. The structure stays in the style of classical period, but in content wise, this piece contains the style of Romantic period using by rhythmic diversities and lyrical melodies. One other special thing in this sonata is that piano part is not just accompanying the viola part. Both instruments are equally important and build up the magnificent lines by supporting each other. This thesis, therefore, introduces the life of Brahms with his chamber music and analyzes the background and the phases of the times which his Viola Sonata was written. Through these steps for in depth understanding of his music, this thesis aims to compare and analyze the Sonata for Viola by each movement with comprehension of the musical view that Brahms was pursued.