창의적 움직임과 정서표현과의 관계에 대한 연구창작 작품 『파편』을 중심으로

한예농 국민대학교 2022 국내석사

The purpose of this study is to understand the relationship between creative activities and emotional performance by using the creative work fragments. Through the analysis of the works, its characteristics are as follows. First of all, the content and expression of the work try to have a free perspective and abstract expression. For the psychological problems of the protagonist, contact the relationship between creative action and emotional performance, and show originality. To this end, the use of space has increased static and positive opposition, breathing and speed changes. Secondly, try to express the emotional expression of modern dance subjectively and abstractly. Therefore, it proves the relationship between the content and action, composition, creative action and emotional expression of the work. Based on the analysis of the characteristics of "fragments", the relationship between creative activities and emotional expression is as follows: First, joint and several relationship. Therefore, the correct emotional expression in dance should be related to the successful artistic action image in the work. For example, solid dance foundation, superb skills and rich inner feelings should be linked. Second, the containment relationship. In other words, creative action and emotional expression restrict each other. In dance, body movements and emotional performance are closely linked, but in order to pursue the diversity of body movements, the relationship should also be changed. Even the process of mutual restraint can reach balance< In fragment, it is restrained by various sad and painful actions and emotional expressions performed by others with the same inner emotion on the stage. Third, alternating relationship. In the arrangement of modern dance, leading works continue to emerge, giving new ideas to the majority of dance creators. For example, when you have feelings, you should show that you have no body language at all, or when you just have simple body language, you have no feelings. In fragment, pain, hope and joy are also expressed through the shift handover relationship, but the shift handover relationship is more cautious than the joint shift and shift handover relationship. Therefore, dance must have a close relationship between creative behavior and emotional performance in order to expect better results. Therefore, dance creators should pay more attention to the relationship between creative actions and emotional performance. Works with poor understanding or inadequate preparation of the audience will destroy the relationship of association, restraint and alternation. Dancers should also study movements, expressions, strengths and weaknesses through a specific understanding of the meaning required in the work, and continue to practice. Among the various changes of modern dance, the creative works of dance can achieve higher expected results only when the relationship between creative actions and emotional performance is considered first. 본 연구는 창작작품 <파편>을 이용하여 창의적 움직임과 정서표현 간에 어떠한 관계가 있는지를 알아보고자 함을 목적으로 하였다. 작품 분석을 통한 특징은 다음과 같다. 우선, 작품 내용과 표현은 자유로운 시각과 추상적 표현을 시도하였다. 주인공의 심적 문제에 대해 창의적 동작 정서표현 간 관계를 연계하여 독창적으로 표현하였다. 이를 위해 공간 활용을 정적 및 적극적 대립방식과 호흡, 속도 변화를 더하였다. 다음으로 현대 무용의 정서 표현을 주관적 및 추상적 표현을 시도하였다. 이를 위해 작품 내용과 동작, 구성, 그리고 창의적 동작과 정서표현 간의 관계를 증명하였다. <파편>작품의 특징 분석을 통해 창의적 움직임과 정서표현 간 관계는 다음과 같다. 첫번째, 연대 관계이다. 따라서 무용에서 정확한 정서표현은 작품 속의 성공적인 예술동작 이미지와 관계가 있어야 한다. 예를 들어 탄탄한 춤의 기초에 뛰어난 기교, 내면의 풍부한 감정 등이 연계되어야 한다. 두번째, 견제 관계이다. 즉 창작적 동작과 정서표현 간 상호 제약을 의미한다. 무용에서 몸짓과 감정 표현은 밀접하게 연결되지만, 몸짓의 다양성을 추구하기 위해서 관계도 달라져야 한다. 심지어 상호 견제과정이 균형을 잡을 수 있다. <파편>에서 내면적 감정이 동일한 타인과 무대 위에서 보여주는 다양한 슬프고 고통스러운 동작과 정서표현을 통해 견제하였다. 셋째, 교차관계이다. 현대무용의 편성에서 선도적 작품들이 계속 밀려들면서 많은 무용창작자들에게 구상에 대한 새로운 기발함을 준다. 예를 들어 감정이 있을 때 몸짓이 전혀 없거나 혹은 단순히 몸짓을 보일 때 감정이 없음을 보여 주어야 한다. <파편>에서도 교차관계를 통해 고통, 희망, 기쁨을 표현하였다, 하지만 교차관계는 연대 및 교차 관계보다 신중해야 한다. 따라서 무용은 창의적 행동과 정서표현 간에 밀접한 관계가 있어야 보다 훌륭한 성과를 기대할 수가 있다. 따라서 무용 창작자들은 창작 시에 창의적 움직임과 정서표현 간 관계를 더욱 중시해야 한다. 관객들이 이해성이 떨어지거나 준비가 부족한 작품은 연대, 견제, 교차 관계를 파괴할 수 있다. 무용가 역시 작품 속에서 요구하는 함의에 대한 구체적인 이해를 통해 동작, 표정, 강약 등의 동작을 연구하고 지속적으로 연습해야 한다. 현대무용의 다양한 변화 속에서 무용의 창작 작품의 경우 창조적 움직임과 정서표현 간의 관계 변화를 우선 생각해야 만이 더욱 훌륭한 기대 이상의 결과를 얻을 수 있을 것이다.

중국 한나라 토용의 형태적 특성기반 무용창작연구 : 창작 작품 <용(俑)·인상>을 중심으로

진맹 국민대학교 일반대학원 2022 국내박사

The terracotta figures are collected in ancient China and used to replace the custom of martyrs. The terracotta figures not only contain the political, economic, cultural, ideology, customs and other information of the Han Dynasty, but also contain a variety of information in sculpture, ceramics, art, dance, clothing and other artistic fields. In recent years, there has been a tendency to use the creation of cooperation between various genres or the convergence of new technologies and new media, and presents a future-oriented development trend. By contrast, the inherent cultural heritage is either put on the shelf or excluded from the public eye. In particular, the terracotta figures, as the ancient cultural relics bearing various cultural values, as a reasonable use of materials in the contemporary artistic creation is a subject worth research. The purpose of this researcher is to show the characteristics of Han Dynasty, and show the cultural style of Han Dynasty; [] use this theme to create modern ideas, observe how the traditional culture and modernity of modern culture cooperate, and try to explore the possibility of a new aesthetic clue oriented by integrated creation, in order to become an opportunity for self-criticism and self-analysis of Chinese dance circles. Chapter I discusses the necessity and purpose, the methods and the limitations of the research. The theoretical investigation of the clay figures in Chapter II describes the formation and type of the clay figures, which contributes to the basic understanding. Then analyze the application of the terracotta figures in other contemporary art, discuss the connection between the terracotta figures and contemporary art, and get its application value. Investigate the historical materials of the Han Dynasty, especially in the cultural and ideological fields, combined with the photos of the Han Dynasty pottery figurines, comb the shape and system characteristics. By analyzing the dance cases of chapter III choreography using ideas and the form of terracotta figures, we can master the creative intention, choreography means and cultural expression of choreographers, laying a practical theoretical foundation for researchers' dance creation in the later period. In Chapter IV <Terracotta Warriors · Impression>, from the overview of the work to the choreography intention, scene, music, space, movement, lighting and other composition are considered, the morphological characteristics of <Terracotta Warriors · Impression> are analyzed, and its application in dance creation is described. In the conclusions and suggestions of Chapter V, the dance performance and creation according to the works "Terracotta Warriors · Impression>, especially the dance works of Chinese modern dance, using the" simple " form of the terracotta figures to achieve the following effects. The dance works use the "simple" form characteristics of the terracotta figures to achieve the following effects: First, the simplicity of the scale allows the audience to avoid the complicated and noisy real world and feel the tranquility of the primitive simplicity. Secondly, the simplicity avoids the sense of expansion caused by many stage staff and the visual fatigue caused by the superposition of space. Third, the simplicity of the movement avoids the upward sense of elegance and technical habits brought by the classical dance's pursuit of the "first reaction", and strives to restore the essential beauty of the body and the most real physical reaction. Fourth, the simplicity of the dress is easier to complete the dance movements, but emphasizes the attention to the body movements. Fifth, the simple performance of the music produces a quiet and stable effect, so that the audience can think and feel quietly. The effect of using the "curve" characteristics of the Han Dynasty terracotta figures in the dance works is as follows: Third, the curve of the action is generated by various motion tracks, such as momentum, gravity, propensity and torsion, which can develop the sense of flow of the body. Secondly, the curve of the space makes the works can form a collection, scattered, orderly, disorder and other picture composition. Third, the curve of the props, using the props to complete the picture segmentation and the symbol of cultural symbols. The application effects of the "feelings" characteristics of the Han Dynasty pottery figurines in the dance works are as follows: First, the group mood reflects the development of The Times and the vitality of cultural thoughts, which helps to grasp the overall emotional tone of the work. Secondly, personal emotions can reflect the psychological change process of the dancers and promote the development of the plot. In the development of the application scheme and development direction of historical and cultural elements in contemporary art creation. The significance of this paper is to explore the cooperation and integration between ancient culture and modern art. In detail, researchers hope to open up a diversified and open road of visual experience with both historical awareness and modern perspectives. This study is an active attempt to inherit and develop, explore and innovate. It tries various possibilities through modern dance creation techniques, including form imitation, shape deformation, cohesion and reorganization, spatial segmentation, contact, improvisation and so on. 유물 토용은 고대 중국에서 수장하는 명기(冥器)로서, 사람을 순장하는 풍속을 대체하기 위해 사용하였다. 토용에는 한나라의 정치, 경제, 문화, 사상, 풍속 등 정보만 아니라 조각, 도자기, 미술, 무용, 복식 등 예술 분야에 관한 다양한 정보를 담고 있다. 최근 중국의 현대무용 창작에는 다양한 장르 간의 협력이나 신기술, 신매체의 융합 등을 사용하는 경향이 나타나고 미래지향적인 발전 태세를 보이고 있다. 이에 비해 고유의 문화유산은 방치되거나 대중의 관심에서 소외되고 있다. 특히 다양한 문화적인 가치를 담고 있는 고대 유물인 토용은 현대 예술 창작에서 소재로 합리적으로 활용되는 것은 연구할 만한 과제이다. 본 연구자의 목적은 고대 조형 유물 토용은 구체적이고 추상적이지 않으며 실감을 나는 특성을 가지고 한나라 문화의 풍모를 보여주고, 이 소재를 활용하여 현대 관념 창작을 하며, 전통문화의 전통성과 현대문화의 현대성이 어떻게 협력하고 있는지 관찰하고, 중국 무용계의 자아비평과 자아분석의 계기를 하기 위해 융합 창작을 지향하는 새로운 미학의 실마리를 가능성을 탐구하고자 한다. 제I장 서론에서는 연구의 필요성과 목적, 연구의 방법, 연구의 제한점을 다뤘다. 제II장 토용의 이론적 고찰에서는 토용의 형성과 유형을 기술하여 기본적인 이해를 도왔다. 이어 다른 현대 예술에서 토용의 응용을 분석하고, 토용과 현대 예술의 연관성을 탐구해 그 응용가치를 도출한다. 한나라의 역사 자료, 특히 문화와 사상 분야를 고찰하고, 한나라 토용의 사진을 결합하여 형태적 특성을 정리한다. 제III장 안무가 사상 및 토용 형태를 활용한 무용 사례를 분석하여 안무가들의 창작 의도와 안무수단, 문화표현을 파악하여 연구자의 후기 무용창작을 위한 실천의 이론적 토대를 마련하였다. 제IV장 <용(俑)·인상>에서는 작품 개요부터 안무 의도, 장면, 음악, 공간, 동작, 조명 등 구성까지 고려하여 창작하였다. 그리고 <용(俑)·인상>에서 나타난 형태적 특성을 분석하고 이를 무용창작 시 활용될 수 있는지를 기술하였다. 제V장 결론과 제언에서는 작품 <용(俑)·인상>을 의하여 무용 공연과 창작, 특히 중국 현대무용의무용작품은 토용의 '소박'의 형태적 특성을 활용하여 아래와 같은 효과를 내었다. 무용작품은 토용의 '소박'의 형태적 특성을 활용하여 아래와 같은 효과를 내었다. 첫째, 규모의 소박성은 관객들으로 하여금 번잡하고 시끄러운 현실세계를 피해 고풍스러운 고요함을 느끼도록 한다. 둘째, 소박성은 무대 인원이 많은 데서 만든 팽창감과 공간이 겹친 후에 생긴 시각적 피로감을 피한다. 셋째, 동작의 소박성은 '제일 반응'에서 오는 위로 올라가고 찰랑찰랑한 느낌과 기술성을 추구하는 고전무용의 관습을 피하고, 신체의 본질적인 아름다움과 가장 진실한 신체 반응을 환원하고자 한다. 넷째, 복식의 소박성은 무용 동작을 더 쉽게 완성되 신체 동작에 대한 관심이 강조된다. 다섯째, 음악의 소박성은 고요하고 안정적인 효과를 만들어 관객들로 하여금 조용히 생각하고 느낄 수 있도록 한다. 무용작품에서 한나라 토용의 '곡선' 특성을 활용하는 효과는 아래와 같다. 셋째, 동작의 곡선성은 동세, 중력, 경향, 비틀림 등 다양한 운동 궤적이 만들어 내고 신체의 유동감을 개발할 수 있다. 둘째, 공간의 곡선성은 작품이 집합, 분산, 질서, 무질서 등 다양한 화면 구도를 구성할 수 있게 한다. 셋째, 오브제의 곡선성은 오브제을 활용해 화면 분할과 문화 기호의 상징을 완성한다. 한나라 토용의 '정서' 특성을 무용작품에서 활용하는 효과는 아래와 같다. 첫째, 집단 정서는 시대적 발전상과 문화사상의 역동성을 반영하고 작품의 전체적인 정서 기조를 파악하는 데 도움이 된다. 둘째, 개인 정서는 무용수의 심리 변화 과정을 반영하고, 줄거리를 추진할 수 있다. 발전에서 역사문화요소가 현대 예술 창작에서 활용되는 방안과 발전 방향을 제언하였다. 본 논문은 고대 문화와 현대 예술 간의 협력과 융합을 탐색하는 데에 의미가 있다. 자세히 말하자면 연구자는 옛날과 현재 사이에 역사의식과 현대의 시각을 동시에 갖춘 다양하고 개방적인 시각 체험의 길을 열어보고자 한다. 본 연구는 계승과 발전, 탐색과 혁신의 적극적인 시도로서 형태 모방, 형태 변형, 연결 재구성, 공간 분할, 접목 즉흥 등 현대무용의 창작 수법을 통해 다양한 가능성을 시도한다. 이러한 시도나 탐구를 통해 개인이 문화재의 소재를 현대 무용 분야에 활용하는 안무 사상이 제시되었다. 토용의 의미는 과거의 상징에 머무르는 것이 아니라, 현재의 우리를 표현하기에도 충분한 가치를 가진 매개체가 될 수 있음을 보여주고자 한다.

초등학생 신체표현력 향상을 위한 무용교육프로그램 개발 : 초등학교 체육교과 내 표현활동을 중심으로

김하린 국민대학교 일반대학원 2022 국내석사

표현 활동은 자신의 생각이나 느낌을 몸으로 표현하고 신체 표현을 통해 자신의 감정을 자연스럽게 표출하여 사회성 향상에 긍정적인 영향을 미친다. 활발한 성장이 이루어지는 아동기 무용 경험은 아이들의 신체 발달과 정서적 함양에 더욱 큰 가치를 지닌다. 그러나 초등교육현장에서의 무용 수업은 교사들의 무용 경험 부족과 무관심, 이해하기 힘든 교육과정과 참고자료의 미흡, 환경적 제약 등의 이유로 파행적으로 이루어지고 있다. 이에 본 연구는 선행연구를 바탕으로 표현 교육의 문제점을 파악하고, 현장개선에 기여하는 실천노력의 하나로 초등학생의 신체표현력 향상을 위한 무용교육프로그램을 개발하고자 한다. 이러한 목적을 달성하기 위하여 ‘ADDIE 교수체제개발 모형’에 분석(Analysis), 설계(Design), 개발(Development)단계에 거쳐 무용교육프로그램을 개발하였으며, 구체적인 절차와 내용은 다음과 같다. 첫째, 분석단계에서는 교육부 2022개정 교육과정과 초등학교 체육교과서·지도서의 목차, 구성, 학습 목표, 세부 내용을 분석하였고, 표현활동 관련 선행 연구를 바탕으로 표현활동이 자라나는 성장기 아이들의 신체 표현력 향상에 어떠한 영향을 미치는지 상호작용 관계에 대해 알아보며 초등학생 신체표현력 향상을 위한 무용교육의 이론적 기반을 마련하였다. 둘째, 설계단계에서는 산출된 결과의 문제점을 토대로 무용교육의 학습 목표를 설계하고 효과적인 교육프로그램을 개발하였고, 교육내용 및 교수학습 방법에 대한 교수 전략 설계와 평가도구를 선정하였다. 셋째, 개발단계에서는 분석과 설계 단계에서 나온 자료를 바탕으로 초등학생 신체표현력 향상을 위한 무용교육 프로그램의 수업 목차를 구성하고 그에 적합한 프로그램 내용과 차시별 주제, 학습 목표를 선정하였다. 본 프로그램의 연구 결과는 다음과 같다. 첫째, 체육교과의 표현 활동을 기반으로 프로그램이 개발되었기 때문에 아동의 신체 발달의 특성에 맞추어 수업을 진행할 수 있으며, 다양한 표현 방법의 학습을 통해 신체 표현력 하위요인인 정동성, 다양성, 의미성, 독특성이 함께 향상될 수 있다. 둘째, 각 차시마다 개인에서 우리로 마무리하여 팀이라는 작은 사회를 학습함으로 배려와 이해, 공동체, 협동심을 배울 수 있다. 셋째, 교수·학습 지도안을 활용하여 교수자는 학습자의 태도를 유추하여 그에 적합한 수업 방안을 구상할 수 있다. 넷째, 현장 적용 가능한 ADDIE 교수설계모형을 바탕으로 무용교육프로그램을 개발하였기 때문에 실질적으로 교육 현장 활용에 적합하다. 이상의 연구는 교육 현장에서 실질적으로 활용될 수 있는 기초자료로서의 의의를 지닌다. * 주제어 : 초등무용교육, 신체표현력, 표현활동, 교수학습방법 Expressive activities have a positive effect on improving sociability by naturally expressing one's thoughts or emotions with the body. Childhood dance experiences with active growth are of greater value for children's physical development and emotional cultivation. However, dance classes in elementary education sites are not properly implemented due to teachers' indifference, lack of dance experience, a complicated curriculum, lack of reference materials, and environmental restrictions. Accordingly, this study aims to identify the problems of expression education based on previous studies and develop a dance education program to improve the physical expression of elementary school students as part of practical efforts to improve quality of learning. In order to achieve such purpose, a dance education program was developed through the stages of analysis, design, and development in the "Analysis Design Development Implementation Evaluation (ADDIE) teaching system development model", and the specific procedures and contents are as follows. First, the Ministry of Education's 2022 revised curriculum and elementary school physical education textbooks and guidelines were analyzed. The theoretical basis for dance education was established by examining the correlation between expressive activities and improvement of physical expression in growing children. Second, in the design stage, learning outcomes of dance education were designed and an effective educational program was developed based on the problems identified in the analysis stage. Teaching strategies and evaluation tools were selected for the dedicated educational contents. Third, in the development stage, a specific class curriculum designed to improve students' physical expression was established, incorporating program contents, topics for each class, and learning outcomes. Such curriculum bases on data from the analysis and design stage. Findings of this study are as follows. First, since the program was developed based on the expression activities of the physical education curriculum, classes can be conducted with regards to age-related characteristics of children's physical development. Sub-factors of physical expression, including affectivity, diversity, semanticity, uniqueness, are also expected to improve by learning various expression methods. Second, students are able to understand a sense of community and a cooperative mindset by starting as individuals and finishing as a team. Third, using teaching guidance plans, instructors can infer learners' attitudes and devise individualized teaching plans. Fourth, since a dance education program was developed based on the field-applicable ADDIE instructional design model, it is practically suitable for use in the educational field. The above research is significant as data that can be practically used in the educational field. * Key words: Elementary dance education, physical expression, expression activities, teaching and learning methods

장소 특정적 공간의 특성에 기반한 무용창작연구 : 작품<IF>를 중심으로

변예유 국민대학교 일반대학원 2022 국내박사

본 연구는 장소 특정적 무용공연을 위해 창작한 작품 <IF>의 분석을 통해 장소 특정적 의미에 대한 해석과 예술적 매력을 알아보았다. 또한 연구자 창작한 무용작품 <IF>의 분석을 통해 장소 특정적 공연의 표현과 편집, 창작 특징을 통한 연구 함의를 알아보았다. 이러한 연구 목적을 달성하기 위해 기존의 선행연구를 토대로 본 연구에 부합하는 장소 특정적 공연에 대한 이론적 연구배경을 살펴보았다. 이를 토대로 본 연구를 위한 창작 무용작품 <IF>는 예술적 표현 방식과 환경 보호의 신 의식문화와 잘 결합하였다. 본 연구에서 장소 특정적 공연 목적을 환경을 토대로 창작하는 것이었고, 관객들이 환경에 대해 관심을 불러일으킬 수 있는 친근감, 구체감, 공감감을 경험할 수 있도록 무용을 창작하였다. 그 속에서 공간의 특성, 상호성, 접근성, 다변성을 추출하여 <IF>에 적용하였다. 이 과정에서 특히 무용수와 환경 간 친밀한 느낌 및 상호 간의 작용이 가능하도록 하였고, 관객 개인들의 일상생활에서의 자연환경 보호 의식 범위 확대와 환경 보호에 대한 자각 의식이 형성되도록 해야 한다는 의식 속에서 장소 특정적 무용의 예술적 매력을 창조하여 작품에 적용하였다. 그리고 창작 작품 <IF>의 분석을 통해 특정적 장소에서 과거에 발생했던 사고와 관련하여 진행되었던 <IF> 공연을 분석하여 실질적인 함의와 그 특징의 분석을 통해 다음과 같은 결론을 내릴 수 있었다. 장소 특정적 공간의 특성을 배경으로 진행한 <IF> 공연을 살펴보면 사람과 자연이 하나가 되어 인간은 언제나 자연의 중요성을 이해하고 중시해야 한다는 것이다. 따라서 <IF>는 전통적 공연 관습을 초월한 실험적 시도 공연으로서, 기존의 공연 형식에 해안이라는 공간과의 장소 특정적 무용공연을 위한 퍼포먼스를 결합하였다. 그리고 관객과의 소통 확장을 시도하였는데 이는 <IF> 내부 구성에 이미 다양한 소통 방식이 있다는 의미로서 기존의 전통 공연에서 텍스트의 구조를 탈피하여 관객, 무용수, 퍼포먼스, 특정 지역 태안, 시민들 간의 상호 소통이 가능하도록 공연을 하나의 장으로서 하였다. 그리고 <IF>의 장소 특정적 공연을 생활 예술로서 확장하기 위해 방안을 고민하였고, 창작 작품 <IF>의 분석을 통해 장소 특정적 공연의 표현과 편집, 창작에 관한 특징을 제시하였다. <IF>의 분석을 통한 결론은 다음과 같다. 첫째, 장소 특정적 작품 창작에서 공간의 특성, 상호성, 접근성, 다변성을 잘 결합될 때 더욱 훌륭한 작품과 공연성과를 기대할 수 있다. 본 연구의 창작 무용은 <IF>도 동일한 관점을 토대로 창작되었다. 창작된 작품<IF>는 천리포 해안에서 진행되었다. 작품 중의 다음과 같은 장면들을 통해서도 충분히 설명되고 있다. 공연의 입지는 접근성이 있고 생활 속에서 누구나 언제든지 접근할 수 있는 곳이다. 공간의 개방성이 극장 공연과는 다른 상호 소통성을 형성해 무용수들이 공연을 할 때 주변 관객들은 어떤 각도에서든 볼 수 있다. 관객들의 참여로 극장에서의 공연 관람과는 또 다른 경험을 하게 되었다. 또한 장소 특정적 공간이 갖고 있는 특성으로 인해 다변성이 무한하다고 할 수 있는데, 이는 무용작품의 구성에서 이러한 점을 반드시 고려되어야 함을 알려주고 있다. 즉 이러한 무한 공간을 어떻게 처리하느냐에 따라 관객들에게 넓은 상상력과 다양한 사고를 하는 것이 가능하기 때문이다. 둘째. 장소 특정적 공연은 분명한 사회문제에 대한 주제가 있어야 한다. 즉 장소가 갖는 의미를 배경으로 스토리텔링화 될 수 있는 주제이어야 한다는 것이다. 현실적인 사회문제의 제기를 통해 관객들에게 주의와 경고, 그리고 결과에 대한 메시지를 공연에서 제시할 수 있어야 더욱더 작품의 창작 배경과 공연 효과를 기대할 수 있다. 셋째, 장소 특정적 무용공연을 통해 자연환경과의 조화를 추구해야 한다. 동양이든 서양이든 산업화 이전 농경 문명 시대에는 인간의 생존과 관련된 외적 자연이 예로부터 미적 시야의 범위에 포함되었다. 하지만 산업 문명에 진입한 후 자연 자원의 과도한 개발과 이용으로 인한 주체 의지의 팽창이 자연계 균형을 깨뜨리면서 생태환경이 지속적인 악화되면서 인류의 생존 전망을 위협해오고 있다. 이 모든 연쇄적 효과를 극복하고 다시 자연환경으로 돌아가기 위해 무용공연에서 자연에 대한 존경심을 표현해야 한다. 넷째, 장소 특정적 무용 창작 과정에서 역사문화의 대화에 참여하도록 해야 한다. 자연환경의 영역을 벗어나 장소 특정적 무용은 종종 일부 인문환경에서 역사문화 대화에 참여하며, 다양한 스타일의 신체 자세와 동작 장면의 표현을 통해 역사적 변화와 문화 혼합에서 인간들이 갖추어야 하는 정신 방향을 표현해야 한다. IF에서 보여주는 보디랭귀지는 어떤 묘한 조화를 낳기도 하고, 때로는 우스꽝스러운 해프닝으로 전락하기도 하며, 때로는 역사적 환경에서의 신체의 숙연함을 보여주기도 하고, 또 대중문화에 젖어 본능적인 욕망을 드러내고 있다. 이는 장소 특정적 장소가 갖고 있는 역사적 배경을 토대로 역사적 대화에 참여를 시도한 것이다. 다섯째, 일상생활의 환경 속에서 환경 변화에 대한 깨달음의 시간과 경험을 전달하도록 해야 한다. 따라서 수많은 장소 특정적 무용작품들이 일상 생활환경에서 전개된다. 예를 들어 매일 자는 침대, 식사하는 테이블, 지나가는 문, 화장실 같은 좌변기 등을 배경으로 하기도 한다. 무용수들은 이러한 배경에서 감각적으로 익숙하기 위해 그러한 환경에 대한 탐문 동작을 연습하고 공연을 통해 전달하고자 하는 메시지를 연구한다. 작품 <IF> 역시 관객들에게 지난 시간 발생하였던 사건과 해결, 그리고 경고 등 다양한 관점까지 다시 생각하고 고민하게 하는 함의를 표현하였다. 여섯째, 본 연구에 대상 작품인 <IF>는 장소 특정적 무용공연의 요인들을 적극적으로 반영하여 창작과 무용공연 진행을 통해 연구 목적이 충분하게 검증되었음을 증명하였다. 따라서 장소 특정적 무용공연에 대한 연구시도와 범위를 확대할 수 있는 기초적 근거가 될 수 있다. 하지만 이러한 공연을 어떤 지역에 가서 공연을 구경해야 하는 것을 초월하여 언제 어디서나 쉽게 접근이 가능한 온라인도 적극적인 추진해야 하는 필요성도 있다. 공연은 시대 흐름에 반응하면서 다양한 매체와의 결합하여 신 양식을 만들면서 계속해서 발전하고 있다. 장소 특정적 공연도 공간에 대한 실험적 시도에서부터 시작되었지만 다양한 형태로서 발전하면서 연구가 이루어지고 있다. 본 연구에서도 공연예술이 사회로부터 변화에 대해 영향을 받을 수 있다고 간주하고, 장소 특정적 연구의 복합성에 초점을 두었다. This study examined the interpretation and artistic appeal of site-specific meanings through the analysis of the work <IF> created for site-specific dance performances. In addition, through the analysis of the dance work <IF> created by the researcher, the research implications through the expression and editing of site-specific performances and creative characteristics were investigated. In order to achieve this research purpose, the theoretical research background of site-specific performances that meet this study was examined based on previous studies. Based on this, the creative dance work <IF> for this study was well combined with the artistic expression method and the new conscious culture of environmental protection. In this study, the purpose of the site-specific performance was to create based on the environment, and dance was created so that audiences could experience familiarity, specificity, and empathy that could arouse interest in the environment. Among them, the characteristics, reciprocity, accessibility, and diversity of space were extracted and applied to <IF>. In this process, the artistic charm of site-specific dance was created and applied to the work with the consciousness that the audience should expand the scope of natural environmental protection consciousness in daily life and form awareness of environmental protection. In addition, through the analysis of the creative work <IF>, the following conclusions were made through the analysis of the actual implications and characteristics of <IF> performances related to accidents that occurred in the past in a specific site. Looking at the "IF" performance against the backdrop of the characteristics of a site-specific space, humans and nature should always understand and value the importance of nature. Therefore, <IF> is an experimental attempt performance that transcends traditional performance customs, combining the existing performance form with performances for site-specific dance performances with the space of the coast. In addition, we attempted to expand communication with the audience, which means that there are already various communication methods in the internal composition of <IF>, and the performance was made as a venue to allow mutual communication between audiences, dancers, performances, and citizens. In addition, we considered ways to expand the site-specific performance of <IF> as a living art, and presented the characteristics of the expression, editing, and creation of site-specific performances through the analysis of the creative work <IF>. The conclusions from the analysis of <IF> are as follows. First, when the characteristics, reciprocity, accessibility, and diversity of space are well combined in the creation of site-specific works, better works and performance performance can be expected. The creative dance of this study was created based on the same perspective in <IF>. The created work <IF> was carried out on the coast of Cheonripo. It is also fully explained through the following scenes in the work. The location of the performance is accessible and accessible to anyone at any time in life. The openness of the space forms a different mutual communication from theater performances, so when dancers perform, the surrounding audience can see from any angle. With the participation of the audience, I had a different experience from watching the performance in the theater. In addition, it can be said that diversity is infinite due to the characteristics of a site-specific space, which indicates that this must be considered in the composition of dance works. In other words, depending on how this infinite space is handled, it is possible to have a wide imagination and various thoughts for the audience. Second, site-specific performances should have a clear topic of social problems. In other words, it should be a topic that can be storytelling against the background of the meaning of the place. The creative background and performance effect of the work can be expected more only when attention, warnings, and messages about the results can be presented to the audience through the raising of realistic social problems. Third, harmony with the natural environment should be pursued through site-specific dance performances. In the era of agricultural civilization before industrialization, whether in the East or the West, external nature related to human survival has long been included in the scope of aesthetic vision. However, after entering industrial civilization, the expansion of the subject's will due to excessive development and use of natural resources has broken the balance of the natural world, and the ecological environment continues to deteriorate, threatening the prospects of human survival. In order to overcome all these serial effects and return to the natural environment, it is necessary to express respect for nature in dance performances. Fourth, it is necessary to participate in the dialogue of history and culture in the process of creating site-specific dance. Beyond the realm of the natural environment, site-specific dance often participates in historical and cultural dialogue in some humanities environments, and must express the mental direction humans must have in historical change and cultural mixing through the expression of various styles of body posture and movement scenes. The body language shown in IF creates some strange harmony, sometimes degenerates into a ridiculous happening, sometimes shows the body's solemnity in a historical environment, and reveals an instinctive desire immersed in popular culture. This is an attempt to participate in historical dialogue based on the historical background of a site-specific place. Fifth, it is necessary to convey the time and experience of realizing environmental changes in the environment of daily life. Therefore, numerous site-specific dance works are developed in daily living environments. For example, it is also set in a bed that sleeps every day, a table that eats, a passing door, and a toilet such as a toilet. In order to be sensibly familiar with this background, dancers practice interrogative movements about such an environment and study the messages they want to convey through performances. The work <IF> also expressed the implications of making the audience rethink and think about various perspectives, such as events, solutions, and warnings that occurred last time. Sixth, <IF>, the subject of this study, actively reflected the factors of site-specific dance performances and proved that the purpose of the study was sufficiently verified through creation and dance performance. Therefore, it can be a basic basis for expanding the research attempt and scope of site-specific dance performances. However, there is also a need to actively promote online performances that are easily accessible anytime, anywhere beyond having to go to any region to watch the performance. Performances continue to develop as they respond to the trend of the times and combine them with various media to create new styles. site-specific performances also began with experimental attempts on space, but research is being conducted as they develop in various forms. In this study, it was also considered that performing arts can be affected by change from society, and focused on the complexity of site-specific research.

키네틱아트의 특성에 기반한 무용창작연구 : 창작작품 「The end, for me」을 중심으로

김수연 국민대학교 일반대학원 2022 국내석사

기술이 발전함에 따라 예술분야에서도 그에 발 맞춰 변화해가고 있으며, 무용예술에도 새로운 패러다임과 함께 발전되고 있다. 기존의 무용작품에서도 신체의 움직임으로만 구성하던 작품에서 벗어나 다른 기술과 융합한 창작 작품의 사례가 증가하고 있다. 또한 관객들은 그에 흥미를 느끼며 계속해서 새롭고 다양한 예술창작을 요구하는 공연예술 안에서 여러 기술을 융합한 창작 작품들이 유도되고 있다. 이에 본 연구자는 기술을 도구로써 사용하는 것을 넘어선 새로운 창작 방법의 하나로 제시하고자 키네틱 아트의 특성 중 우연성을 추출하여 이를 움직임과 결합하여 작품을 창작해 내고자 하였다. 또한 창작 작품을 구성하는 것에 있어 우연성을 시각적 우연성과 청각적 우연성으로 나누었고, 이를 통해 장면을 연출해 움직임을 창작함으로써 창작 접근방법의 가능성을 제시하는 것에 목적을 두고 진행하였다. 먼저 선행연구들을 통해 키네틱 아트를 활용한 작품들을 분석하여 키네틱 아트를 적용함에 있어 작품의 시각적 이미지의 효과를 극대화 시킬 수 있다는 것을 확인하였다. 그렇기에 예술 작품을 창작함에 있어 기술을 도구로써 활용하고 이것의 필요성을 제시하였으며, 타 예술과는 활발한 연구가 이루어지고 있지만 키네틱 아트의 특성을 적용한 예술작품으로 무용분야에서는 활발히 이루어지지 않고 있음을 볼 수 있었다. 이에 본 연구자는 키네틱 아트의 특성 중 우연성을 기반으로 한 무용 창작 작품「The end, for me」을 구성하고 움직임과 장면을 연출하기 위해서 선행연구를 기반으로 시각적 우연성과 청각적 우연성으로 나누었다. 그 다음 이러한 우연성들의 요소들을 활용하여 움직임을 구성하였다. 작품을 창작하는 과정 속에서 우연성을 표현해내기 위해 다양한 시도를 하였고, 그 결과 작품을 창작하고 움직임을 연구하고 구성하고자 할 때 다채롭고 새로운 움직임을 창작해 낼 수 있었다. 무용 창작 작품 「The end, for me」를 통해 키네틱 아트의 특성 중 우연성을 창작의 방법론으로 활용함으로써 무용 창작 방법의 새로운 가능성과 창작 접근방법에 대해 제시하고자 한다. 또한 기술의 발전과 함께 키네틱 아트를 기술로써 사용하기도 하고 창작 방법의 도구로써 적용하여 키네틱 아트를 포함한 여러 모든 기술적 측면을 융합한 실천적 창작연구의 필요성을 제시한다. As technology develops, it is changing in accordance with the art field, and accordingly, it is developing with a new paradigm in dance art. Even in existing dance works, the number of cases of creative works that use technology and fuse with other technologies is increasing, away from works that were composed only of body movements. In addition, creative works that combine various technologies are being induced within the performing arts that are interested in the audience and continue to demand new and diverse art creation. Therefore, this researcher intends to extract coincidence among the characteristics of kinetic art and combine it with movement to create a work in order to present it as one of the new creative methods beyond using technology as a tool. In addition, in constructing creative works, coincidence was divided into visual coincidence and auditory coincidence, and the purpose was to present the possibility of a creative approach by creating scenes and creating movements. First, through previous studies, it was confirmed that the effect of the visual image of the work can be maximized in applying kinetic art by analyzing works using kinetic art. Therefore, the necessity of using technology as a tool in creating art works was presented, and although active research is being conducted with other arts, it is not actively conducted in the field of dance as a work of art that applies the characteristics of kinetic art. Accordingly, this researcher constructed a dance creation work "The end, for me" based on coincidence among the characteristics of kinetic art and constructed movements using visual coincidence and auditory coincidence. In the process of creating works, various attempts were made to express coincidence, and as a result, various and new movements were created. Through the dance creation work "The end, for me," a new possibility and creative approach of dance creation methods are presented by using coincidence among the characteristics of kinetic art as a methodology for creation. In addition, with the development of technology, kinetic art is used as a technology and applied as a tool for creative methods to present the need for practical creative research that combines all technical aspects, including kinetic art.

무용작품에 나타난 프로젝션 맵핑 특성에 기반한 창작 연구 : 작품 <실존적 공허> 중심으로

육난희 국민대학교 일반대학원 2021 국내박사

Humans have evolved by constantly seeking new ways of expression to show their imagination. As a result, the convergence of forms has appeared mostly in arts, and such trends infinitely expanded the possibilities of expression methods through the fourth industrial revolution. In accordance with this, the dance arts have also openly accepted technology as a way to compensate for temporal and spatial limitations. Based on this research background, the researcher conducted choreography research based on the characteristics of projection mapping among other digital media types. This study examined the concept and technique of projection mapping, analyzed examples of dance performance using projection mapping, and derived three characteristics including “physicality,” “'temporality and spatiality,” and “interactivity.” To create dance moves based on the characteristics, a projection mapping program was developed, through which “The Existential Vacuum” was created. In addition, the characteristics and effects of projection mapping in “The Existential Vacuum” were analyzed, and the results are as follows: The characteristics of projection mapping, including “physicality,” “temporality and spatiality,” and ''interactivity” can expand the scope of expression through real-time interaction between the choreographer, the dancers, and the audience and improve the quality of communication by delivering the message effortlessly, realizing the meaning of the work as the value of artistic expression. In addition, projection mapping enables them to overcome the limitations of expression using the body and moves in existing works and expand the scope so that the performance can produce liveliness. It also has the effect of improving the completeness of a performance by increasing the level of interest, concentration, and understanding of the work through real-time interaction as well as the sense of space, reality, speed, illusion, and immersion of the work by overcoming temporal and spatial limitations. Furthermore, it raises the satisfaction of the audience with a higher sense of completion, proving its effect for choreography. Based on the above results on the three characteristics, the following plans are suggested for utilizing projection mapping in choreography: First, the various arrangements and effects of projection mapping enable the maximization of image and movement creation without limitations and the performance of difficult or impossible moves going beyond the physical limitations of humans, freely creating movements beyond existing concepts and understanding. Second, the characteristics of performing arts of being present and one-off, i.e., the constraints of time and space, can be overcome through projection mapping; the outcome and effects can be delivered immediately in real time through reproduction, repetition, and combination. This reduces the time and cost required for choreography so that various attempts can be made, and real-time visual expression will provide the choreographer with an experience of sensory stimulation. Third, unlike existing works that unfold with dancers’ movements, music, lighting, and stage art, the development of dance performance using projection mapping can be affected by the gestures and actions of the audience, and unexpected developments will be able to present another direction for the work to the creator. In addition, real-time interaction with the audience can contribute to the promotion of a dance performance by providing the audience with opportunities and experiences as participants in the performance. Fourth, audience members who are intrinsically familiar with digital media can also experience sensational changes by willingly accepting performances with projection mapping. Therefore, the use of projection mapping can create different visual images in choreography and contribute to the popularization of dance as a new means of communication with the audience. In conclusion, it is necessary to continuously perform research to expand the range of movements in choreography by widening the list of digital media such as projection mapping, selecting the most suitable media for choreography, fully understanding digital technology, and utilizing the technology properly. Going forward, dance performances using projection mapping are expected to vitalize the stagnant dance performance market. 인간은 자신의 상상력을 표현하기 위해 끊임없이 새로운 표현 방법을 모색하며 진화하였다. 그 결과 형식의 융합은 거의 모든 예술에서 나타났으며 이러한 양상은 4차 산업혁명을 통해 표현방식의 가능성을 무한하게 확장해 주었다. 이와 함께 무용 예술에서도 한정된 공간과 시간의 한계를 보완할 방법으로 기술을 적극적으로 수용하게 되었다. 본 연구자는 이러한 연구 배경을 토대로 수많은 디지털 매체 중 프로젝션 맵핑을 선정하여 프로젝션 맵핑 특성에 기반한 무용창작 연구를 진행하였다. 본 연구는 프로젝션 맵핑의 개념 및 기법을 고찰하고 프로젝션 맵핑을 활용한 무용작품 사례를 분석하여 ‘신체성’, ‘시·공간성’, ‘상호작용성’의 세 가지 특성을 도출하였으며, 도출된 특성에 기반하여 무용창작을 하기 위해 프로젝션 맵핑의 프로그램을 제작하였고 이를 활용하여 <실존적 공허>를 창작하였다. 또한 <실존적 공허>에 나타난 프로젝션 맵핑의 특성과 그 효과를 분석하였으며 그 결과는 다음과 같다. 프로젝션 맵핑의 특성인 ‘신체성’, ‘시·공간성’, ‘상호작용성’은 무용창작 시 안무자, 무용수, 관객에게 실시간 상호작용을 통한 확장된 표현 범위와 원활한 메시지 전달로 소통의 질을 높이게 하여 작품의 의미를 예술적 표현의 가치로써 구현할 수 있다. 그리고 기존 작품이 가진 신체와 동작의 표현적 제약에 벗어나 그 범위를 확장해 작품의 생동감을 느낄 수 있으며, 시·공간의 한계를 극복하여 작품의 공간감, 현실감, 속도감, 착시감, 몰입감뿐만 아니라 실시간 상호작용을 통해 작품의 흥미도, 집중도, 이해도를 높여 작품의 완성도를 높이는 효과를 가지게 한다. 나아가 완성도 높은 작품으로 관객의 만족감 상승의 기능까지 수행할 수 있어 프로젝션 맵핑의 특성은 무용창작의 활용방안으로서 그 효과가 있다. 위와 같은 연구 결과를 바탕으로 무용창작 시 프로젝션 맵핑의 특성에 기반한 활용방안은 다음과 같다. 첫째, 프로젝션 맵핑의 다양한 조작과 효과를 통해 신체적 한계를 넘어 움직임과 그 이미지들을 제한 없이 창작할 수 있고, 실현 불가능한 동작까지도 구사할 수 있기 때문에 기존의 움직임에 대한 개념과 이해를 넘어선 동작을 제약 없이 자유롭게 만들어낼 수 있을 것이다. 둘째, 공연예술의 특징인 현장성과 일회성은 프로젝션 맵핑을 통하여 시공간의 제약을 극복하고 재생, 반복, 조합 등을 통해 실시간으로 결과물과 효과를 즉각적으로 확인할 수 있다. 이는 무용창작에 드는 시간과 비용을 절감할 수 있어 다양한 시도가 가능해지며, 실시간 시각적 표현은 창작자에게 감각적 자극의 경험을 제공할 것이다. 셋째, 무용수의 움직임과 음악, 조명, 무대미술 등으로 진행되는 기존 무용 작품과는 다르게, 프로젝션 맵핑을 활용한 무용 작품은 관객의 제스처나 행위가 작품 전개에 영향을 미칠 수 있으며, 예상치 못한 작품의 전개는 창작자에게 또 다른 작품의 방향성을 제시할 수 있을 것이다. 또한 관객의 참여를 통한 실시간 상호작용은 관객에게 작품의 참여자로서의 기회와 경험을 제공하여 무용공연의 활성화에도 기여할 수 있을 것이다. 넷째, 디지털 매체에 적응된 관객들 역시 프로젝션 맵핑의 공연을 거부감 없이 받아들이며 감각적인 변화를 경험할 것이다. 그렇기에 프로젝션 맵핑의 활용은 무용창작에서 기존과는 다른 시각적 이미지들을 만들어 내어 관객과 새로운 커뮤니케이션 수단으로써 무용의 대중화에 기여할 수 있을 것이다. 이에 본 연구를 근거로, 프로젝션 맵핑과 같은 디지털 매체의 선정에 대한 범위를 넓혀 무용창작에 가장 적합한 매체 선정과 디지털 기술에 대한 충분한 이해를 통해 적절한 기술 활용으로, 무용창작 시 움직임 표현 범위를 확대할 수 있는 지속 가능한 연구가 필요하며 향후 프로젝션 맵핑을 활용한 무용공연은 침체된 무용공연 시장에 활기를 불어넣을 수 있을 것이라 기대한다.

무용창작에서 오브제의 은유적 표현 방식 연구 : 창작 작품 『형제』를 중심으로

우동평 국민대학교 일반대학원 2021 국내석사

The goal of this research is to study the metaphorical expression of objet in the hope of helping the development and convenience of dance creation. Specifically, it is to sort out the characteristics of metaphorical expression through data analysis, what kind of objet should be selected when applying in creation, whether the use of objet through metaphorical characteristics can reasonably and adequately convey the ideas of the work, and apply these in the creation. Through practical research on creative works, it is hoped that this research will provide a little help to the communication of works and the use of objet. According to the statistics, dances which using objet account for more than half of the total number of dances, and there are countless types of objet. Through the sorting of documents, objet is roughly divided into three categories: small objet, large objet, and small characteristic objet. There are only a dozen types of fans in small objet, and each category is subdivided into countless categories. Therefore, how to choose from the many kinds of objet that suits the thought of the work and the body of the dancer will become a factor. In addition, most of the dances using objet express ideas through metaphors. Therefore, this study will extract the characteristics of metaphor expression from the origin, development and application of metaphor, and try to verify the characteristics of metaphor expression from the perspective of the creation of the work "Brothers" Reasonability and feasibility. For this reason, after first inspecting the literature related to objet and analyzing the prior works to find the conditions for the existence of objet in dance, objet should be able to supplement the lack of expression, add spatial changes, and strengthen the dancer’s. After determining the theme at the beginning of the creation of the work, the idea of existence is analyzed from the context and structure of the conceived work that the required objet must have the characteristics of connection and change, so in many objet with this characteristic, the lamp is initially locked, Umbrella, cloth, etc. Secondly, the three metaphorical expression characteristics which are creativity, relativity and symbolism are sorted out through the analysis of many documents. Through the definition of three metaphor expression characteristics, after studying the expression methods and functions of metaphor expression characteristics, as well as the use methods and cases of metaphor expression characteristics, they are fully considered in the creation. At the same time, among many objet, after studying the characteristics of metaphorical expression, it was decided to use a cloth strip that is more in line with the expression needs and use requirements of the work as objet. After the work is completed, through the analysis of the effect of metaphor in the creative work, it supports the rationality and feasibility of the metaphor expression characteristics. Based on the characteristics of three metaphorical expressions verified by practice, this research can provide a convenient way of thinking and method for metaphorical dance creation using objet. Taking the characteristics of metaphorical expression as the thinking and the application of objet as the method when creating, not only can grasp the accuracy of the thought of the work, but also find the creative method more conveniently. 이 연구의 목적은 무용 창작의 발전과 편의를 돕기 위해 오브제의 은유적 표현을 연구하는 것이다. 구체적으로 데이터 분석을 통해 은유적 표현의 특성, 창작에 적용 할 때 어떤 종류의 오브제를 선택해야 하는지, 은유적 특성을 통한 오브제의 사용이 작품의 아이디어를 합리적이고 적절하게 전달할 수 있는지 여부를 파악하고 이를 창작에 적용하는 것이다. 창작 작품에 대한 실무연구를 통해 이번 연구가 작품의 소통과 오브제의 활용에 약간의 도움이 되기를 기대한다. 통계에 따르면 오브제를 사용하는 무용은 전체 무용수의 절반 이상을 차지하며 이에는 수많은 종류의 오브제가 있다. 문서의 분류를 통해 오브제는 크게 소 오브제, 대 오브제, 소 특성 오브제의 세 가지 범주로 나뉘는데, 소 오브제의 팬은 12 종류뿐이며, 각 범주는 무수히 많은 범주로 세분화된다. 따라서 작품의 생각과 무용수의 몸에 맞는 다양한 오브제 중에서 선택하는 방법이 요인이 될 것이다. 또한 오브제를 사용하는 대부분의 무용은 은유를 통해 아이디어를 표현하고 있으므로 본 연구에서는 은유의 기원, 전개 및 적용에서 은유 표현의 특성을 추출하고 작품 "형제"의 창작 관점에서 은유 표현의 특성을 합리성과 타당성 측면에서 검증하고자 한다. 이러한 이유로 오브제 관련 문헌을 처음으로 살펴본 후, 이전 작품을 분석하여 작품을 바탕으로 무용에서 오브제의 존재 조건을 찾아낸 후, 오브제의 표현 부족을 보완하고 공간적 변화를 더하며 무용수를 강화할 수 있어야 한다. 작품 생성 초기에 주제를 결정한 후, 존재 개념은 구상된 작품의 맥락과 구조에서 분석됩니다. 필요한 오브제는 연결과 변화의 특성을 가져야 하기 때문에 이러한 특성을 가진 많은 오브제에서는 램프를 처음에 잠그게 됩니다. 우산, 천 등. 둘째, 많은 문서를 분석하여 창의성, 상대성, 상징주의의 세 가지 은유 표현 특성을 분류한다. 세 가지 은유적 표현 특성의 정의를 통해 은유적 표현 특성의 표현 방법과 기능, 사용 방법 및 은유 표현 특성의 사례를 연구한 후, 그것들을 창조에 충분히 고려한다. 동시에 많은 오브제 중 은유적 표현의 특성을 연구한 후 오브제로서 작품의 표현 요구와 사용 요구 사항에 더 부합하는 천을 사용하기로 결정했다. 작품이 완료된 후 창작 작품에서 은유의 효과 분석을 통해 은유 표현 특성의 합리성과 타당성을 뒷받침한다. 본 연구는 실습을 통해 검증된 세 가지 오브제의 은유적 표현의 특성을 바탕으로, 제제를 이용한 은유적 무용 창작을 위한 편리한 사고 방식과 방법을 제공 할 수 있다. 은유적 표현의 특성을 사고로, 오브제의 적용을 방법으로 삼아 작품의 사고의 정확성을 파악할 수 있을 뿐만 아니라 창의적인 방법을 보다 편리하게 찾을 수 있다.

태극권 사상과 동작에 기반한 무용창작연구 : 작품 <弈>을 중심으로

무동회 국민대학교 일반대학원 2022 국내박사

Currently, as society develops rapidly, dance art is diversifying. More and more choreographers are incorporating them into dance works by referring to academic categories such as philosophy, aesthetics, painting, and calligraphy. This new type of dance work evokes strong sympathy from the audience in terms of ideological expression and visual shock. Taegeukgwon has many similarities to movements, breathing, and dance. Therefore, it is more advantageous to choreograph with Taegeuk-kwon elements.Taegeukgwon originated in China, and its theoretical background is Taegeukgwon. These ideas claim a state of balance between humans and the natural world and balance through meditation and physical training. There are many schools of Taegeukgwon, among which the Jin, Yang, and Mu are famous. The Taegeukgwon movement is characterized by round and softness, emphasizing the harmony of the whole body, and practicing with slow movements to train the body and consciousness.This study is a dance creation using the movements and ideas of Taegeukgwon. It also plays a role in increasing the philosophical depth and implications of dance works and increasing aesthetic sense and artistic value. Since both dance and Taegeukgwon emphasize physical control and fluency in movement, combining the ideas and movements of Taegeukgwon with dance can express leisurely and implicit aesthetics well. This new dance form not only gives the audience an unprecedented visual shock, but can also arouse empathy in the mind. Taegeukgwon is an old and profound exercise method that contains the ideological essence of Taegeuk philosophy in the martial law. The purpose of this study is threefold.First, by applying the movements of Taegeukgwon to dance creation, dance formations are enriched. Second, the use of the power of Taegeukgwon is applied to dance creation to enrich the form of dance movement. Third, by analyzing the philosophical and theoretical background of the Taegeuk area, it lays the theoretical foundation for modern dance and the creation of the Taegeuk area dance.This study aims to create dance using the ideas and movements of Taegeukgwon. In addition, he created a dance work called <弈> based on the elements of the Taegeuk 24 style Taegeukpal technique and Taegeuk Chusu among the Taegeuk powers. In addition, the Taegeuk yin-yang idea in the Taegeuk area was implemented using the arrangement of props and scenes, and the two-person dance further expressed the mutual confrontation of the Taegeuk yin-yang idea by applying the elements of the Taegeuk Chusu. In this study, the Taegeukgwon 24-style Taegeukpal method and the dance movement were compared in detail. In the end, several conclusions were reached.First, when creating a work, the dance scene is constructed using the ideas of Taegeukgwon, and attention is paid to the temperament and fluency of the entire scene. In dance, the yin and yang ideas of the Taegeuk area are used to express confrontation in the scene. It expresses different rhythms through the conversion and replacement of yin and yang, giving the audience a rich feeling. The establishment of a dance scene using the idea of Taegeukgwon can enrich the inner aesthetics and philosophical implications of dance and increase the artistic value and viewingability of the work. Second, by applying the basic movement and power method of Taegeukgwon to the design of the dance movement, the dance movement can be made more natural and smooth. The aesthetic value of dance is increased by adding the elements of Taegeukgwon to dance. It can expand the area and height of artistic creation, break down the boundaries of various fields, and make dance art forms richer and more interesting. It also helps the development of cultural diversity. This combination can stimulate artists' creativity and imagination, provide them with a wider space of expression and possibilities, and promote innovation and development of art. It can be seen that the convergence of dance and Taegeukgwon is advantageous for the development of dance art. Therefore, in the future, researchers appeal to try to create a convergent dance of other martial arts schools and dances. This is not only helpful for the development of dance art, but can also be combined with artistic diversity. 현재 사회가 급속히 발전하면서 무용 예술이 다양해지고 있다. 점점 더 많은 안무가들이 철학, 미학, 회화, 서예 등의 학문적 범주를 참고하여 무용 작품에 접목하고 있다. 이런 새로운 형태의 무용 작품은 사상적 표현이나 시각적 충격 면에서 관객들의 강한 공감을 불러일으킨다. 태극권은 동작이나 호흡이나 무용과 비슷한 점이 많다. 그래서 태극권적인 요소를 가지고 안무하는 것이 더 유리하다. 태극권은 중국에서 기원한 것으로, 그 이론적 배경은 태극사상이다. 이러한 사상은 인간과 자연계 사이에서 균형을 찾고 명상과 신체 단련을 통해 균형을 이루는 상태를 주장한다. 태극권은 많은 유파가 있는데 그중에서도 진식, 양식, 무식 등이 유명하다. 태극권 동작은 둥글고 부드러운 것이 특징이며 온몸의 조화를 중시하고 느린 동작으로 연습하여 몸과 의식을 단련한다. 본 연구는 태극권의 동작과 사상을 이용한 무용 창작이다. 또한 무용 작품의 철학적 깊이와 함의를 높이고 미적 감각과 예술적 가치를 높이는 역할을 한다. 무용과 태극권은 모두 신체 통제와 동작의 유창성을 강조하기 때문에 태극권의 사상과 동작을 춤에 접목하면 유유자적하고 함축적인 미학을 잘 표현할 수 있다. 이 새로운 무용 형식은 관객들에게 전에 없던 시각적 충격을 줄 뿐만 아니라 마음의 공감을 불러일으킬 수 있다. 태극권은 오래되고 심오한 운동방식으로 권법에 태극 철학의 사상적 정수를 담고 있다. 본 연구의 연구 목적은 세 가지다. 첫째, 태극권의 동작을 무용 창작에 적용함으로써 무용 조형을 더욱 풍부하게 만든다. 둘째, 태극권의 힘 사용법을 무용 창작에 적용하여 무용 운동의 형식을 더욱 풍부하게 한다. 셋째, 태극권의 철학적 이론적 배경을 분석하여 현대 무용과 태극권의 무용 창작에 이론적 토대를 마련한다. 본 연구는 태극권의 사상과 동작을 이용한 무용 창작을 목적으로 한다. 그리고 태극권 중 태극권 24식 태극팔법과 태극추수를 요소로 한 무용 작품 <弈>을 만들었다. 또한 소품과 장면의 배치를 이용하여 태극권 속의 태극 음양 사상을 구현하였으며, 2인무에서는 태극추수의 요소를 응용하여 태극음양사상의 상호대립성을 더욱 표현하였다. 본 연구에서는 태극권 24식 태극팔법 태극 추수와 무용 동작을 자세히 비교하였다. 결국 몇 가지 결론이 나왔다. 첫째, 작품을 만들 때 태극권의 사상을 활용하여 무용 장면을 구성하고, 장면 전체의 기질과 유창성에 주의를 기울인다. 무용에서는 태극권의 음양(陰陽) 사상을 이용하여 장면에서의 대결을 표현한다. 음양의 전환과 교체를 통해 서로 다른 리듬감을 표현해 관객들에게 풍부한 느낌을 준다. 태극권 사상을 이용한 무용 장면의 구축은 무용의 내적 미학과 철학적 함의를 더욱 풍부하게 하고 작품의 예술적 가치와 관람성을 높일 수 있다. 둘째, 무용 동작의 디자인에 태극권의 기본동작과 힘 쓰는 방식을 적용하여 무용 동작을 보다 자연스럽고 매끄럽게 할 수 있다. 무용에 태극권의 요소를 가미해 무용의 심미적 가치를 높인다. 그것은 예술 창작의 영역과 높이를 확장하고 다양한 분야의 경계를 허물며 무용 예술 형식을 더 풍부하고 흥미롭게 만들 수 있다. 또한 문화 다양성의 발전에 도움이 된다. 이러한 결합은 예술가들의 창의력과 상상력을 자극하고, 그들에게 더 넓은 표현 공간과 가능성을 제공하며, 예술의 혁신과 발전을 촉진할 수 있다. 무용과 태극권의 융합이 무용예술의 발전에 유리함을 알 수 있다. 따라서 향후 연구자들은 다른 무술 유파와 무용의 융합적 무용 창작을 많이 시도할 것을 호소한다. 이는 무용 예술의 발전에 도움이 될 뿐만 아니라 예술적 다양성과 결합하는 것을 도모할 수 있다.

에이젠슈테인의 몽타주 기법을 활용한 무용창작 : 창작 작품 『Good-Bye』를 중심으로

나형우 국민대학교 일반대학원 2021 국내석사

The social distancing movement caused by the spread of the Novel Coronavirus (COVID-19) has spread Untact culture. As Untact culture approaches daily life, various parts of education, jobs, culture, industry, and art, etc. are changing differently than before the COVID-19. Performing arts were conducted in accordance with the spread of Untact education and jobs using video platforms, and performances and exhibitions using Virtual Reality(VR). Such activities have not existed before. The technologies and methods that enable Untact activities have already been introduced in various fields and used in performing place such as concert hall and theatre, and education as technology has developed in the fourth industrial revolution. COVID-19 brought the technologies that had been used little by little to approach much faster. The investigation into how dance performances are progressing under rapid changes and how the audience accepts the methods is an important part to find out the directionality such as orientation of dance performances. Accordingly, the researcher investigated the method of Untact dance performances and confirmed that the performances on the stage of the theater were being conducted on a new stage called online, such as dance film, live performance, and screening of recorded performance, etc. While investigating the data analyzing the audience's opinions on the performance on video platform which is in progress, this study has found out that the audience who watched the performance as live video mentioned the shooting technique the most in the survey on 'improvements for live dance performance'. If the performance is held face-to-face in the theater, the audience can look at the dancer with their own eyes. However, in case of performances that are transmitted through video, the audience can only see the performance through the frame of the camera. Research is needed on how to apply imaging techniques to dance performances in order to understand and improve the differences seen in face-to-face situations where continuous image information needs to be viewed. For this reason, this researcher conducted this study to analyze the characteristics of 'montage techniques' used as video shooting and editing technique in movies and to apply them to the creation of dance performance. From the result of this research above, it may be summed up as follows. First, this study was to investigate the concept of montage technique used in the films and the theories of various directors and scholars through development process of montage technique. Among them, this study was to select Eizenshtein's montage technique, as a factor in creating and delivering new images to audiences, as the main theme of this research on creation. In Eizenshtein's book, he described the methodology of montage as intellectual montage, metric montage, tonal montage, rhythmic montage, and overtonal montage. To investigate the characteristics of Eizenshtein's montage technique, this study was to analyze the characteristics by analyzing the five montage techniques used in his film『Battleship Potemkin』. In addition, to investigate how montage techniques are being used in recent films, this study was to identify the montage techniques shown in the 2019 film 『Parasite』 and analyze the characteristics accordingly. Second, he began his dance creation based on characteristics analyzed through the films 『Battleship Potemkin』 and 『Parasite』. This study was to compose the entire performance by applying the storyboard used in the production of the film to the structural type of the choreography. In order to use the scene classification in the video for dance creation, the performance contents were divided into three chapters, which is the same as the Scene of the video, and the movement was viewed and directed as a Scene-making Shot, so that it could be used in both the theater stage and the video stage. Third, in accordance with the characteristics of the five montage techniques, this study was to utilize the theater lights, stage structure, dancer's movement, Objet, and movements to be used in the dance performance. In order to utilize the intellectual montage techniques of metaphorical expression, it was intended to metaphorically express the message 'repetition of parting' by expressing the parting and meeting of dancers to set the direction of the dancer's movement at the beginning and the end of the performance. In addition, this study was to compose the entire performance by using the configuration method of overtonal montage technique that three montage techniques that were used in combination while using the composition of movement, Objet, lights and music with the tonal montage technique which created an atmosphere by using the rhythmic montage, light and shade or music which conveyed messages by contrast of metric montage and movement to help develop the performance with the length of Shot. Using the characteristics of Eizenshtein's montage technique, this researcher applied the imaging technique used in cinematic art to the process of dance creation by creating and analyzing the work 『Good-bye』. This study, which conducted creative activity using imaging technique, was to present future developmental direction for areas that need to be improved in dance video performance. Even after the end of COVID-19, dance performances using online platform will not disappear, and will be reviewed and developed as a new stage structure. In the process, this researcher expects that the understanding of the visual media and research on the utilization method will continue to be conducted to develop dance video performance. 코로나 19 바이러스 이후 발생한 사회적 거리두기 운동은 비대면 문화를 확산시켰다. 비대면 문화가 일상으로 다가오면서 교육, 일자리, 문화, 산업, 예술 등의 다양한 부분들이 코로나 19가 발생하기 이전과 다르게 바뀌어가고 있다. 공연예술은 비대면 확산에 맞추어 영상 플랫폼을 이용한 온라인 교육과 작업, 가상현실을 활용한 공연과 전시들을 진행하고 있다. 이러한 변화 속에서 무용공연이 어떻게 진행되고 있는지 그리고 관객이 온라인 플랫폼에서 진행되는 무용공연을 어떻게 바라보고 있는지에 대한 조사는 앞으로의 무용공연의 방향성을 알아보기 위해 중요한 부분이다. 이에 본 연구자는 비대면 무용공연의 방법을 조사하여 현장에서 대면으로 진행되었던 공연들이 온라인이라는 새로운 무대에서 댄스필름, 생중계 공연, 녹화공연 상영 등의 방법으로 진행이 되고 있음을 확인하였다. 영상 플랫폼 공연에 대한 관객들의 의견을 분석한 자료를 조사하던 중 생중계 영상으로 진행되는 공연에서 촬영기법의 문제점을 가장 많이 언급한 것을 확인하였다. 극장에서 대면으로 진행되는 공연은 관객이 무용수를 자신의 시선으로 바라볼 수 있지만 영상으로 공연이 송출되는 경우 관객은 카메라의 프레임을 통해서만 공연을 볼 수 있다. 연속적으로 나오는 영상정보를 그대로 바라보아야 하는 상황과 대면에서 관람하는 차이를 이해하고, 개선하기 위해 영상을 구성하는 기법을 무용공연에 적용하는 방법에 대한 연구가 필요하다. 이에 본 연구자는 영화에서 영상촬영 및 편집기법으로 활용되는 ‘몽타주 기법’의 특성을 분석하여 무용공연 창작에 적용하는 연구를 진행하였다. 먼저, 영화에서 활용되는 몽타주 기법에 대한 개념과 여러 감독, 학자들의 이론을 조사하였고, 그 중 몽타주를 장면과 장면의 충돌 혹은 대립을 통해 새로운 이미지를 만들어 관객들에게 전달하는 요소로 바라본 에이젠슈테인의 몽타주 기법을 본 창작연구의 주제로 선정하였다. 에이젠슈테인의 영화「전함 포템킨」에서 활용한 다섯 가지 몽타주 기법(지적 몽타주, 율동적 몽타주, 운율의 몽타주, 음조적 몽타주, 배음적 몽타주)을 분석하여 그 특성을 분석하였다. 또, 최근 영화에서는 몽타주 기법을 어떤 방식으로 활용하고 있는지에 대한 조사를 위해 2019년에 개봉한 영화「기생충」에 나타난 몽타주 기법을 확인하고 그 특성을 분석하였다. 두 번째로, 영화「전함 포템킨」과「기생충」을 통해 분석한 특성을 바탕으로 무용창작을 진행하였다. 영상에서의 씬(Scene)구분을 무용창작에 활용하기 위해 작품내용을 3장으로 나누어 영상의 씬과 같은 구성을 하고 움직임을 씬을 구성하는 쇼트(Shot)로 바라보고 연출하여 극장무대와 영상무대에서 모두 활용 될 수 있게 작품을 연출하였다. 세 번째로, 몽타주 기법의 특성에 맞추어 무용작품에서 활용할 수 있는 극장조명, 무대구조, 무용수의 동선, 오브제, 움직임들을 활용하였다. 은유적인 표현의 지적 몽타주 기법의 특성을 활용하기 위해서 작품의 시작과 끝에 무용수의 동선을 시작과 같게 하여 ‘이별의 반복’이라는 메시지를 은유적으로 표현하고자 하였다. 또 쇼트의 길이를 활용하여 작품의 전개를 도우는 운율의 몽타주와 움직임의 대비를 통해 메시지를 전달하는 율동적 몽타주를 적용하였다. 그리고 명암이나 음악을 활용해 분위기를 조성하는 음조적 몽타주 기법을 움직임의 구성, 오브제, 조명과 음악을 활용하여 복합적으로 활용하면서 위의 운율의 몽타주, 율동적 몽타주, 음조적 몽타주 기법이 복합적으로 활용하는 배음적 몽타주 기법의 구성방법으로 작품 전체를 구성하였다. 본 연구자는 에이젠슈테인의 몽타주 기법의 특성을 활용하여 작품 「Good-Bye」를 창작하고, 분석하는 것으로 영화예술에 활용되는 영상기법을 무용창작과정에 적용하였다. 영상기법을 활용하여 창작활동을 진행한 본 연구는 무용영상 공연에서의 개선이 필요한 부분에 대한 향후 발전 방향을 제시하였다. 코로나 19가 종식된 이후에도 온라인 플랫폼을 이용한 무용공연은 사라지지 않을 것이고, 새로운 무대구조로 재조명되고 발전할 것이다. 그 과정에서 영상매체에 대한 이해와 그 활용방법에 대한 연구가 지속적으로 이루어져 무용영상 공연이 발전하기를 기대해본다.

인터랙티브 미디어를 활용한 움직임의 응용적 연구 : 창작 작품 ‘Museum’ 중심으로

서유미 국민대학교 일반대학원 2022 국내석사

본 연구에 21세기 디지털 기술을 이용한 미디어의 상호작용을 경험형, 협엽형, 네트워크형 3가지 유형으로 분류하고 본 연구에서 제작된 창작 작품 ‘Museum’으로 재해석하여 연구하였다. 인터랙티브 미디어는 현재 미디어아트와 융합되어 많은 미디어 작품을 발굴하고 있다. 인터랙티브 미디어는 상호작용성, 다양성, 적응성, 피드백 등등 광범위한 특징들에 주목하고 있다. 따라서 기술과 예술의 융합을 통해 미디어를 활용하여 관객과 무용수 사이의 소통을 끌어내는 것이 목적이다. 인터랙티브 미디어는 디지털 상호작용 활동으로, 기술과 현실의 물리적 경계가 사라지면서 많은 사람이 소통의 의미를 강조하고 있습니다. 융합예술에 기술을 접목한 예술 창작을 제시하였고, 온라인 모바일 매체의 특징인 휴대성, 단순성, 편리성, 실용성을 갖춘 매체를 창작물의 소통을 위한 도구로 설정하여 미디어의 개념과 방향에 관해 관련 사례를 살펴보았다. 미디어를 활용한 창작물을 연구하는 과정에서 많은 작품을 알고 미디어의 개념을 인지하는 것이 중요하다. 본 연구의 창작 작업에서는 인터랙티브 미디어의 의미를 양 방향적 의미로 중요하게 여기고, 미디어를 활용하여 관객과 무용수와의 소통으로 이어지는 주제를 제시하며, 탐구한다. 연구에 포함된 작품의 예는 양방향 상호작용의 의미만을 주의 깊게 살펴보고 다른 미디어 작품과는 차별하지 않는다. 이러한 방향을 제시한 이유는 현재 미디어를 기반으로 하는 작품들이 대부분 미디어아트의 특성을 보여주기 때문이며, 이러한 결과를 외면하기보다는 자세히 살펴보는 과정을 통해 예술적인 의미가 아닌 작품으로 승화시키는 방법이라고 생각하여 이러한 방향을 제시하였다. 우리 사회는 AR 기술의 발전과 확장 가상 세계의 발전, 미디어 기술의 성장으로 이어지고 있으며, 꾸준히 발전하는 기술에 비해 미디어 기술의 융합을 꿈꾸는 예술가들은 전문적인 기술가들과의 융합하려는 방법을 몰라서 스스로 미디어에 접근하는 데 어려움을 겪는다. 서로에 대한 정보가 단절되는 문제가 발생함에 따라 ‘융합기술 플랫폼 언폴드 X’ 프로젝트는 이러한 문제를 해결하기 위해 서울문화재단과 서울 디자인재단의 후원으로 2021년 진행된 프로그램이다. 이 프로그램은 흩어져 있는 미디어 아티스트와 예술가를 한자리에 모아 융합예술을 통한 작품을 만들고, 그 결과물을 전시나 공연으로 기획하는 것이다. 하지만 이 프로그램은 짧은 기간의 프로젝트로 남아 멈춰있는 상태이다. 이렇게 예술과 기술의 융합으로 만들어진 프로젝트, 작품들 등 오랜 기간 남아서 꾸준히 예술 작품으로 빛이 나길 소망한다. 또한 이 연구를 통해 예술에 대한 사람들의 부정적인 인식이 긍정적인 변화를 가져오고, 상호작용을 포함한 다양한 예술 작품이 발전에 기여할 것으로 본 논문은 기대한다. In this study, media interaction using digital technology in the 21st century was classified into three types: experiential type, collaborative type, and network type, and reinterpreted and studied as a creative work produced in this study, 'Museum'. Interactive media is currently merging with media art to discover many media works. Interactive media pays attention to a wide range of features, such as interactivity, diversity, adaptability, and feedback. Therefore, the purpose is to elicit communication between the audience and the dancers by utilizing media through the convergence of technology and art. Interactive media is a digital interactive activity, and many people emphasize the meaning of communication as the physical boundary between technology and reality disappears. In this regard, art creation that combines technology with convergence art was presented, and media with portability, simplicity, convenience, and practicality, which are the characteristics of online mobile media, were set as a tool for communication of creations, and related to the concept and direction of media. I looked at the case. In the process of researching creative works using media, it is important to know many works and to recognize the concept of media. In the creative work of this study, the meaning of interactive media is regarded as important in both directions, and themes that lead to communication between the audience and dancers are presented and explored using media. The examples of works included in the study only carefully examine the meaning of interactive interaction and do not discriminate against other media works. The reason for suggesting this direction is that most of the current media-based works show the characteristics of media art. suggested this direction. Our society is leading to the development of AR technology, the development of the expanding virtual world, and the growth of media technology. Compared to the steadily developing technology, artists who dream of convergence of media technology do not know how to converge with professional technicians, so they themselves engage in media. have difficulty accessing As the problem of disconnection of information about each other occurs, the 'Convergence Technology Platform Unfold X' project is a program that was conducted in 2021 with the support of the Seoul Foundation for Arts and Culture and the Seoul Design Foundation to solve this problem. This program brings scattered media artists and artists together to create works through convergence art, and plans the result into an exhibition or performance. However, this program remains a short-lived project and is at a standstill. I hope that projects and works created through the convergence of art and technology will remain for a long time and continue to shine as works of art. In addition, this study expects that people's negative perception of art will bring about positive changes, and that various art works, including interactions, will contribute to the development.