Eieronymus Bosch회화 연구

조숙진 홍익대학교 대학원 1984 국내석사

주변적 대상을 통한 틈새로서의 그림 그리기 연구

안병남 서울대학교 대학원 2024 국내석사

본 논고는 그리기와 그림의 의미에 대해 질문하며 2022-2023년에 걸쳐 제작한 본인의 그림 작품들을 분석한 글이다. 분석의 대상이 되는 작품들 은 소위 중심(中心)적이라기보다 잉여적이고 주변(周邊)적이라고 볼 수 있는 대상들을 담고 있다. 내가 생각하는 그리기는 특정 대상을 나의 눈 과 손을 통해 시각화할 수 있는 행위이다. 나의 그리기를 통해 대상은 보 고 감상하게 되는 ‘그림’ 속에 놓인다. 나의 작품 과정을 ‘틈새’ 혹은 ‘사이-공간’으로서의 그리기라 정의한다. 일반적으로 ‘사이-공간’은 건축의 결과 생겨난 공간적 틈으로서 사람들에 게 여유를 제공하는 공간들을 일컫는다. 이를 인용한 이유는 내가 그리기 를 유희적, 잉여적이면서 동시에 중요한 행위라고 인지하기 때문이다. 다 시 말해, 그림 그리기는 일상적 틈새로서 나의 주변 대상들과 나의 상상 을 담아낸다. 나는 그림의 가능성을 대상과 나 사이의 거리감에서 찾고는 하는데, 이는 작업을 통해 대상에 대해 다루는 것의 한계를 인지하기 위 함이다. 그림에 담고자 하는 것들은 일종의 일시적이고, 임시적이며 유동 적인 것들이다. 내가 바라보는 이 같은 일시성은 이내 사라질 것 같이 연 약한 대상들이 가진 특성이다. 나는 나의 주변에서 쓰임새가 다해 사라지 고 상실되는 대상들에 계속해서 관심이 있다. 어쩌면 이 대상들이 이내 곁에서 사라지기 때문에 그림으로 그리는 것일 수도 있다. 연구의 대상이 되는 그림의 소재들은 인물부터 사물까지 광범위한데, 공통적으로는 무엇 인지 한눈에 알아보게 되지 않는 모호함을 가지고 있는 대상들이라는 점 에 있다. ‘경계 없는 밤’, ‘배회하는 사람들’, ‘치워지는 사물들’ 등의 소재 들은 내가 보았던 주변 모습들을 반영한다. 이러한 소재들은 내가 생각하 는 중심성, 예컨대 낮, 배타적인 목적성, 고정성 등에서 벗어나 보이는 대 상들이며, 이러한 소재들로 그림을 통해 우리가 인식하는 중심적인 인식 의 틀에 대해 질문하고자 한다. 본 논고는 또한 내가 그림을 그리는 방법론에 대해서 다룬다. 나의 그 림은 한 장에서 끝나지 않고 연작으로 진행된다. 그림을 그리면서 계속 궁금한 점들이 생기며, 이는 다음 그림을 그리게 하고 결과적으로 연작으 로 그림을 그리는 동원이 되기 때문이다. 그림의 의미가 한 장의 그림에 서 발생하지 않고 그리기의 일련의 과정들에서 생겨난다고도 생각한다. 그림을 그릴 때. 대상의 형태나 아이디어 자체에서 재치를 찾는데 이는 만화와도 유사하다. 만화적인 표현을 넣음으로써 그림에서의 재치를 찾는 이유는 ‘가볍지만 무거운’, ‘정적이지만 유동적인’ 등지의 역설에 대한 관 심에서 나온 것이기도 하며, 그림이 더 쉽게 접근할 수 있는 것이 되길 바라기 때문도 있다. 대상을 단단한 틀에 고정하는 행위인 그리기를 통해 부재한 것에 대해 인식을 하려는 태도도 바로 역설과 연관되어 있다. 유 동적인 것들을 화면에 어떻게 고정할 수 있을 것인가와 관련된 역설 말이 다. 나의 그림은 여전히 언어에 귀속되지 않는 ‘틈새’ 들을 남겨놓기 때문에 서사적이지만, 비(非)-서사적이기도 한, 모호한 것이기도 하다. ‘틈새’는 그 림을 보여주는 방식에서도 보인다. 나는 그림들을 종종 가깝게 붙여 연속 적으로 보여주지만, 실제로 걸려있는 그림들 사이는 동시에 불-연속적인 것이기도 하다. 즉, 내가 사용하는 사이, 혹은 틈새로서의 그림은 현실과 상상 사이, 그림과 그림 사이를 의미하는 것이다. 나는 이 사이의 공백을 보는 이가 스스로 만들며 생각해보게 되길 바란다. 주요어 : 틈새, 사이-공간, 중심과 주변, 역설, 배회, 과정, 모호함 학 번 : 2022-2416 This paper is an analysis of my own drawings and paintings produced from 2022 to 2023 while exploring the act of drawing and the meaning of painting. Works for analysis are those that can be regarded ‘redundant’ and ‘marginal’ rather than ‘central.’ Drawing, as I understand it, is an act of visualizing a specific object through my eyes and hands. Through an artist’s act of drawing, an object is placed in a ‘picture’ for viewing and appreciation. I define my act as drawing as a ‘gap’ or ‘inter-space.’ In general, ‘inter-space’ refers to the space that provides space for people as a spatial gap created as a result of architecture. I cite this because I perceive drawing as a playful, redundant, yet important activity at the same time. In other words, the act of drawing captures both the objects around me and my imagination. I try to find the potential of painting in the distance between the object and myself, and that is to recognize the limitations of dealing with the object through my work. What I try to represent in my paintings is something temporary, provisional, and fluid. The temporality as I understand is a characteristic of fragile objects that seem to vanish before long. I have continued to take interest in the objects around me that disappear and are lost as they cease to serve their purpose. Perhaps I draw them because they will soon disappear from my sight. The subject matters of the paintings to be discussed are wide ranging from human figures to objects, but what they have in common is that they are objects that have a certain ambiguity that defies my effort to grasp their identity at a glance. Subject matters such as ‘boundless night’, ‘wandering people’, and ‘objects being removed’ reflect what I have observed around me. These are objects that seem to deviate from what I think of as centrality, such as daylight, purposeful attitude, fixity and stability. By drawing these subject matters, I try to raise questions about the central framework of perception we assume. This paper also discusses the methodology of my drawings and paintings. Usually, my work does not end with a single piece, but rather proceeds to a series. As I draw, questions continue to arise, which leads me to draw the next picture, which ultimately motivates me to paint in series. I also believe that the significance of a painting arises not from a single painting, but from a series of drawing processes. When I draw, I look for wit in the shape of the object or the idea itself, which is similar to a cartoon. The reason for seeking wit in paintings by incorporating cartoon-style expressions comes from an interest in paradoxes such as ‘light yet heavy’ and ‘static yet fluid’, as well as from a desire to make paintings more accessible. The approach of recognizing what is absent through drawing, which is the act of fixing an object in a solid frame, is also associated with paradox. It is a paradox related to how to fix fluid things on the painting surface. My drawings and paintings are narrative, but at the same time they are also non-narrative and ambiguous. The ‘gaps’ are also visible in the way my paintings are presented. I often display paintings in succession by placing them close together, but the space between paintings actually hung is close to being discontinuous. In other words, the picture as an inter-space or gap means something between reality and imagination, between pictures. I hope that those who view my paintings will have the opportunity to create the spaces between them and ponder over them.

이미지와 텍스트의 틈 형성을 통한 언어의 사회적 규정성 연구 : 나의 작품을 중심으로

홍우인 서울대학교 대학원 2023 국내석사

This paper started with a question on the conventional language that defines objects, which led me to further study my works dealing with fragments of thoughts that originated from the same question. I thoroughly examine the relationship between language that defines objects and the objects themselves and figure out an error caused by words we take for granted naturally. The triviality of such problems makes me think about how deeply the conventional order is penetrating our lives, which in turn demonstrates the influence of language itself. I first examine how we use and understand words on a microscopic scale, tracing what is behind conventional language. Focusing on the human desire hidden behind the way we name exterior objects and the personified expressions into which we project a part of ourselves, I make works based on errors arising from anthropocentric ideas as such. Above all, a plant is a frequently used subject in my work. I consider a plant as a representative of non-linguistic, speechless beings who can't protest against our arbitrary interpretation. I believe we set the one-way relationship between plants and us by filling up the blank area created by the silence of plants with human language. Such a way of using language makes it seem natural that we project ourselves into objects. I raise a question about how these one-sided expressions of language are taken for granted. I choose to take a roundabout way of distorting the language system that defines objects rather than showing the problems directly. Also, I compose the structure of meaning by first creating the image structure and the text structure separately, and then overlapping them disjointedly. Image and text interact expanding the possibility of diverse interpretations, not by fixing and explaining each other but by creating an analogical relationship between them. I temporarily disturb the meaning of learned representations by scattering the definitive language system and intentionally reversing, contrasting, dividing, repeating, and varying these representations. For this, I emphasize units and rules that texts in my works are repeatedly committed to, repeat or reduce the conventional language system into minimum units, and sometimes transform the structure of sentences. I also actively use distorted meanings or abbreviations of punctuation for a visual structure to escape the grammatical and semantic orders of language. This is the reason my works seem joyful. On the other hand, images are slowly edited with lots of remaining space so that enough space to loosen a fixating property of words is reserved. The image structure is used as a device for upsetting the meanings and delaying the interpretation of texts, and it prepares the possibility of various readings of words. Disjointedly overlapping the structures of image and text creates a gap where the real meaning or story behind is not revealed directly, therefore demanding viewers possess an active attitude as they encounter difficulty decoding my riddle-like works. I also provide an opportunity to think about how easily we use language and how complex it is, when viewers get through the hardship of making sense of scattered fragments. Visualizing the distorted and scattered system of object-defining language satisfies me in that I am liberated from the negative language blocking between me and objects and the authority of defining language is disturbed. Furthermore, expressing what I could not put into usual words before helps me unravel my fragmentary thoughts. This study let me clearly figure out the reason why my colleagues used words like 'poetic', and 'joyful' in describing my works. It resulted not from a vague play but from the way I go against the conventional language system. But, as I try to go against language, I'm self-conscious about the impossibility of going beyond language in the end. The predictable failure as such could not stop me from keeping failing again and again, because I think it's necessary to understand the impossibility of language first, even when we try to make sense of the very possibility of language. 이 논문은 존재를 정의하는 관습적 언어에 의문을 가지고, 그에 관한 단상을 여러 갈래로 풀어내는 나의 작품에 관한 연구이다. 나는 일방적으로 대상의 의미를 결정하는 언어와 그 대상의 관계를 관심 있게 살펴보고, 우리가 자연스럽게 받아들이는 말들이 발생시키는 오류를 찾아낸다. 이런 오차는 너무 사소해서 관심 밖에 놓이고 쉽게 눈치 채기 어렵다. 하지만 나는 오히려 이러한 문제들이 사소한 만큼 그 관습화된 질서가 우리의 일상에 침투해있다고 생각하며, 언어의 영향력을 실감한다. 먼저 나는 미시적 차원에서 우리가 단어를 어떻게 이해하고 사용하는지 살펴보고, 관습적 언어 속에 숨겨진 실체가 무엇인지 추적한다. 나아가 나는 인간이 인간 외적 대상을 명명하는 방식 속에 감추어진 욕망과 우리의 어떤 것을 투사하는 의인화된 표현 등에 주목하며, 인간 중심으로 판단하고 생각하기 때문에 발생하는 오류로부터 출발해 작품을 만든다. 특히 그중에서도 식물은 나의 작품에 자주 등장하는 소재다. 나는 식물이 말이 없어서 사람들이 자의적인 해석을 덧붙이더라도 항변할 수 없는 비언어 존재의 대표주자로 여긴다. 나는 우리가 식물의 침묵이 만들어내는 공백을 언어로 채워 넣으며 식물과 인간의 관계를 일방향의 것으로 만든다고 생각한다. 이러한 언어 사용은 대상에게 인간의 일면을 투사하는 행위가 자연스러운 것으로 여겨지게끔 한다. 나는 이러한 일방적 표현이 어떻게 당연하게 여겨지는지 의문을 가진다. 나는 내가 가진 문제의식을 직설적으로 드러내기보다 대상을 규정하는 언어체계를 비트는 방식으로 우회한다. 또한 나는 이미지 구조, 텍스트 구조를 따로 만들고 이를 어긋나게 중첩해 작품의 의미 구조를 만든다. 이미지와 텍스트는 서로를 고정하거나 설명하지 않는 유추적 관계에 놓여 다양한 해석 가능성을 만들며 상호작용한다. 나는 학습된 표상을 의도적으로 역전, 대조, 분절, 반복, 변주해 규정하는 언어의 체계를 흩트려 그 표상의 의미를 일시적으로 교란한다. 이를 위해 나는 텍스트를 만들 때 반복되는 단위와 규칙을 볼 수 있게 만들어 그 인상을 강조한다. 그리고 관습적 언어체계를 반복하거나 최소단위로 감축시키고 때로는 구문을 변용시킨다. 나는 적극적으로 어긋난 의미, 시각적 구조를 위한 구두점의 생략 등을 사용하여 문법 질서와 의미 질서로부터 벗어난다. 이로 인해 작품 속에 유희적 측면이 두드러진다. 한편 이미지는 느리고 여백이 많게 편집되어 말의 고정적 성질을 느슨하게 만드는 여유 공간이 되어준다. 따라서 이미지는 중요한 역할을 도맡고 있다. 이미지 구조는 글의 해석을 지연시키거나 의미들을 뒤엎는 장치로 사용되며 말의 의미가 하나로 읽히지 않도록 돕는다. 작품을 만들 때, 나는 각각 관습을 거스르는 이미지 구조, 텍스트 구조를 어긋나게 중첩해 틈을 만든다. 또한 나는 이미지와 텍스트가 들어맞지 않는 의도적인 간격과 차이를 목표하기 때문에 그 내막이 감추어져있다. 나는 관객들이 수수께끼처럼 만들어진 작품을 해독할 때 어려움을 느끼게 함으로써 능동적인 태도를 요구한다. 나는 관객이 흩어진 조각들을 힘들게 읽어내는 경험을 통해 기존에 우리가 말을 쉽게 사용하고 있다는 것과 언어의 복잡한 측면에 대해 생각해 볼 수 있도록 만든다. 나는 대상을 규정하는 언어 체계가 어질러지고 흩어진 상태를 시각화하는 것에 만족감을 느낀다. 나는 이를 통해 규정하는 언어의 권위를 교란하며, 나와 대상을 왜곡하고 가로막는 부정적인 언어로부터 해방된다. 또한 기존의 말로 설명할 수 없다고 느끼던 것을 표현함으로써 나의 단상을 풀어낸다. 대학원에서 진행한 작업을 연구하며 평소 나의 작품에 따라붙는 ‘시적이다’, ‘유희적이다’와 같은 표현이 어느 지점에서 비롯되는지 명확하게 밝혀 알 수 있었다. 이는 막연한 놀이의 결과가 아니라 관습적 언어체계를 거스르는 방식이 만들어낸 인상이었다. 그러나 나는 언어체계를 거스르는 동시에 궁극적으로 언어를 벗어나는 일이 불가능함을 알고 있다. 예견된 실패임에도 이러한 시도를 계속했던 이유는, 우리 중 누구도 언어의 지시적 측면을 벗어날 수 없고 언어의 가능성을 따지기 위해서라도 그 불가능성을 먼저 이해해야한다고 생각했기 때문이었다.

프란시스. 피카비아(Fransis Picabia) 작품세계에 관한 연구

장희영 홍익대학교 대학원 서양화과 1988 국내석사

平版畵의 表現方法 硏究 : 금속판(Metal-plate)을 中心으로

정일 弘益大學校 1986 국내석사

석판화를 이용한 주변사물의 표현에 관한 연구 : 본인의 석판화를 중심으로(1989∼1990)

정상곤 서울대학교 대학원 1991 국내석사

물질의 변성을 통한 상징적 표현

이지윤 이화여자대학교 대학원 1998 국내석사

현대 사회는 중심부와 규정된 실체가 없는 포스트모더니즘(postmodernism)의 해체적인 상황 속에 놓여있다. 리요타르(Jean-Franc¸ois Lyotard, 1924∼)를 포함한 포스트모더니스트들은 현대사회에는 모든 형식의 사회관계와 모든 형태의 정치적 실천에 대하여 설명을 제시해주는 단일한 이론적 담론은 존재하지 않는 다고 한다. 이들은 통일성을 이루는 전체적이고 총체적인 이론을 거부하고, 역사·정치·사회개념뿐만 아니라 모든 측면에서 다원성과 이질성을 강조하고 있다. 개인들은 이러한 혼재된 주변의 정황 속에서 자신의 정체에 대한 혼란과 불안감의 실존 상황에 직면해 있다. 개개인은 해체적이고 다원화된 사회·문화 구조적 현상과의 상호연관성을 벗어나서는 존재할 수 없으므로, 이를 열린 자세로 수용하면서도 주체적인 자아의식과 자기논리를 지니고 있어야 한다. 예술가는 이러한 자기 논리를 예술과 예술작품 안에서 도출해내야 할 것이다. 최근의 예술작품의 경향에서 수평적 가치체계인 포스트구조주의(post-structuralism)의 해체론에 힘입은 정체성에 대한 거론이 유행되고 있다. 본인은 이 정체성에 대한 성찰을 예술작품 속에 내재된 예술가의 자아를 투영하려는 의식의 흔적을 추적함으로써 모색하고자 한다. 그 방편으로는 주체로서의 자아의 형성은 타자와의 관계에서 비롯된다는 후기구조주의자, 자크 라캉(Jacques Lacan, 1901∼1981)의 이론을 예술가와 물질과의 대응관계로 유추시켜, 그가 대상화시킨 물질과의 관계항에서 풀어가고자 한다. 또한 라캉이 제시한, 일간의 본질과 정체성을 설명하는 주요개념이 되는 '욕망'이라는 감정이 아무리 충족시키려해도 충족되지 않는 '결핍'임을 감지하고 욕망의 공허함과 허상성을 회유하는 관조적인 심상으로 조형화한다. 이러한 인간본질을 꿰뚫어 통찰하는 회유적 욕망의 심상을, 물질을 다른 물질로 변성시키는 과정-나무를 불에 그을리고, 납을 물에 부식시키는-에서 생성된 흔적으로써 제시한다. 또한 이 흔적의 실체는 물질의 내면적 깊이를 드러내는 연금술적인 변성과정을 거치며, 물질이 인간의 상상력 즉 감성과 대상의 물질성과의 깊은 관계에 의해 변질을 당함으로써, 새로운 성질을 얻게 되고 물질성을 넘어서게 된다는 가스통 바슐라르(Gaston Bachelard, 1884∼1962)의 "물질적 상상력"에 의거해 물질과 감성의 교감의 시학을 이루는 매개물이 되기를 원한다. 본인은 예술가가 물질에 내재된 깊이를 통해 자신의 감성을 드러내고 나아가서, 자신의 내면에 대한 인식과 함께 자아의식과 정체성을 성찰하는데 큰 의의를 가지는 작업방향을 모색하고자 하였다. 마지막으로 본인의 작품 제시를 통해 머무르지 않고, 앞으로 나아갈 수 있는 작업발전의 계기를 마련하고자 한다. Modern society is in the dissolved situation of postmodernism in which there is no core part or defined entity. Postmodernists including Jean-Francois Lyotard claim that there exists no singular theoretical discussion which describes every type of social relationship and political practice. They reject the theory as a whole, emphasize pluralism and heterogeneity in historical - political and social ideas as well as in every type of area. Individuals face the confusion of self-identity and the existential situation of uneasiness. They cannot exist without interrelationship with dissolved and pluralized social-cultural phenomena, and they should have subjective self-consciousness and self-logics accepting them with an open mind. An artist should distract this self-logics from art and work of art. In the latest artistic trends, discussions about identity encouraged by the dissolved situation of post-structuralism which is horizontal value system. I try to grope for this identity by chasing the trace of consciousness reflecting an artist's self involved in work of Art. As one of plans, post-structuralist, Jacques Lacan, who claimed that forming self as subject comes from relationship between others, and his theory is analogized to the relationship between an artist and material, examined to solve from the relationship between the objective materials and him. Also, sensing that Lacan's major concept to describe identity and human essence, 'desire', is 'deficit' which cannot be satisfied, I modeled it with the meditating image of conciliating the emptiness and vanity of desire. The conciliating image of desire which penetrates into human essence is suggested as a trace made in the process of transforming material into other one by burning wood and rusting lead. Also this entry of trace made by the alchemic transformation revealing the internal depth of material, I hope this study will be a medium of sharing material and sensitivty on the basis of Gaston Bachelard' s ''materialistic imagination" which suggests that material gain the new character and get over the materialism transformed by the deep relationship between sensitivty that is, human imagination and the materialism. In this work, an Artist reveals his sensitivty through the internal depth of material, more over tries to grope the direction of works which have a profound meaning of inherent idea and self-Identity. Finally, in presentation works, I would like to prepare the expansive works of art, not tied up.

사진을 통한 공간상실의 시각적 표현 연구 : 본인의 작품을 중심으로

박정선 성신여자대학교 대학원 일반대학원 2015 국내석사

본 논문은 ‘집’을 소재로 2009년부터 2014년까지 석사과정 동안 진행한 작품내용과 표현 형식을 분석하여 서술한 것이다. 집은 누구에게나 필요하고 중요한 공간이다. 개인뿐만 아니라 가족의 기억과 추억이 형성되어있으며 모든 사람에게 의미가 있고 크고 작은 삶의 이야기가 담겨 있는 곳이다. 그 모습은 개인경험의 형상으로 일상에서 존재하고 시간 변화에 의한 것과 또는 우리 감정에 의해 본래의 의미와 다르게 발견되고 해석되기도 한다. 우리 사회는 계속된 인구 증가와 산업구조의 변화 및 도시화 진전으로 빠른 발전을 해왔다. 이러한 도시발전은 편리하고 질 높은 삶을 누릴 수 있게 해 주었지만, 발전 속에서 주거 지역 및 형태 즉, 어떤 집에 사는지가 그 사람을 평가하는 중요한 요소가 되었다. 2000년대 초반부터 낡은 주택을 철거하고 새로 집을 짓는 재건축사업이 서울 곳곳에서 유행하게 되면서 주민들은 집을 상실하게 되고 소외된 사람들의 이야기가 작가의 감성에 의해 나타난 작품의 구체적 요소에 대해 분석하였다. 따라서 본 연구의 목적은 추억 속 공간의 상실로부터 시작되어 평면과 입체로 형상화된 작품을 통해 사람들과 공감대를 형성하고 또한 작품 진행에 있어 문제점과 개선방안을 스스로 모색하고 앞으로 진행 될 작업 방향에 대하여 작업의 개념을 정립하는데 그 의의가 있다.

추상과 기하학적 패턴 연구 : 작품을 중심으로

심정리 홍익대학교 1990 국내박사

로또를 통해 본 자본주의 사회의 시각적 표현 연구 : 본인 작품을 중심으로

박상원 성신여자대학교 대학원 일반대학원 2015 국내석사

오늘날, 자본주의 사회에서 지속적인 안녕과 편리한 삶을 영위하려면 돈이 필요하다. 시간이 흐를수록 살아가는데 필요한 돈의 액수는 점점 많아진다. 사람들에게 돈은 욕망의 대상이자 인생의 목표가 되고 있다. 물론 누군가는 개인의 행복이나 자아성취를 삶의 목표로 삼고 있다. 하지만, 그것의 성공 여부에 있어서 돈이 중요한 변수로 작용하는 아이러니한 상황이 현 자본주의 사회에서 발생하고 있다. 이러한 문제의식을 바탕으로 본 논문에서는 학부에서 전공한 통계와 회사에서 경험한 사회생활을 기반으로 로또가 야기하는 사회 현상을 이야기한다. 사회전반에 깔려있는 한탕주의와 일확천금의 유혹으로 돈을 쫓을 수밖에 없는 사람들의 심리와, 자본주의 사회의 역설을 말하려 한다. 나는 이것을 다양한 매체로 표현함으로써 다각도에서 의미를 분석하고 구체적으로 체계화시키는 것을 이 논문의 기본적인 목적으로 한다. 또한, 사회적 이슈와 예술적 가치에 대해 토론하고 공유하는 장을 만드는데 목적이 있다. 본 논문에서 소개하는 작품들은 자본주의 사회가 만들어낸 환영과 로또의 폐해에 초점을 두고 있다. 작품 모두 비판적 현실인식이 내포된 다양한 이미지로써 사람들에게 미학적 즐거움을 제공한다. 이들은 4개의 시리즈로 분류되어 동일한 주제 하에 개별적인 내용으로 전개된다. 첫 번째 시리즈《이시대의 자화상》에서는 로또의 환영을 쫓는 사람들의 심리를 색면 추상회화로 보여준다. 어떤 한 가지에 집중하면 그것과 유사한 것에서 자신이 생각한 것처럼 보이는 게슈탈트 개념을 바탕으로 작품을 설명한다. 두 번째《Dream Society》시리즈는 다양한 설치와 멀티미디어로 구성된 작품이다. 로또의 폐단이라고 할 수 있는 한탕주의가 현대 사회에 끼치는 모습을 유리라는 소재와, 로또가 제시하는 허상에 대해 사운드와 영상을 이용하여 입체적으로 보여주고 있다. 세 번째《이중적 자아》시리즈에서는, 관객들이 로또에 의해 일그러진 내면의 모습을 왜곡된 거울을 통해 직접 눈으로 확인하게 된다. 또한 객관적인 시선에서 나를 되돌아보고자 인쇄한 사진을 이용하였다. 마지막으로 네 번째《그리고 0》시리즈에서는 자본주의를 상징하는 돈의 단위로서의 0(숫자 영, zero)의 형태를 해체하기 위해 시각적으로 구분하기 어려운 모호한 형상으로 처리하였다. 이 시리즈는 디지털 숫자 0을 아날로그 감성으로 접근하여 전통적인 유화기법으로 제작한 작품으로 구성되어 있다. 이 논문을 통해 나는 자본주의 사회의 이면에 숨겨진 달콤하고도 씁쓸한 역설적인 구조를 다시금 되돌아봄으로써, 어떻게 사는 것이 가치 있는 삶인지에 대해 근원적인 질문을 던지려 한다. 또한 비판적 현실인식을 통한 사회문제와 통계라는 이질적인 요소가 충분히 예술로 다뤄질 수 있다는 가능성을 보여주고자 한다.