조선시대 산수화에 나타난 물(水)의 정신성 : 조선시대 산수화에 나타난 물(水)의 정신성

장정화 전북대학교 교육대학원 2008 국내석사

프란시스코 고야의 추의 미학 연구 : ≪Los Disparates≫에 대한 분석을 중심으로

최진희 전북대학교 교육대학원 2016 국내석사

추(醜)라는 개념은 미(美)라는 빛나는 형상의 어두운 측면에서 미적 가치를 발견하는 것이다. 가장 추한 추를 들자면 자기저주라 할 수 있는 교활하고 뻔뻔함을 말하며 꾸짖는 오만함, 범죄의 광기에서 미친 증세에 빠져나가지 못하는 것이다. 고야는 흑백의 조화를 이루는 판화 작업으로 악마적이고 강렬한 가장 솔직하고 깊이 있는 작품을 남긴 화가이기에 그를 선택하였으며 '추'가 가진 부정적인 이미지가 역설하는 매력에 대해 관심을 갖게 되었다. '미의 지옥'이라는 것은 추를 설명해주는 좋은 예가 되는데 왜냐하면 어두운 지하세계에 무시무시한 지옥이 존재한다는 것을 우리는 알고 있기 때문이다. 그럼에도 불구하고 인간은 죄에 굴복하고 신들을 시험하려 하며 신들의 자비에 어긋나는 행동을 하고 이성을 상실한다. 그의⟪검은그림⟫회화는 ‘귀머거리 집’ 벽화에 그려진 것으로 1층과 2층에 총 14작품이 있다. 그 주제는 악령과 마법이 주가 되고 그 다음이 성과 욕망이다. 이들은 인간의 본성과 공포에 대한 두려움이 나타난 작품들로 추의 형상들을 발견할 수 있다. 고야가 탄생시킨 괴물들은 우리에게 ⟪어리석음⟫이라는 판화집으로 다가오며 어리석음이 가진 근본적 특성은 추의 양상을 띤다. 인간의 위치와 무능함, 불신자와 군중의 스스로 알지 못하는 죄에 대해 깨우치기를 권고하는 내용을 담은 선지자적 역할을 하기도 한다. 추의 형태와 범주로는 로젠 크란츠의 몰형식성, 부정확성, 왜곡을 참고하여 고야의 ⟪어리석음⟫에 구현된 추를 규명했다. 먼저 몰형식성에 근거하여 첫 번째 주제인 삶과 죽음의 경계로 작품을 분류하여 잘못된 대조들이 모여 있으며 그들은 허공에 대고 소리친다. 공포와 동정심에 정화된 내적 단절은 모순이 된다. 비극의 전율을 동경하는 부조화를 볼 수 있다. 두 번째는 부정확성의 규명으로 타락과 퇴폐로 분류된 작품들에서 우스꽝스러운 부정확성의 발견이 이어진다. 그들 안에는 두 얼굴의 가면이 존재하며 정신의 자유를 원하고자 하는 갈등으로부터 무시무시하고 터무니없는 동화적 그로테스크한 현상들은 자연의 상상물을 넘어서고 있다. 세 번째 쾌락과 고통을 주제로 분류한 작품들은 왜곡의 범주 중 비속과 연약의 추가 담겨 있다. 현실에서의 고통을 잊고자 그들은 서로를 의지하며 기쁨을 찾는 어리석음을 마주하는데 여자의 연약한 가면은 지옥의 세계로 추락하게 하는 마력이 추의 미적 예술혼을 담았다. 네 번째 주제가 되는 왜곡의 범주 중 혐오와 희화를 중심으로 분류하였다. 부조리하고 억압된 현실로부터 벗어나 행복을 추구하는 자들이 벌이는 온갖 추태와 잡종 교배적 본성을 무지의 괴물들로 나타낸다. 인간과 동물의 혼융, 잔인할 정도로 사실주의적 묘사는 공포와 어두움으로부터 주는 코믹한 풍자를 보인다. 추한 환상으로 인해 희화적 비극을 볼 수 있다. 추의 미학이란 학문은 점잖고 우아함을 미의 척도로 삼는 연약함이 아닌 정신이 완전한 상태로 진지하고 강인한 것을 요구하곤 한다. 자칫 잘못하면 무기력해지기 쉬우나 그것은 희극과 코믹함으로 극복이 가능하다. 추 안에서 아무리 혐오스럽고 구역질나는 것들을 언급한다거나, 입에 올리기만 해도 훌륭한 것인데 그 이유는 추의 부정은 미가 추구하는 가치 부흥의 부정으로만 존재하는 동일적 불균제함이기 떄문이다. ⟪어리석음⟫은 단순 풍자를 넘어서 그의 생애에 걸친 통찰이 응집되어 있다. 그의 창작은 관람자로 하여금 경악과 섬뜩함을 갖게 하며 인간 본성의 진실성에 또 한번 소름이 끼친다. 추의 미학적 접근으로 인해 더욱 다양한 해석의 연구가 이어지길 바란다. The concept of ugliness is an aesthetic value discovered from a dark side of the glittering beauty. In terms of the ugliest ugliness, there are insidiousness and impudence which can be said to the self-curse and arrogance, and being driven by the madness of crime. Goya created devilish, strong, and in-depth engravings in harmony with white and black. That's the reason why I chose him, and I became interested in an irony that the negative image of 'ugliness' gives us. The 'hell of beauty' is a good example to illustrate the ugliness as we all know that hell exists in a dark underworld. Nevertheless, humans surrender to guilt and try to test Gods, act against God's mercy and lose their senses. There were 14 ⟪Black Paintings⟫ in total, which decorated the walls of first and second floors in 'House of the Deaf Man'. The main theme is evil and magic, with sex and desire. These paintings show human nature and fears of frights, and the forms of ugliness. We can meet Goya's monstrous creatures with ⟪Los Disparates⟫ which is a series of engravings, and the fundamental characteristic of the follies appears to be ugliness. These also fulfill their role as a prophet to realize human position and incapacity and make disbelievers and crowds realize their guilt that they fail to recognize themselves. This study identified the forms and categories of ugliness embodied in ⟪Los Disparates⟫ based on Rosenkranz's three concepts of ugliness, non-form, inaccuracy and distortion. First, this study classified artworks according to the first theme 'a boundary of life and death' based on non-form. Wrong contrasts are found and they shout out into the void. Inside disconnection cleaned up with fear and sympathy becomes a contradiction. Incongruity which admires a thrill of tragedy is found. Second, ludicrous inaccuracy can be found in the artworks which are classified according to corruption and decadence. They have two-faced masks in them, and terrible, unreasonable and fairy-tale grotesqueries resulted from conflicts over the freedom of mind are beyond the natural imagination. Third, the artworks classified according to the theme of pleasure and pain contain the ugliness of vulgarity and flaccidity under the distortion category. People rely on each other and try to find pleasure in order to forget their pain of reality foolishly, the power which makes woman's weak mask go to hell contains an artistic spirit of ugliness. Fourth, artworks were classified according to hatred and comedy in the distortion category. All kinds of bad behaviors and instinct of hybridization of people seeking happy away from the absurd reality are described as monsters in the works. Hybrids of human and animal and brutally realistic descriptions show a comic satire from fears and darkness. A comic tragedy can be found through an ugly illusion. Aesthetic of ugliness is the study which requires serious and strong things of a complete mental state as a key aesthetic measure, not flaccidity which adopts elegance as an aesthetic measure. It's easier to be lethargic, but it can be overcome with a comedy. Mentioning or speaking of anything hateful and disgusting of ugliness can be a great thing because the repudiation of ugliness is a identical unevenness that exists only with the repudiation of revival of aesthetic values. ⟪Los Disparates⟫contains Goya's insights throughout his life, not just a simple satire. His creations shock and frighten the audience and the truth of human nature freak them out. It is expected that studies with a variety of interpretations will continue through an aesthetic approach to ugliness.

추사 김정희의 산수화에 관한 연구

김지영 전북대학교 교육대학원 2013 국내석사

Chusa Kim Jung Hee (1786~1856), a painter as well a great scholar, took the lead in starting and developing a new style of painting in the history of art during Joseon Dynasty. As Joseon was deeply involved in brisk cultural exchange with China in its late era, Chusa developed a unique and distinctive style of painting based on what he learned from Chinese literary paintings, contacting with Chinese writers and painters. Also, not only has he had influenced future generations, but also he has been highly estimated as a pioneer who was ahead of his time, not just a scholar or a painter. For the reason, studies on Chusa in different fields have been conducted earlier. Although studies on Chusa have been carried out in various categories, they have especially focused on his calligraphy and ink orchids. It is because his achievements in the field of calligraphy and ink orchids are matchless throughout Korean art history. However, despite of the fact that he reached full maturity in his skills of landscape painting as well as calligraphy and ink orchids, his landscape paintings have not been actively studied for he left only a few pieces of them. On that account, this paper is to aim to study his landscape paintings. As it is not define when and why Chusa drew landscape paintings, there are some difficulties to study. Thus, this paper concentrates on the characteristics of his landscape paintings without the analysis of the period division of the paintings. Also, it is to study the only works presumed to be Chusa’s paintings. As a result of the study, these characteristics are shown below. Chusa sublimated the landscape paintings passed down in China into the landscape paintings in accordance with Korean sentiment. They embody the brushworks of Huang Gong Wang and Zan Ni, who portrayed the inner world of human-beings, and Chusa was also proficient in using Kebi as influenced by Shitao whom Haonian Zhu followed. In addition, Chusa’s philosophy and inner dignity are well expressed in his works of landscape painting, which place a high value on the Chinese painting of the southern school laid stress on private meanings. These kinds of paintings of Chusa opened a whole new realm of Korean writers’ landscape paintings with a serene and concise touch. Furthermore, Chusa emphasized on 文字香(the scent of writing) 書卷氣(the energy of books), which means that a writer’s spirit and personality should be displayed in his works. That is, a spiritual realm and an attitude toward life should be shown in a piece of art work, not only external techniques. Chusa underscored building a unique world of art works as well after understanding the implicit meaning of masters’works through exhaustive study instead of emulating their forms of art. Likewise, Chusa’s achievements suggest that a writer’s spiritual realm and internal vitality should be reflected in his works and his originality should be stood out to be a great work. That is the only way to make a strong impression in the mind of the viewers and, then, to arouse their sympathy for the work. As seen in Chusa’s works, artists living in modern times are required to elevate their spiritual realms to a new level with the unceasing training of the mind and academic efforts. This is most urgently needed, and, then they should develop their own originalities based on the efforts. To achieve the objective, it is significant to have a mind to learn the old again and prepare for the new future on the basis of the knowledge. Through the process, we, who live today, ought to advance our own style of art.

동양화의 재료와 특수기법 및 발전공간 활용 연구 : 본인 작품 중심으로

조세광 전북대학교 2017 국내석사

This study is on new ingredients and special techniques. By experimenting and exploring various ingredients during the research, I now clearly understand the character and distinctiveness of new ingredients and have found the ingredient and technique that suits me. Moreover, as an artist of the time, I have gained perception on the utilization and exploration of ingredients and special techniques of oriental paintings and realized that it should be based on tradition and be part of contemporary art. In the development of contemporary art, utilization of new ingredients made the relationship between life and art richer. Artists have started to newly formalize the language of art. The expression of ideas became clearer and the mental world is now introduced more into space. The diversification and fusion of cultural art are trends in this developing world and they are definitely improving amongst chaos and clearance. Therefore, I have focused on the extendibility of the space between new ingredients and oriental paintings, the possibility of oriental paintings on new mediums, and exploration and prospect of oriental paintings. As a method for this research, I have studied major historical movements of Korea and related artists considering ingredients and techniques and described all ingredients used in today’s oriental paintings. Also, by studying new techniques used to draw oriental paintings, I have tried to understand what sense of beauty they provoke from the viewer and find out the pros and cons of painting techniques applied in other areas. Through this research on the overall situation of ingredients and techniques, I was able to thoroughly understand which part gave meaning to a piece in a visual and philosophical aspect.

'조화'개념을 통한 현대수묵화 표현연구 : 본인 작품을 중심으로

고은지 전북대학교 일반대학원 2017 국내석사

This study aims to express Korean modern ink painting with the concept of ‘harmony’ which is unique Korean spiritual culture. For this purpose, this study established its standard with the concept of ‘harmony’ to embody Korean spiritual culture. With this in the center, study interprets typical Korean modern ink painting artists and intends to continue Korean sense of beauty through author’s own works. Study found out that Han thought (韓思想), Ki philosophy (氣哲學) and view of nature (自然觀), which constitute the very foundation of Korean spiritual culture, possess the concept of harmony as their common standard. In addition, study judged that more detailed and segmented standards are required than macroscopic concepts such as Han thought (韓思想), Ki philosophy (氣哲學) and view of nature (自然觀). Thus, this study separated Han thought and understood it as entity connected with intermediary concept and considered Ki philosophy as existing foundation for all things and view of nature as nonchalant moderation. Study tried to suggest a theoretical standard for how aesthetic factors and theoretical factors effectively manifest themselves when such philosophies are applied to ink painting. Next, study tried to explore the artworks through theoretical review on how to harmonize the facts realized through author’s own experiences and flow of consciousness. Especially, study tried to verify such philosophical systems through the works of several Korean modern ink painting artists, accept them to author’s own works and secure modern formativeness. In particular, the author tried to draw out calligraphic characteristics in abstract forms while directly experiencing and learn traditional theories of paining and formulate them into author’s own formative language. The geometric spaces of modern ink painting artists are reorganized and acquire sensations as forms while giving rise to physical collision one another, and study discovered by applying the concept of harmony to them that the independent nature of ink colors and margins are expressed as independent Korean fine art. Through exploration of new techniques and expression of inherent consciousness, modern ink paintings completed classical harmonious temperament. Ink paintings’ non-primordial standards of value, which are not dichotomous and harmonize contrasting opposites, are materialized into practical existence not only through the pursuit of spiritual world alone but also through an artist’s experience, consciousness and skills. Therefore, this study explored how the concept of harmony is recognized and expressed in Korean modern paintings and tried to elucidate that unique Korean spiritual culture ‘harmony’ is the very traditional value and identity of ink painting. Further, study analyzed author’s own works and sought out the direction of future works by interpreting harmony as the meaning of coexistence which can embrace diverse phenomena of modern life.

현대 한국화에 있어서 한지 작업에 대한 연구

丁汶相 全北大學校 敎育大學院 2005 국내석사

In modern Korean paintings, a variety of materials have changed Korean paintings. In particular the functions of Korean paper expanded from background materials into expressive media and evoked much expectation and interest from artists. The current of modern Korean paintings like this blurred the line between Korean paintings and Western paintings and promoted various uses of our traditional Korean paper. Many artists, regardless of their major, have been dedicated to making unique works by using the variableness of Korean paper. In the past this paper was used only for crafts, but various uses of Korean paper are consistently found through many tries from plane paintings to cubic paintings. But the works using Korean paper have been used in the fields of Western paintings and crafts rather than Korean paintings. In Korean paintings, Korean paper is used mainly as a background material. The workings of Korean paper are a form of embossed carving and the one pounding something, and are using as an expressive method in paintings Jumchigi techniques which waters several folds of Korean paper, and then pulls and presses using the physical traits of Korean paper. Traditional methods are still used. From now on, it is important to research and use Korean paper by knowing unique traits of Korean paper rather than simple as-it-is traits of the paper.

전라북도 근ㆍ현대 화단형성과 전시공간의 변화연구

김원 전북대학교 일반대학원 2013 국내석사

본 논문에서는 근ㆍ현대 전라북도화단의 형성과 발달과정, 전시공간의 생성과 변천과정을 구체적으로 연구해보고, 내용의 선별ㆍ조사를 통해 그 흐름을 연구하여 전라북도의 미술활동 일부를 체계적으로 정리하는 것에 그 목적을 두었다. 연구방법은 석ㆍ박사 논문, 학회지의 선행연구를 분석하고 정기간행물, 전문서적, 신문 등을 근거로 문헌연구 방법을 주로 사용하였다. 부족한 부분은 생존 작가들의 면담과 녹취자료로 보충하였다. 본 연구를 통해 얻은 결론은 다음과 같다. 첫째, 일제강점기부터 광복 전후로 서본원사, 동본원사, 본원사 등 ‘종교공간’과 학교, 공회당 등 ‘공공(公共)공간’의 전시공간이 부족했던 시기적인 특성을 잘 나타내고 있다. 둘째, 6.25전쟁 후에 생겨난 미국공보관을 통해 기간시설 파괴와 불안정한 정치적 상황 등 시기적으로 어려운 상황에도 전북화단의 열정과 욕구를 알아볼 수 있었다. 셋째, 1954년 전라북도공보관, 다방, 예총회관, 월담미술관의 백제화랑을 통해 주요 전시공간이 ‘공공(公共)공간’에서 시작되어 ‘사적(私的)공간’으로 이동된 것을 알 수 있으며 부족한 전시공간이 필요에 의해 확장되어 진 특성을 잘 나타내고 있다. 전시공간의 활발했던 배경으로 전북화단을 흐름으로 정리해보면 다음과 같다. 첫째, 풍요로운 물산을 바탕으로 유학에 뿌리를 둔 선비 작가군이 있다. 이들은 주로 사승관계를 통해 발달하였으며 남종문인화(南宗文人畫)를 고수 하였고 일제강점기 굴하지 않는 기개를 통해 민족정신을 드높였으며 전북화단의 중추적인 역할을 하였고 화목은 주로 사군자를 그렸다. 둘째, 교육기관을 통한 화가군이 있다. 이들은 학교를 통한 공교육기관과 서화소, 연구소 등으로 대표되는 사설교육기관으로 나누워져 있으며 본격적인 개인전, 단체전 구성 등 다양한 시도를 통해 전북화단의 활기를 불어 넣는 한편 중앙화단으로 이름을 알렸다. 공교육기관 화가의 시작은 대체로 일제강점기 1937년 설립된 전주사범학교의 일본인화가로부터 교육을 받았으며 이들은 광복전후 꾸준하게 활동을 하였다. 1950년대를 전후로 본격적으로 대학을 통한 전문적인 미술교육을 받은 화가가 활동하였으며 도내에는 1970년 원광대학교 미술교육과, 1973년 전주대학교 미술과, 군산전문대(현 서해대학교) 생활미술과, 1981년 전북대학교 사범대학 미술교육과가 신설되어 전북화단의 두꺼운 화가층과 다양한 화목을 형성해 주었다. 셋째, 군산 서화연구소, 전주 동광미술연구소 등 사설교육기관 출신 화가는 일제강점기와 광복전후로 나타나고 있으며 대체로 사승관계를 통해 작가군이 형성되었고 선비 화가군과 대학출신의 공교육 화가군을 이어주는 역할을 하였다고 볼 수 있다.

근대 전북 화단의 형성에 관한 연구 : 한국화를 중심으로

박성수 전북대학교 일반대학원 2013 국내석사

Abstract Research on the Formation of Painter Society in Modern Jeollabuk-do -Focusing on Korean Painting- Park Sung-Soo Department of fine Arts The Graduate School Chonbuk National University Directed by Professor Lee Cheol-Ryang In Jeollabuk-do, traditional art and culture such as folk song folklore, and folk arts remain in existence and thus has been called a city of culture and art. Also in the modern times, active and creative activities in the painting field has been in place in Jeollabuk-do, well-matching the reputation of Jeollabuk-do. Rivers including Geum, Mangyeong, Yeongsan, Dongjin, and Seomjin flows from north to south and the Honam plain, the largest breadbasket of Korea, is situated in Jeollabuk-do area. As a result, rice became the primary product and the region was able to achieve abundant cultural assets. Affluent life was the matrix for diverse art. Also, remoteness from the central region granted unique cultural characteristics to Jeollabuk-do. Compared to other regions, language, arts, and culture of Jeollabuk-do show oustanding and strong features and at the same time the original form has been maintained relatively well and has been passed down through generations. However, in case of painting field of Jeollabuk-do, the aspects of painters are categorized into two. First is literary painters who painted in the Literary Painting style, which became famous by Kim Jung-Hee in the late Chosun period. Due to stable environmental condition, the region was populated by classical scholars. As a result, paintings in literary artist's style, which the scholars enjoyed painting, were able to be successful in modern times as well in Jeollabuk-do. Contemporary exemplary literary painters are Seok Jeong, Lee Jeong-Jik, Byeok Ha, Jo Joo-Seung, Yoo Jae, and Song Ki-Myeon. Another aspect is career painters who painted for living. The characteristics of these painters is that they did not limit themselves to a specific group or style and painted freely and variously in terms of ideology, style, and theme. Exemplary career painters are Seok Ji, Chae Yong-Shin, and the brothers Hwang Jong-Ha, Hwang Seong-Ha, Hwang Kyung-Ha, and Hwang Yong-Ha. Modern Jeollabuk-do painter society was more active than ever before. The reason why modern Jeollabuk-do painter society was able to be formed can be credited to national political condition. Literary painters of Jeollabuk-do during the addled modern period may had repulsion since the colonization of Korea by Japan. When the nation fell into confusion and chaos, and when achieving government position became very difficult, the painters intended to reveal nationalism through paintings and calligraphic works. This became the opportunity to focus on painting and calligraphy. For career painters, the reason why they were able to carry out vital creative activities in modern period was because distribution of paintings in central and rural regions became easier due to expansion of market after the development of production and monetary economy. Also, the abolishment of caste system following Gabo Revolution allowed the increase in classes who wanted to possess paintings and this increased demand for paintings. This increase became the foundation for career painters who painted for living. By observing the backgroud how the modern painter society in Jeollabuk-do was able to be formed, it is expected to serve as the opportunity for researches on modern period paintings to achieve great progress. 전라북도는 민요, 민속, 민예등과 같은 전통예술과 문화가 지금까지도 그 명맥이 유지되어 예로부터 예향의 도시라고 불리어 왔다. 회화분야에 있어서도 근대시기 전북 지역에는 예향이라는 이름에 걸맞는 활발한 창작활동이 이루어지고 있었다. 전북지역에는 금강, 만경강, 영산강, 동진강 및 섬진강 등이 북동지역에서 서남지역으로 흐르고 한국 제일의 곡창지대인 호남평야가 자리 잡고 있다. 이러한 연유로 쌀은 전북지역의 주된 생산품이었으며 그로인해 문화 전반에 걸쳐 풍부한 자산을 이룩할 수 있었다. 풍족한 삶은 바로 다양한 예술을 잉태 할 수 있는 모태가 되었던 것이다. 또 중앙과의 원격성(遠隔成)은 다른 한편에서 전라북도에 문화적으로 독특한 성격을 부여해 왔다. 전라지역의 언어, 예술, 문화 등에서 국토공간의 타 지역에 비해 그 특색이 뚜렷하고 강하게 나타나고 있는 동시에, 그 원형이 비교적 잘 보존되어 면면히 이어져 내려오고 있다. 근대 전북화단의 경우 작가의 양상이 크게 두 가지로 나타나는데 첫 번째로 조선 말기 김정희로부터 성행하였던 남종문인화풍의 그림을 그렸던 선비화가들을 들 수 있다. 안정적인 지역 환경으로 인해 오래전부터 이 지역에는 선비들이 많이 분포하게 된다. 때문에 선비들에 의해 즐겨 그려지던 문인화는 근대에 들어서도 전북지역에서 성행할 수 있게 되었다. 근대 전북지역의 선비화가로서 대표적인 인물로 석정(石亭) 이정직(李定稷 1841-1910), 벽하(碧下) 조주승(趙周昇 1854-1903)과 유제(裕薺) 송기면(宋基冕 1881-1954)을 들 수 있다. 다른 하나는 그림을 생계의 수단으로 삼는 직업작가들이다. 이들의 특징은 어떠한 집단의 영향 관계에 있지 않아 사상적인 면이나 화풍․소재 면에서 자유롭고 다양한 작품들이 전해진다. 직업 작가로 활동한 작가들 중에는 대표적으로 석지(石芝) 채용신(蔡龍臣, 1850-1941)과 황종하(黃宗河, 1887-1952), 황성하(黃成河, 1895-1966), 황경하(黃敬河), 황용하(黃庸河, 1899-?) 형제를 들 수 있다. 근대의 전북지역 화단은 그 유례 찾아보기 힘들 정도로 활발한 창작활동을 벌였다. 근대 전북 화단이 형성될 수 있었던 이유로는 국내의 정치적 상황을 들 수있다. 혼란스러운 근대화시기에 전북의 선비화가들은 짐짓 일제의 강압에 의한 식민 사대주의로부터 큰 거부감이 있었을 것이다. 나라가 어지러워지고 벼슬길도 여의치 못한 상황에서 평소 여기(餘技)로 삼던 서화를 통해 민족정신을 드러내고자 하였으며 서화에 몰두 할 수 있는 계기가 되었던 것이다. 직업화가의 경우 근대시기에 들어 왕성한 창작 활동을 할 수 있었던 이유는 조선 후기부터 상품화폐경제의 발달로 시장권이 확대되면서 중앙과 지방의 서화유통이 원활해졌기 때문이다. 또 갑오개혁이 이루어져 신분제가 폐지되면서 그림을 향유하려는 층이 확대되었고 그에 따른 수요자가 많아져 생계를 위해 작업을 하던 작가들에게 좋은 토대가 되었다. 이렇게 근대 전북 화단이 형성될 수 있었던 배경을 살펴봄으로써 당시 창작되었던 많은 회화에 대한 연구가 촉진되는 계기가 될 것으로 기대한다.

독일 신표현주의가 한국 현대미술에 미친 영향에 관한 연구

이수현 전북대학교 교육대학원 2007 국내석사

신표현주의는 2차 대전 후 독일의 사회적, 문화적 상황에서 발생하여 표현주의의 전통을 계승하며 1970년대 말부터 80년대에 걸쳐 국제적인 미술운동의 중심을 이루었다. 즉, 흔히 포스트모더니즘 미술이라고 불리 우는 현대미술을 대표하는 양식으로서 독일뿐만 아니라 미국의 뉴 이미지 페인팅, 이탈리아의 트랜스 아방가르드, 프랑스 자유 구상 등의 새로운 표현주의적 미술 경향에 있어서 주도적 역할을 하였다. 이러한 신표현주의는 세기말적 징후를 극단적으로 보여주고 당대를 풍미했던 미술의 형식과 내용에 도발적으로 반응하는 주제를 표현하고 있으며 독일의 전통과 전후의 분단 정치 상황 속에서 민족적 바탕에 뿌리를 두고 국제적인 보편성 보다는 자기 생성의 경험과 지식이 중심을 이루는 감각적인 세계관을 보여준다. 또한 80년대의 주요 흐름인 포스트모더니즘의 대표적인 조류로써 형식보다는 내용에 집중해 현대인의 삶, 또는 사회의 갈등, 패러독스, 꿈과 희망을 표현했던 과거 작가들을 재조명하여 인물, 신화, 상징을 다시 화면에 등장시키고 인물과 화폭이 있는 이젤화로 복귀시켰다고 볼 수 있다. 신표현주의의 형상성은 구상적인 요소를 지니고 있으며 자연을 그대로 재현하는 역할로서의 구상이 아니라 인간의 내면세계를 표출하고자 하는 과정으로써 쓰이고 있음을 알 수 있었다. 즉, 독일 신표현주의 회화는 자연의 형상을 인간의 내면세계를 형성하는 조형수단으로 사용하였고, 이것은 표현주의의 전통에 기초한 것이며 음울한 기억과 실존상황의 공포로 결합된 무한성에 대한 집착을 표현하고 있다. 신표현주의 미술은 우리의 사회, 정치적 상황과 관련을 맺고 우리 사회에 자연적으로 흡수되었다. 또한 80년대에 접어들면서 새로운 구상미술도 추세를 보였다는 점에서 이와 때를 같이 한다. 국제미술의 패권을 차지한 독일에서 두드러진 발전을 보였지만, 그것이 국내 사회의 분위기와 맞아 떨어지면서 왕성하게 번식되어 왔던 것은 부인할 수 없는 사실이다. 당시 우리사회는 광주 민주화 항쟁, 5공화국의 느닷없는 출몰, 정경 유착, 사회적 비리의 횡행과 사회 제도 모순의 팽배, 언론 탄압 등 각종 혼란 속에서 신표현주의는 우리의 사회적 상황에 예술적 자양분을 제공하기에 충분했으며, 또한 이들의 욕구를 충족시키는데 적합했던 것으로 보인다. 국내의 신표현주의는 다중성을 띠며 민중미술과 포스트모더니즘을 내세운 구상회화의 경향으로 나타나며 이러한 분위기 속에서 작가들은 사회의 불만족스런 심리를 공격적인 형상으로 폭로하고 삶의 현재성과 경험성을 맹렬하게 표현하고 있다. 다양한 작가들에 의해서 신표현주의는 널리 차용되었으며 현재까지도 독일 유학파 작가들과 독일에서 활동 중인 작가들은 신표현주의와 한국적 정체성을 결합하여 우리 식의 신표현주의를 형성해 나가고 있다. 그들의 노력은 한국문화의 전통과 오늘날의 역동적 문화교류의 상황 속에서 독일과 한국이 지니고 있는 역사적, 문화적 차이를 넘어서 공유할 수 있는 본질들을 창출해내고 있다고 볼 수 있을 것이다. Neo-expressionism came from German social and cultural condition after World War Ⅱ, succeeding tradition of expressionism. Finally, it was at the center of international art movement from the late of 1970's to 1980's. Neo-expressionism displayed radical fin-de-siecle symptoms and expressed provocative subjects reflecting styles and contents of arts which was overwhelming at that time. In addition, it was based on nationalism under German tradition and the political condition as separation after war. Besides, it rediscovered past artists, who had exhibited modern life, social conflicts, paradox, dream and hope, focused on contents rather than styles as a representative trend ofPost-modernism in 1980's. Therefore, men, myths andsymbols came back to canvas and easel painting, whichcomprised men and pictures, was restored. Configuration of Neo-expressionism contained conceptional factors and used phenomena of nature as a formative mean to form internal world of a human. This was on a basis of the tradition of Expressionism and described obsession with infinity combined with melancholic memories and dread of existence. Arts of Neo-expressionism was naturally absorbed into our society, connecting with the society, political situation, while 1980's began. There was remarkable advance in Germany that dominated international arts, but it was an undeniable fact that Neo-expressionism vigorously flourished, correctly meeting domestic social air. Korean Neo-expressionism tended to show a style of Nouvelles Figuration based on Korean Independent art and Post-modernism, carrying multiplicity. With this backdrop, artists revealed unsatisfactory social phenomena with offensive forms and aggressively expressed presence and experience. A great number of artists amply used Neo-expressionism and artists studying abroad in Germany and those who lead their lives as artists in Germany have been still building up Korean Neo-expressionism, mixing it with Korean identity. Their efforts seems to create essence that can be shared beyond historical, cultural differences between Germany and Korea under the dynamic cultural exchange and Korean tradition.

천진미의 조형성 연구

최수영 전북대학교 일반대학원 2013 국내석사